martes, 24 de octubre de 2017

Comentario sobre "Apu" del valle, por Rafael Seminario Coello


Comentario sobre "Apu" del valle, por Rafael Seminario Coello
OLEO  pintura realizada en 1983.
artista  Rafael Seminario Coello
Estilo.  realista, paisaje  Andino
Nacionalidad:  Peruana
medidas      120  cm x  90 cm

El cuadro recrea momentos de la población campesina andina en su lacónica vida cotidiana, familiar, y que viven pendientes de su deidad de quien reciben agua y  enseñanzas  que impactan su vida intensamente.Sobre un fondo de paisaje vaporoso,se resalta la enigmática figura del Apu  que constituye lo más atractivo del cuadro.  Rafael  Seminario busco y diseñó la montaña expresamente para dicha ubicación.
La figura del Apu dios de la comarca, es blanquecina y esbelta como de hombre anciano con barba envuelto en alborotada túnica color gris.Sus largos mechones níveos de dorados rocosos reblandecidos por el paso del tiempo están para impartir la chispa de vida en el verdor de los sembrios mecidos por el viento. Al mismo tiempo la nube, que aparece flotando en el aire contrasta con la imagen terrenal del Apu.
Su pincel exhaustivo (Seminario)consigue un curioso efecto con la fuente de luz en la escena. La
composición es obviamente artística y no literal, ya que ante todo prima el dibujo sobre la materia. Sus colores estridentes, de rotundas pinceladas y retorcidos trazos lo convierten en una de las más realistas expresiones de la pintura peruana. Innovadora en el uso del color amarillo, en que Rafael  Seminario emplea en una gama cromática conjunta en los cielos con azules, ocres, marrones, beiges, etc. El efecto de los
colores está aplicado con pinceladas fuertes, agresivas, en pequeños toques salteados, destacando la plasticidad de la pintura, que crea un fino relieve en la tela, y para dar volumen a la nieve del monte.
Para resaltar el verde, amarillos del pueblo y azul cielo en los contornos, emplea la silueta  y el contraste , creando un efecto de suave intensidad lumínica. El artista llega plenamente al dominio de la linea con su personal estilo de trazo elegante, haciendo justicia a una obra de incuestionable  belleza,reflejando el ideal estético andino y el mensaje simbólico de renacimiento a la vida por el respeto a la tierra donde
están representados cuatro elementos esenciales de la materia: energía, aire, tierra y agua.
La pintura tomó de tres  años en ser completada y se trata de un cuadro que nunca ha sido
tasado, está considerado como tal vez su cuadro más "afanoso", tomando en cuenta que continuó
retocándolo varios años después. La pintura es excepcional en la visión artística, especialmente si se tiene en cuenta su calidad y antigüedad, donde el artista combina, la poesía y la pintura, consiguiendo su más alta aspiración: plasmar el alma del ande,  la tesis de un largo recorrido por la sierra, en donde  respiró la atmósfera y encanto de la vida cotidiana serrana. Pintura por Rafael Seminario Coello.

Precio   -incluye IGV.
Entrega en el Taller de San Isidro
artista  Rafael Seminario Coello
4224152  mkt@onetooneperu.org  
www@onetooneperu.org

martes, 10 de octubre de 2017

ORIENTACIÓN VOCACIONAL - CARRERAS de ANIMACIÓN para ESCOLARES

ORIENTACIÓN  VOCACIONAL  para  ESCOLARES
Orientación vocacional artística Sesiones de Orientación vocacional artística para escolares que necesitan información para  realizarse profesionalmente como animadores para especializarse  en áreas de producción
o proyectos de animación de diferente genero. Actividad gratuita.
TEMARIO:
- Porqué, para qué, cómo, dónde...  estudiar cine de animación?
- Ventajas de las carreras de animación.
- Formarse como animador independiente.
- prepararse para estudiar  animación en alguna escuela nacional.
- Estudiar cine de animación en universidades del extranjero.
Reuniones para grupos reducidos con presencia de padres. Taller dirigido por Rafael Seminario Coello director de animación.
·         BLOG = http://rafaelseminarioartista.blogspot.pe/
·         WEB = http://www.onetooneperu.org/carreras-animacion.htm
·         FB = https://rafaelseminarioartista.blogspot.pe/
 Estamos en el cruce de las avenidas petit thouars y javier prado, Lima, Perú.
Informes e inscripciones:   4224152    mkt@onetooneperu.org
 visite nuestra página: www.onetooneperu.org



viernes, 6 de octubre de 2017

Algunas imágenes del corto en arena -en proceso de darle sonido- Imperio de los Incas realizados por una sola persona , porque la idea es enseñar a los estudiantes y a quienes deseen dedicarse a esta arte que no tienen que esperar mucho para trabajar para sus propias ideas.  Promovemos el conocimiento de la animación tradicional-clásica y la formación de animadores independienmtes.

 Creemos firmemente que el desarrollo de la industria de la animación en Perú sólo puede darse desde la base del trabajo de los animadores independientes. En nuestra escuela enseñamos eso y apoyamos a nuestros estudiantes para hacer realidad  su maximo desarrollo-
 short movie, in sand, pics about l'Empire des Incas- - we promote the independent animation,promovemos la animacion independiente, one to one escuela de animacion-Lima
 Informes (511) 422152       Email: mkt@onetooneperu.org


domingo, 27 de agosto de 2017

La Enseñanza del arte como fraude

Esta es parte de un articulo aparecido en el año 2012 (adjunto al final la fuente con link del articulo completo). Lo considero el tema  de actualidad referente a la cuestionable situación de la educación en el Perú,  enfocada 100% al lucro. Sobre el tema de la enseñanza del arte, como anécdota recuerdo  las palabras del venerable Juan Manuel Ugarte Eléspuru ante alumnos, egresados  y docentes- en pleno cierre del local de la escuela de bellas artes 1996 (?) ante la demanda estudiantil de solicitar el grado universitario para la escuela. Reunión en la casona de la Universidad de San Marcos, 
  ..."más que titulos, o diploma o grados universitario lo que vale es la obra"


La Enseñanza del arte como fraude  publicado por Luis Camnitzer en 2012/03/21.
Quiero comenzar esto con dos afirmaciones pedantes y negativas. Una es que el proceso de educación de los artistas en el día de hoy es un fraude. La otra es que las definiciones que se utilizan hoy para el arte funcionan en contra de la gente y no a su favor.  La parte del fraude está en la consideración disciplinaria del arte, que lo define como un medio de producción. Esto lleva a dos errores:
1.- El primer error es la confusión de la creación con la práctica de las artesanías que le dan cuerpo.
2.- El otro error es la promesa, por implicancia, que un diploma en  arte conducirá a la posterior supervivencia económica.
 La educación formal del artista sufre de las mismas nociones que imperan en las otras disciplinas: que la información técnica sirve para formar al profesional y que después de adquirir esta información uno podrá mantener una familia. En los Estados Unidos, en donde la educación no es un derecho sino un producto comercial de consumo, esta situación es llevada al nivel de caricatura obscena. La inversión económica para recibir el diploma final de maestría, el Master of Fine Arts, en una universidad decente es de unos 200.000 dólares. Al final de este gasto, la esperanza es vender la obra producida o enseñar a las generaciones venideras. Aun si esto no es literalmente así en otros países, el concepto probablemente funciona en todo el mundo.

La definición del arte es otro problema. Me gusta pensar que cuando se inventó el arte como la cosa que hoy aceptamos que es, no fue como un medio de producción sino como una forma de expandir el conocimiento. Me imagino que sucedió por accidente, que alguien formalizó una experiencia fenomenal que no encajaba en ninguna categoría conocida, y que eligieron la palabra “arte” para darle un nombre. 
 De esa manera lo que inicialmente había sido “arte como una actitud” pasó a ser “arte como una disciplina”, y peor aún, “arte como una forma de producción”. La forma, que inicialmente había sido una consecuencia de la necesidad de empacar una experiencia, ahora pasó a ocupar el lugar del producto.

El mercado capitalista nos enseña que si un objeto puede ser vendido como arte, es arte. Esta descripción, culturalmente cínica, obscurece una realidad mucho más profunda. Esta realidad es que el propietario del contexto último de la obra de arte determina su destino y su función.

Se puede afirmar que la enseñanza del arte se dedica fundamentalmente a la enseñanza sobre como hacer productos y como funcionar como artista, en lugar de cómo revelar cosas. Es como decir que enfatizamos la caligrafía por encima de los temas sobre los cuales queremos escribir y como vender esas páginas caligrafiadas. Y con ello, bajo el disfraz de lo apolítico o de una política consumida instantáneamente, servimos a una estructura de poder que es totalmente política.

Para peor, enseñar a fabricar productos es algo fácil y cómodo, y por lo pronto una situación en la que se puede caer, quedar y sentirse bien. Pero la información para esta enseñanza es algo existente y es transmitida. Y los procesos de transmisión de información existente se acomodan al modelo de la pedagogía autoritaria. Como ya lo dijo Paulo Freire, el profesor es similar al bancario que tiene y distribuye el dinero de acuerdo a sus criterios. En el salón de clase este dinero es la información. Con esta relación de poder se minimiza toda posibilidad de rebelión.
 ...
  Para lubricar mejor el proceso en el campo de la enseñanza artística, se declara la imposibilidad de enseñar el como tener ideas. Si el alumno no tiene ideas, es culpa del alumno. Esta negación y culpabilización solamente es posible si uno clasifica a la gente en dos categorías: en genios y en imbéciles. Se elimina la categoría de “normal”. En cierta forma esto presume en mi ejemplo de los 500 estudiantes de los cuales 20 lograron ingresar al circuito de galerías, que estos 20 son los genios y que los otros 480 que piensan en enseñar arte son imbéciles. Y esto explica por que en los Estados Unidos las universidades tratan de contratar como profesores a las estrellas del mercado artístico, no importa cuan malos son como enseñantes.
La moraleja de todo esto es que los 200.000 dólares en los estudios en Estados Unidos se invierten en el derecho de ser filtrado para dejar lugar a los genios. Las mejores universidades entonces son las que atraen y filtran más genios. Como esos genios en realidad no necesitan de las universidades, éstas venden la fama de sus diplomas y una pedagogía haragana.
Enseñar a tener ideas ciertamente requiere bastante más que transmitir información. El profesor tiene que reubicarse y abandonar el monopolio del conocimiento para actuar como estímulo y catalizador, y tiene que poder escuchar y adaptarse a lo que escucha.
 ...
El buen arte se aventura en el campo de lo desconocido; sacude los paradigmas fosilizados, y juega con especulaciones y conexiones consideradas “ilegales” en el campo del conocimiento disciplinario.  El enfoque que se reduce a la fabricación de productos evita estos temas; se confirman las estructuras existentes y la sociedad permanece calma y embotada. Se genera así lo que me gusta llamar el artevalium.
...
Si el arte fuera realmente una actitud y una manera de aproximarse al conocimiento, no importaría realmente en que medio ocurren las ideas y las revelaciones. Lo único que importa es que tienen lugar y que son comunicadas correctamente. No se trata  de identificar el “talento”. Hay entender la diferencia entre la percepción funcional y la percepción estética, que es otra manera de ver las diferencias en la toma y propiedad de las decisiones.
 La percepción funcional lubrica nuestras interacciones con otra gente, aquella gente que se mueve en las mismas convenciones y se comporta de acuerdo a decisiones preexistentes y reguladas. Es el sistema que nos mantiene firmemente encerrados dentro de las fronteras de lo conocido y lo predecible.
 la percepción estética, en cambio, idealmente, es posible gracias a una distancia crítica de la percepción funcional. Con la percepción estética podemos ver las cosas como si fuera por primera vez y decidir por nosotros mismos.
...
La educación de los artistas, entonces y en mi opinión, consiste de tres pasos en los que el profesor puede actuar de guía y, más importante, de interlocutor: 1) plantear y formular un problema creativo interesante, 2) resolver el problema lo mejor posible, y 3) empacar la solución en la manera más apropiada para expresar y comunicarla.
Inspiración  - Intuición -  Compromiso
La más importante probablemente sea que el arte es un lugar en donde se pueden pensar cosas que no son pensables en otros lugares. La otra es que un buen problema artístico no es agotable, que una buena solución tiene reverberaciones, y que una buena comunicación produce muchas más evocaciones que la información que transmite. 
“compromiso” era una palabra compleja que trataba de incluir todo el peso de la conciencia social, de la militancia y de la claridad de las metas para un mejoramiento de la sociedad. Es decir, trataba de cuestionar el sistema de valores bajo el cual se juzga a los objetos, y el autor o artista como productor no era meramente un creador de productos.
...
En una de mis clases, una estudiante de bastante edad, pidió la palabra después de terminar su proyecto. Nos contó que su marido, un pintor de paredes, había formado parte del equipo que borró el mural que Diego Rivera hiciera en el Rockefeller Center en 1934. Rivera había incluido un retrato de Lenin en el mural. Rockefeller exigió que lo borrara, y Rivera se negó. El marido de la estudiante había vuelto a la casa comentando los hechos y diciendo: “La pintura realmente no era tan mala”. Claro que se podría afirmar que Rivera no entendió que aquí no era más que un artista mercenario contratado por una sociedad de humanoides.

Pero la anécdota también sirve para discutir, en forma menos simplista, los problemas de comunicación entre el artista y su público. Rivera quiso educar a un público nuevo sin conocer o aceptar las reglas de ese público. Una de las reglas era justamente que el propietario del contexto último de la obra de arte determina su destino y su función, y aquí el propietario era Rockefeller. Y Rockefeller no quiso que Rivera se pusiera en comunicación con el público que él quería, o por lo menos que le dijera lo que quería decirle. Y todo esto, estas relaciones y como discutirlas, también es enseñable.

Vuelvo entonces a mis creencias del principio: que el proceso de educación de los artistas en el día de hoy es un fraude, y que las definiciones que se utilizan hoy para el arte funcionan en contra de la gente. El error mayor en la estructura de la enseñanza del arte entonces parece ser la ignorancia de sus contradicciones. Existe una estructura diseñada para enseñar arte, pero el mercado es incapaz de absorber a los que se gradúan de esa enseñaza. Existe una estructura diseñada para enseñar arte, pero es una que está acompañada por la presunción que la creación artística no es enseñable. La forma más cómoda y barata de resolver estas hipocresías sería la eliminación de la estructura y olvidarse del problema. La más difícil, cara, pero responsable y ética, es enfrentar la misión del creador en lugar de la del artesano, y educar a la sociedad para que reconozca y financie esa misión.
Luis Camnitzer*
  
·                     texto de la conferencia del artista en el marco de su exposición en el Museo de Arte de la Universidad Nacional. Bogotá, marzo de 2012

FUENTE Fernando Uhía2012/03/22 at 11:08 am. Esta conferencia de Luis Camnitzer también fue pronunciada el 8 de febrero de 2007 en la Universidad de los Andes de Bogotá. Con permiso del autor fue incluida en la publicación CUADERNOS GRISES # 4: EDUCAR ARTE / ENSEÑAR ARTE (Departamento de Arte, Uniandes, Bogotá, abril de 2009) bajo el título “Conferencia II”.   Cuadernos grises se consigue en la Librería de Uniandes (sobre el Eje Ambiental en Bogotá) o en este link:   http://www.lalibreriadelau.com/artes-en-general-ca25_127/revista-cuadernos-grises-no-4-educar-arteensenar-arte-p23052  



domingo, 9 de julio de 2017

Corto INCAS, con arena en vivo

Este es un corto experimental en la técnica artesanal con arena, realizado una sola persona (por mi en el año 2010).  Este trabajo está en la línea de lo artístico, no comercial,  hecho en arena, el cual de terminarse el sonido aportará al cine peruano como primero de su genero.
Realizada en el año 2010  le falta actualizar la edición y  el sonido, esta en proceso y pronto a terminar.
Mi  motivación por emprender proyectos artísticos de forma independiente es por estar convencido que promover por medio de mis cursos la producción de ANIMACIÓN INDEPENDIENTE  beneficiará  a nuestro país y a su cultura de la animación.
Mi nombre Rafael Seminario Coello, actualmente tambien impulso y estoy dedicado a la enseñanza de la animación tradicional clásica (base, papel y lápiz), y a enseñar el dominio de otras técnica de animación, incluyendo 3d, todo orientado a la formación del realizador independiente. Me atrevo a decir que en Perú el 1% los artistas son especializados en animación tradicional clásica. Una lamentable realidad  que debemos cambiar si queremos desarrollar una industria de la animación.

Short cartoon Movie in Production, avance (90%).

martes, 4 de julio de 2017

Danae Gamarra estudiante de dirección en animación

Les presento a Danae Gamarra estudiante  de dirección de cine de animación curso de nuestra
escuela,  quien esta convencida de la importancia de sus clases para lograr sus metas de ser una directora de cine de animación, y comprende que un director es un hombre orquesta que debe dominar y controlar todos los aspectos de una realización, además debe aprender todas las técnicas posibles como stop motion, animación clásica, animación tradicional clásica, animación con arena, rotoscopiar, 3d, etc.
Sabe que en la animación tradicional clásica no basta con mover o  hacer caminar a sus personajes sino darles una personalidad, porque la clave de estas clases son para aprender ejercitándose y practicando para adaptarse a los requisitos en esta profesión de director, buscando aumentar  horas para el estudio en casa el mayor  tiempo posible. Dannae esta muy  interesada en terminar sus proyectos y en desarrollar cada vez más el habito de leer-escribir-dibujar sobre sus proyectos o  ideas. Le fascina ver cine y conocer la vida de  directores,  artistas  clásicos como pintores, escenógrafos, coreografos,.....
Actualmente su corto La muñeca esta en producción.

informes para clases: mkt@onetooneperu.org   vientosytruenos@hotmail.com

Carlos Villanueva nuevo director y animador

Felicitamos a Carlos Villanueva ( 13 años) alumno de nuestra escuela por haber terminado
exitosamente la carrera de dirección. Han sido meses de mucho trabajo y estudio, pero para él no
hay medias tintas, esta decidido a ser un buen director de cine de animación.
"En esta carrera no tienes que esperar tantos años para recibirte como profesional  aquí lo que vale es el producto terminado que es tu creación. El camino  tu lo vas labrando con tu esfuerzo, porque eres tu quien te otorga tu diploma y eres tu quien te garantizas a ti mismo, con tu firma en la autoria de tu trabajo" "Agradezco a la escuela One to one por todo lo aprendido y no me fue difícil estudiar este curso mientras iba a clases  del colegio"
En una reunión des-concentrada Carlos  presento su  corto de animación Good Luck, y nos hablo de sus
planes para el  futuro de seguir experimentando con la animación en técnicas diferentes.

Good Luck. Es un corto de animación de autor independiente que expone la importancia del tema
adolescente sobre  la autoestima y confianza en si mismo. Carlos Villanueva entiende que emplear el lenguaje más adecuado para una historia es vital para que esta signifique un mensaje que cale en la mente del publico. Se centra en el desarrollo cognoscitivo de la forma  y del  lenguaje abstracto.
Dirigido al público adolescente,en su relato se vale de la fantasía y la ironía para hacerlos reflexionar, muchas veces toma referencia sobre su propio vivir pero diseña a partir de elementos abstractos.

Titulo: "Good Luck"
Dirección y animación: Carlos Villanueva
corto en animacion tradicional clásica
duración: un minuto y medio
Técnica: Técnica artesanal del arte por arte en un sólo soporte.
Materiales: acuarela papel y lápiz


lunes, 29 de mayo de 2017

PROYECTO REALIZACIÓN de 1000 OBRAS DE ARTE

PROYECTO REALIZACIÓN de 1000 OBRAS DE ARTE
Proyecto para la realización de 1000 obras de arte para la pinacoteca del Perú.
Ofrezco realizar  obras de gran formato mayores a 4 metros, en diferente tema, desde la
linea de lo purista académico o del arte moderno contemporáneo.

Tematica:
Más de veinte estilos desde lo contemporáneo, surrealista, el abstracto hasta al arte académico, y  temas personales.
Temas Históricos-Incas,virreinal, pre-inca,república, serie iconos

Artista: Rafael Seminario Coello

Detalles del proyecto:
La información en archivo  pdf con detalle y programa del proyecto, (temas, estilos, desarrollo, formación del personal, etc.) será enviado - previa coordinación -  sólo a instituciones  interesadas sean privadas o del estado peruano.

Contacto: mkt@onetoneperu.org

domingo, 23 de abril de 2017

EL ARTE DE ANIMAR CON ARENA

ANIMAR CON ARENA
Arte visual artesanal  que se vale de la textura de la arena y de las habilidades manuales de un artista como requisito indispensable para crear-generar  obras de arte vivas de escenas que cambien a cada momento- de acuerdo a un guión-, y que relaten historias para que un público lo vea.
En esta arte no se necesitan computadoras, ni sprays, pinceles, reglas, lápices aunque a veces puedan  servir para lograr algún efecto.  Si se necesita ser un dibujante excelente, minucioso y cuidadoso para no dañar el diseño y echar a perder el trabajo. Por eso manejar la arena implica sensibilidad,  exige mucho esfuerzo y concentración para diseñar con el mejor acabado y controlar el uso del tiempo. Se necesitan cuotas de paciencia, de principio a fin para conseguir la mayor eficiencia posible. Aquí, para un buen resultado poco nos sirve la tecnología, pero por otro lado hay un valor agregado que es el único y más importante que hacen al verdadero artista: la imaginación. 




Características y modalidades:
 Existen dos técnicas de animación en arena. Una consiste en desarrollar artística-mente una historia en directo, " animar en vivo" lo cual el artista dibuja y modifica los diseños que va haciendo sobre una superficie iluminada, crea con sus propias manos dando vida con la arena  un mundo imaginario, y mediante una cámara se proyectará para que el público lo visualice.
 también se puede utilizar la arena para crear imágenes en movimiento utilizando la técnica de stop-motion.
  Temporalidad del arte con arena: Los artistas amamos nuestras creaciones, pero sucede en esta técnica que  muchas veces me ha costado borrar un diseño por haber trabajado tanto para terminarlo... y destruirlo inmediatamente, para iniciar otro. Esto sucede en una presentación.
Es importante saber que no lo puedes mantener intacto en la meza porque apenas terminas el dibujo y ya la arena empieza a disgregarse, por eso la única forma de conservar lo hecho es grabarlo en vídeo o fotografiarlo.
 Materiales: Arena e imaginación.
Herramientas: Nuestra principal única herramienta son nuestras dos manos para trabajar, ambas manos deben ejercitarse para poder lograr mayor velocidad.
 La meza de luz: Es una pantalla retro iluminada. El diseño artístico es captado por una cámara que lo proyecta en una pantalla. Toda performance acompañada de música en vivo para que lo disfruten los asistentes.

Requisitos:
Imaginación y dibujar muy bien: Todo debe hacerse a mano alzada, eso requiere buen dominio de dibujo - en especial de la figura humana. Además  es importante desarrollar la coordinación entre el trazo y la cantidad de arena que podemos cargar en las manos para dibujar.
 Control: Aprender a usar la arena que vamos soltando de nuestras manos.
 Eventos: Este arte es ideal para todo tipo de contenido para celebraciones, fiestas, cenas de empresa o para presentaciones de producto o personaje, que puede ser el eje de la historia.

Si estas interesado en aprender esta arte, damos clases en nuestro taller,  escribe a nuestro correo mkt@onetooneperu.org   Rafael Seminario Coello.

Gracias por leer.

martes, 18 de abril de 2017

CORTO - RESILIENCIA - Arte con arena

Un trabajo realizado por mi, en la técnica artesanal de diseñar en arena, y que tiene el fin expreso de educar y sensibilizar a la comunidad sobre los riesgos que con lleva la presencia de los fenómenos naturales como el fenómeno del Niño costero.



lunes, 27 de febrero de 2017

CLASES DE ANIMACIÓN 2017

Animación elemental - Animación tradicional - Dirección de animación
 Somos los únicos que dictamos estos  cursos donde sólo necesitas talento, papel, lápiz  y desarrollar  la imaginación.   Aprenderás los secretos de los antiguos maestros que hacen que una Animación sea arte y que un animador sea un profesional.
Dibujar para animar. Aprenderás las técnicas para  todo tipo de movimiento o hacer bailar  personajes humanos, objetos y criaturas, de acuerdo a un hecho. Crear  una pista musical, crear efectos de sonido y hacerlo cantar, darle voz, etc.  Diseñar  la escenografía de una escena, el story-board de una historia.
La calidad de una realización animada en cualquier técnica se mide por su dominio de la animación clásica.
La tecnología  avanza pero los principios y el genio para darle vida a los personajes permanece más fuerte que nunca.
Ventajas:    Resultados de tu avance en el más corto tiempo. Aprendes todas las  técnicas , los principios, el Timming,  Acting, los diálogos - Animas junto al profesor,animas desde que inicias.
-Cursos Individuales y grupos muy reducidos
-Dirigido a Profesionales y estudiantes
- Horarios al escoger a tu disponibilidad
-2 veces por semana, 2 horas Clases
-Curso  comprende 8 meses
-Horario especial  para escolares de los últimos años de secundaria
Matriculas:
511- 4224152 mkt@onetooneperu.org         www.onetooneperu.org
 http://www.onetooneperu.org/carreras-animacion.htm