"DEL COMIC A LA ANIMACION 2DA PARTE"

Hayao Miyazaki: El Walt Disney Japonés

Muy pocos han de ser los que no han oído su nombre. Y casi inexistentes los que no hayan visto a l menos una de sus películas. Pero, ¿Por qué le dicen el Walt Disney Japonés? Yo diría que eso más bien es una depreciación de su trbajo. Ya quisiera Walt Disney ser él… ¿Qué es lo que hace tan increíble a este hombre? Simple o quizás no. Con él nunca lo ha sido ni lo será, un claro ejemplo son sus trabajos en animación. Pero bueno, empezaré contándoles que Miyazaki es actualmente dueño y fundador de Estudio Ghibli, un estudio de animación que se empeña en resaltar y evolucionar el estilo de animación tradicional asegurándose de captar cada detalle, expresar cada color y pensamiento de tal forma que el espectador quede tanto abrumado como asombrado por como puede en tan sólo segundos de animación encontrar una increíble variedad de objetos, personas, formas y colores que una persona no notaría en su entorno pero sin embargo existen, y son resaltados en todos y cada uno de ellos en los proyectos de este estudio. Tal y como Miyazaki gusta de hacer en todos los proyectos que trabaja.

Como la mayoría de profesionales en este ámbito, comenzó dibujando, claro que dibujar bien no es suficiente, fueron su detallismo, gran imaginación y creatividad para sus ilustraciones que lo hicieron llegar a trabajar como animador en la TOEI (estudio de animación, fundando en 1948 como “Filmes Animados de Japón”), encargándose de realizar los dibujos entre acciones (Por ejemplo, le daban el dibujo de un personaje en una esquina y luego entrando a un edificio, y su deber era hacer los dibujos necesarios para desarrollar a la perfección la caminata de un lado a otro). Años después dirigió la serie de TV llamada “Conan, el niño del futuro” y su primera película “Lupin III: El castillo de Cagliostro”, ambos en diferentes estudios. Finalmente, en 1984 se estrenó “Nausica del Valle del Viento”, creación enteramente suya (comenzando como un trabajo de manga –comic–). Y fue tal el éxito de esta película que llegó a abrir su propio estudio, conocido como “STUDIO GHIBLI” el cual sigue obviamente los ideales de Miyazaki con respecto a la animación tradicional, ya que al ser un poco averso a la tecnología, no gusta de la interferencia de la animación digital pese a que muchas de sus obras han requerido intervención de la misma. Es qui zás una de las razones por las que también le dicen “El samurai que enfrentó a Pixar con un lápiz”.

Hablemos de “El Viaje de Chihiro” 2001

La historia nos habla de una típica niña de 10 que acaba de mudarse. En el camino, sus padres se topan con un túnel, el cual los lleva un mundo diferente, donde prueban una comida que los convierte en cerdos. Chihiro, desorientada y asustada por lo que le pasó a sus padres encuentra a otro niño llamado Haku, residente de ese mundo, quien la apoya de diferentes formas para ella pueda sobrevivir y a la vez encontrar la forma de regresar a sus padres a la normalidad. Toda esta trama llevada a un entorno más “realista” nos habla sobre la transición de una niña (o niño, el género es lo de menos) a una joven más independiente, madura, que pasa diferentes pruebas y desafíos que sólo logra pasar gracias a su coraje y corazón puro.

Con respecto a la animación, he de decir que una de las partes que más disfruté en la película fue cuando Chihiro, siguiendo la guía de Haku, va en busca de trabajo para no ser convertida en cerdo. El camino, la arquitectura del lugar y diseño de los personajes son bastante entretenidos. Hay tantas cosas que ver, todas tan inimaginables que al ver la película tienes casi la misma sensación de estar soñando. Es tan mágico como la temática de las películas de Miyazaki. Mi escena favorita es cuando Haku y Chihiro van en caída libre desde una inmensa altura. Las gotas de las lágrimas de Chihiro son tan grandes que golpean al pequeño animalito que la acompañaba y lucha por recuperar el equilibrio, el movimiento de cabello y el brillo de sus ojos, todo esto acompañado claro de una excelente banda sonora. Algo curioso que cabe mencionar, y leí no hace mucho, es sobe la lámpara saltarina que guía chihiro en cierto punto de la película. Se dice que Miyazaki la incluyó en homenaje a John Lasseter, que a través de Pixar ha apoyado al estudio Ghibli varias veces. El Viaje de Chihiro recibió numerosos premios, como el Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín, pero es importante resaltar que fue la primera película de animación tradicional en obtener el Oscar, superando a películas como “La Era de hielo”, “Lilo y Stich”, “Spirit” y “El Planeta del Tesoro” (Aunque viéndolo bien, tenía todas las de ganar).

Walt Kelly (1913 – 1973)

Walter Crawford Kelly Jr. o Walt Kelly conocido por su tira cómica “Pogo” ha sido inspiración para artistas como Charles Schulz (Autor de Charlie Brown). Su interesante estilo en los bocados (nubes de diálogo) es una de las cosas que mejor lo caracteriza, los cuales dan muestra de la personalidad del personaje no sólo en su forma, sino el tipo de letra usado (por ejemplo, un personaje político utiliza un bocado en forma de pancarta con letras llamativas). Este autor tuvo diversos empleos antes desarrollarse en su profesión, los cuales le crearon un buen currículum de periodista, otra de sus pasiones, lo que lo llevó hasta el Brigeport Post (Conneticut Post actualmente), como reportero de sucesos. Realizó también trabajos de ilustrador. Aun sin mucha experiencia, decidió como muchos historietistas incursionarse en la animación. Fue así como terminó en los estudios Disney en 1935, creando storyboards y chistes rápidos para el Pato Donald, sin embargo no entró al departamento de animación sino hasta solicitarlo, y allí se hizo muy amigo del gran animador Fred Moore y Ward Kimball, uno de los Nueve Ancianos de Disney (llamados así por ser los pioneros en animación en Walt Disney).

Pero aun cuando participó en proyectos como Dumbo, Pinocho o Fantasía, nunca se alejó del mundo del comic que tanto le gustaba, que para él era algo más personal, puesto que en estudios Disney, los trabajo de animación eran siempre realizados en grandes grupos (tomando en cuenta lo que tenían que producir, es entendible). En 1941 hubo una huelga de animadores, en la cual algunos dicen que tomó parte, otros que simplemente se excusó como enfermo tanto para no ir a trabajar como para no asistir a la huelga, puesto que no quería ponerse del lado de nadie. En ese momento aprovechó para regresar al comic y alejarse un poco de la animación. Fue entonces que terminó trabajando en Publicaciones Dell, donde entre diferentes obras (algunas adaptaciones de dibujos de Disney) surgió su famoso “Pogo” que poco a poco comenzó a influenciarse por las técnicas que había aprendido en Disney. Siguió con este comic hasta su muerte, y aun así perduró gracias al esfuerzo de su esposa y dos hijos. La apreciación de Walt sobre la animación me dejó pensado, lo que él buscaba es un arte más personal y es cierto que en Disney era necesario trabajar la animación en grupo para producir más. Pero yo creo que la animación así como el cómic puede llegar a ser algo muy personal, puesto que cada uno tiene un estilo diferente de hacer las cosas, y así como el estilo de diagramación de viñetas o bocados no es igual en el comic, el estilo de animación y enfoque de los puntos de vista puede llegar a ser bastante variado. Por último, en lo que es comic también se da el trabajo en equipo, como se dio para “Sambre” un comic francés en el cual Yslaire y Balac participaron hasta el tomo 2.

Kelly tuvo a diferencia de McCay, la oportunidad de participar en un estudio de animación, sin embargo McCay estuvo más dispuesto a la animación que el señor Walt Kelly. Si lo que te gusta es el comic, debes seguir adelante con ello y si por el otro lado, la animación te es más atractiva, siempre puedes juntar tus materiales de dibujo y comenzar.....¿Quién necesita un gran estudio de animación para aprender? Ahora que tenemos el internet y la televisión, podemos ver no sólo ejemplos de buenas animaciones en diferentes países sino también el cómo se realizó. Las herramientas necesarias están al alcance de todos. ¡¡El hacerlo depende de ti!!

FROM COMICS TO ANIMATION, 2ND PART

Hayao Miyazaki: The Japanese Walt Disney
Very few people have heard his name, even less haven`t had the chance to see one of his movies, but, why is he called the Japanese Walt Disney? I’d say that’s underestimating his work, I bet Disney would love to be him…What makes this man so great? It’s pretty simple…or maybe not. With him you will never know, a very good example are his well known animation work. He‘s currently owner and founder of Ghibli Animation Studio that enhances and evolves from traditional animation capturing every detail, expressing every color and thought in such manner that the viewer is blown away just in seconds in his movies, where you can see an amazing variety of objects, people, shapes and colors moving and performing which a normal person wouldn’t notice, but nonetheless all his projects are surpassing quality and creativity, to agree with me, just check one of his shorts.

As most professionals in this field, he started drawing, but the thought that wasn`t enough to express his ways, details, imagination and creativity so later, he worked as an animator in TOEI Animation studio in 1948, learning to draw in-betweens. Years later he directed a TV series in Japan called “Conan, the boy from the future” and made his first movie “Lupin III: The Castle of Cagliostro”, both in different studios. Finally in 1984 he made “Nausica of the Wind Valley” a short created entirely by him (A mix of Manga, comics and his style). It was a success that Miyazaki got all Japan`s animation studios open to work, but he preferred to found his own, “STUDIO GHIBLI” which obviously follows his ideals concerning Traditional Animation, specializing in not using 2D & 3D technology, he doesn’t want Digital Animation interfering with his creations. That’s maybe one of the main reasons people call him “The Samurai who cut Pixar with a Pencil”.

Let’s talk about the movie “Spirited Away” 2001
This story shows us a normal 10 year old girl who just moved away from her house. In the road, her parents find a tunnel that leads them to a different world, where they try food and become pigs. Chihiro, lost and scared because of what happened to her parents, find another boy named Haku, resident of this world who supports her in different ways, so she can survive and find the way to get her parents. All this plot taken to a more “Realistic” setting tells us about the transition from a girl (or boy) to a more independent and mature young life who passes trough challenges and difficulties to surpass thanks to her courage and pure heart.

As for Animation, I must say one of the scenes I enjoyed the most was when Chihiro following Haku’s guide goes to look for a job so she won`t be turned into a pig. In the way, the surrounding and decorations of the place and character`s designs are pretty entertaining. There are so many things to see, all so unreal that when you’re watching the movie you feel like you’re dreaming. It’s very magical as all Miyazaki’s movies. My favorite scene is when Haku and Chihiro are falling from the sky, tears of Chihiro are so big that they hit little animals that accompanied her, who keep struggling to gain balance, her hair movement, the shine on their eyes, all accompanied of course by an excellent soundtrack. Something curious to mention, that I read not too long ago that a jumping lamp guides Chihiro in a certain point of the movie. It’s said that Miyazaki included it as a tribute to John Lasseter, who has supported his studio many times through Pixar. If you want to see this movie, here`s the link: (http://www.youtube.com/watch?v=nstSUICWVPo)*

Spirited Away has received many awards, like The Golden Bear in Berlin International Film Festival, but it’s important to note that it was the first Traditional Animation movie wining an Oscar beating “The Ice Age”, “Lilo and Stich”, “Spirit” & “Treasure Planet” (Although thinking it through, it had all the chances to win for its peculiarity and excellency)

Walt Kelly (1913 – 1973)
Walter Crawford Kelly Jr. or Walt Kelly, known for his comic strip “Pogo” has been an inspiration for artists like Charles Schulz (Charlie Brown`s author). His interesting style in dialogue clouds is what pops up in his comics since they show us the character’s personality not only with their shape, but also with the font used for the dialogue (for example, a politician uses a dialogue cloud shaped like a banner with flashy letters). Walter had various jobs before he developed his profession as a great Journalist, another of his passions which led him to the Bridgeport Post (Conneticut Post nowadays), as an event Reporter and Illustrator. Even though he didn’t have much experience, he decided like many cartoonists to get into the Animation world. That was how he ended up in the Disney Studio in 1935 making storyboards and gags for the Donald duck, however he didn’t join the animation area until he requested it. Then is when he became friends with the great animators like Fred Moore & Ward Kimball, one of the Nine Old Man of Disney (Pioneers in Animation).

But even when he participated in projects like Dumbo, Pinoccio or Fantasia, he never got too far from the Comic world he loved, for him was something more personal since in Disney studio Animation was always done with a large groups of people (Seeing the quantity of frames they needed to produce, it’s understandable). In 1941 he was part of an animator’s strike, so he took that chance to get back to comics and separate himself a little from animations. It was then when he ended up working in Dell publishing, where among different works (including some adaptations from Disney cartoons) his famous “Pogo” came to life, little by little getting some influence from what he had learnt, he kept drawing this comic until his death, and even so it lasted thanks to the effort of his wife and two kids.

The appreciation of Walt on animation kept me thinking, what he was looking for was a more personal expression and it’s true that in Disney it was necessary to draw animation in groups to produce more. But I think Animation and Comic can be something very personal, since everyone has a different style of doing things, and just like dialogue clouds or panels are different in comic, the style of animation and focus in points of view can be very diverse. Lastly, in the comic world you can also find team work like in “Sambre” a French comic where Yslaire and Balac participate until volume

Kelly was different than McCay, however their jobs in animation studios made him more resemble than Walt Kelly. If what you like is comics, then go ahead and do it, on the other hand if animation is more appealing to you, then you can always gather your materials and start. Who need a big animation studio to learn? Now that we have internet and TV, we can watch not only examples of good animations in different countries but also how they were made, necessary tools that everyone can easily grasp. Doing it or not it’s entirely up to you!!

"DE LA HISTORIETA AL DIBUJO ANIMADO" "FROM COMIC TO CARTOONS"

(ENGLISH VERSION)

FROM COMIC TO CARTOONS, !!.....Today we`ll talk about how animations and comics merge to bring up cartoons. Animation implies a sequence of drawings or images that lead us to a visual movement effect, however there are different forms of animation, most of us have grown up watching one type of it, cartoons on TV, so we have an idea, even without a near TV, we might have seen it in a friend’s comic book or school notebook where he/she drew a funny character moving all around when flipping the pages during math class. A COMIC ARTIST is in constant training to PERFECTION, he/she has accomplished a PERSONAL CONCEPT of the essential elements for a narrative story to base its plots, arguments, comics visually shaped from beginning to end in his/her mind before creating characters, dramatic situations, dialogues and sceneries filled with imagination and fantasy. In one word, this person is a potential Director or a Creative!!

After Animation appeared, comic artists were fascinated with these drawings combined with visual elements, graphics and panel by panel creating magically an entertaining story. Nonetheless, at some point this wasn’t enough, even though people love comic, creators want more, a possibility to venture in other fields, that`s how they started merging it with animation or cartoons. If we analyze a comic book, we can notice that in a way they`re similar to a storyboard use in animation. Imagine a comic page, now each frame will be the same size, overlapping with even more drawings per every movement…that`s how it`s born a cartoon, right? The distance between both ways is as short, like father and son or like your best friend and his girlfriend!

Even nowadays, there are many TV cartoons which started as your favorite store comics, later they brought up to the film industry merged with animations, some classic examples are “Batman”, “Spiderman”, “Betty Boop”, etc so you get it now, how all is related and how is you`re already a comic artist, you also have already a potential for been a Cartoonist and Animator!!...All you need is an idea and translate it into a drawing - storyboard; it’s totally up to you whether you want it a comic, a cartoon or even an animation. In conclusion, an animated movie from Disney is the same as any comic book, it needs the same elements to tell a story to the audience, so every Disney`s Animator first know how to be a comic artist, a painter or a cartoonist before!!

WINDSOR McCAY, a Comic Artist & Animator: Born in 1867 (Canadian or American), ever since childhood he became very interested in art and drawing, at the age of 13, he already showed great talent and skill, however, his father registered him in business course, so his son would have a vision of what`s a “True Business”. Of course this didn’t made McCay quit drawing, he even got a part-time job painting portraits, when his abilities of observing and remembering details came very handy, however he was in constant search for improving, led him to be an Art Teacher. Later he married, had 2 kids, worked teaching, painting signs, ending up doing Ink-Drawings for magazines and newspapers. One of his works was very close to animation, when he drew a 6 panels galloping horse with a precision very similar to a frame by frame picture.

It was 1905 when his comic book, “Little Nemo in Slumberland” launched becoming instantly a hit for its excellent use of panels, colors, story and fantasy making Lewis Carrol film animation “Wonderland” looked simplistic. During his peak, he decided to venture in film animation, he talked to his colleagues, he was judged as absurd since he wasn`t a professional animator, he had only working in comics and cartoons, so he bet that he could make 4,000 drawings of Little Nemo for an animated film, and his colleagues accepted the challenge. So he was armed with liters of ink, pounds of paper, and his loyal ink pen, and without further complications, he created 4,000 drawings to bring to life his project, as he said, “Perseverance and lots of ink and paper will do”. Then, he decided to work on the comic and animated film simultaneously, “How a Mosquito operates” which required around 6,000 drawings, his traditional methods inspired his incredulous friends from Disney to copy later on. In 1914 “Gertie the Dinosaur” launched, his first animated film shot from sketch-book directly to a camera with McCay even appearing talking to Gertie in some moments, I believe there’s no need to mention that it received very good critiques and compliments for animation and movie studios by that time.

So your question by now must be, how did he accomplish all, if he was just a comic artist?...He had no training or previous knowledge like many professionals already working in this field or studios like Disney or Pixar, however he got something that no even some of them have, a natural talent, a desire to draw, which is enough to make a good animated film, cartoon or comic book. One doesn`t need more than a pencil or a pen, paper to transform one`s ideas into drawings, then to storyboards, scenes, characters, dialogues, arguments, frames, etc like McCay did, that`s why he was a man ahead of his time, with a great passion for drawing…He proved that “If you want it, you can deliver”….and this is for all professionals, creative people, talented youths, comic artists, animators, cartoonists, art students, etc…..What are you waiting for, follow his example, follow your passion, follow your talent!!

DE LA HISTORIETA AL DIBUJO ANIMADO!!

Hoy nos centraremos en como la animación y la historieta o cómic pueden unirse para darnos dibujos animados. La animación implica una secuencia de dibujos o imágenes que nos lleven a un efecto visual de movimiento, pero no olvidarque hay diferentes tipos de animación. Y hablando de animación la mayoría hemos crecido viendo dibujos animados por eso todos tenemos una idea de esta, aun sin tener un televisor a la mano, quizás hayamos podido apreciarla en la esquina de un cuaderno de un amigo, que dibujó a un muñequito moviendose cuando hacia pasar las hojas ayudado de su pulgar durante la clase de matemáticas. UN DIBUJANTE DE COMIC ESTA en constante entrenamiento o PERFECTAMENTE ENTRENADO y tiene un logrado CONCEPTO PERSONAL de los elementos indispensables para narrar una historia, porque sus comics se basan en tramas, argumentos, que los realiza visualmente del inicio a final, creando los personajes, las situaciones dramaticas, los parlamentos y las escenografias; además llenas de su imaginación y fantasía. En una palabra es un director y conceptor en potencia.

Luego de la aparición de la animación la gente de historieta, quedó maravillada porque estos dibujos combinaban elementos visuales, gráficos y literarios panel por panel que se desencadenaban en una entretenida historia. Sin embargo en cierto punto esto ya no es suficiente. Aun cuando muchos amen el medio del cómic, a final los creadores quieren más porque tienen la posibilidad de incursionar en la animación o el dibujo animado.

Si analizamos la historieta, podemos darnos cuenta que es en cierta forma, parecida a los esquemas de acción que se usan para cualquier proyecto animado. Imagina una página te tu historieta. Ahora, si todos los cuadros fueran del mismo tamaño, se superpusieran y hubiera algunos dibujos más para que cada detalle de movimiento salga...tendríamos un dibujo animado ¿Verdad? La cercanía entre ambos estilos es tan corta como la de dos primos-hermanos... ¿Quizás padre e hijo?

Aun hoy en día, hay muchos dibujos animados que comienzan como comics y son luego llevados a la animación e incluso, la pantalla grande. Clásicos ejemplos de esto son “Batman”, “Spiderman”, “Betty Boop” debe traerles recuerdos. Basta con tener la idea y plasmarla en dibujos, claro que depende de ti cuando tu historieta o evolucionarla a un dibujo animado. En conclusión, una película animada de Disney Lo mismo que una historieta, necesita de los mismos elementos para contar una historia. (Todos los animadores de disney primeroduerón historietistas, pintores e ilustradores).

PARTE SOBRE: Windsor McCay un ejemplo del historietista que se convierte en animador

Nacido en el año 1867 (Algunos dicen en Canadá, otros en USA), desde muy joven se vio interesado en el arte del dibujo y no sólo eso, demostraba ya a los 13 años tener un talento y habilidad que hubiera podido despertar fácilmente la envidia de artistas mucho más experimentados. Sin embargo, su padre lo inscribió en la escuela de negocios, para que así su hijo tuviera una visión de lo que era el “verdadero negocio”. Claro que esto no hizo que McCay dejara el dibujo, pues incluso se consiguió un trabajo dibujando retratos, momento en el cual le sirvió bastante el modo en el que observaba y recordaba a perfección los detalles. Pero, así como cualquier profesional que ama lo que hace, buscaba constantemente la mejora, lo que lo llevó a un profesor cuyo fuerte era la perspectiva. Sin lugar a duda, sus trabajos nos demuestran que era un excelente alumno.

A lo largo de su vida se llegó a casar, tuvo dos hijos, trabajó pintando señales, para luego terminar haciendo dibujos en tinta para periódicos y revistas. Uno de sus trabajos se acercó mucho a la animación al dibujar seis paneles de un caballo galopando, con una precisión muy similar a la de las fotos cuadro por cuadro. Fue en 1905 que su comic “Little Nemo in Slumberland”, “El Pequeño Nemo en la Tierra del Sueño”, traducido literalmente debutó, causado sensación con el excelente uso y manejo de paneles, colores, historia y fantasía que dejaba corto a Lewis Carrol con su libro “Wonderland”.

Justo durante el apogeo de “Little Nemo”, McCay decidió incursionar en el ámbito de la animación. Expuso la idea a sus colegas, los cuales la consideraban absurda, puesto que él no era un animador y hasta ahora sólo se había dedicado a la ilustración y la historieta. Fue entonces que él les apostó que haría 4,000 dibujos para traer “Little Nemo” a la vida animada. Se armó de litros de tinta y kilos de papel y puso manos a la obra con su fiel pluma. Y así, sin más, realizó los 4,000 dibujos necesarios para darle vida a este proyecto, como había dicho, con perseverancia y bueno… mucha tinta y papel, como antes mencioné. Alentado por la maravilla que había logrado, decidió más adelante hacer “How a Mosquito Operates” (Cómo actúa un Mosquito) lo cual requirió 6,000 dibujos. Su método tradicional inspiró a nuestros amigos de Disney, más adelante.

En 1914 debutó “Gertie, the Dinosaur” (Gertie, la Dinosaurio), film en el cual todo se proyectó desde su mismo sketch block e incluso en momentos McCay sale a su lado. Creo que no hace falta mencionar que obviamente, recibió muy buenas opiniones y elogios por esta producción. ¿Pero cómo es que logró realizar todo esto, si él era sólo un dibujante? No tenía conocimientos avanzados como lo tienen ahora no sólo empresas como la antes mencionada Disney o Pixar.

Él nos demuestra que basta con tan sólo tener las ganas de dibujar para armar una buena animación. No necesitas más que un lápiz (o lapicero, depende de tus gustos), papel para plasmar tus ideas en dibujo, y las ganas de dibujar. McCay era realmente un hombre muy adelantando a su época con una gran pasión por el dibujo. Y nos ha demostrado que “El que quiere, puede”. ¿Qué esperas para seguir su ejemplo?

(FRENCH VERSION)

Du bande dessinée à la Dessin animé

Aujourd'hui nous allons nous concentrer sur la façon dont l'animation/et la bande dessinée peuvent se rejoindrent pour nous donner des dessins animés. L'animation c’est une suite de dessins ou images qui conduisent à un effet visuel de mouvement, mais pas oublier que il existe différents types d'animation. Nous avons grandi en regardant des dessins animés, même en l'absence de la télé il y a l’idée de l'animation, par example, nous pourrions l'apprécier dans le coin d'un cahier d'un ami, qui a attiré une poupée en mouvement lorsque contribué à tourner les pages de son pouce dans le cours de maths.

Un dessinateur de bande dessinée c’est en formation persévérant et parfaitement formé et lui a un concept personnel des éléments indispensables pour raconter une histoire parce que ses BD sont fondées sur un escennario, des faites visuelles, des escenes à partir du début à la fin, la création de personnages, situations dramatiques, les parlements et les decors, ainsi que plein d'imagination et de fantaisie. En un mot, c’est un réalisateur et concepteur avec beaucoup potentiel pour les dessins animés.

Après l'apparition de personnes des dessins animées, ils se sont émerveillé, parce que ces dessins combinant des éléments visuels, graphiques et littéraires panneau par panneau de se déchaîner dans une histoire amusante. Mais à un certain point, ce n'est plus suffisant , parceque des plusieurs amoureux de la bande dessinée, en fin de compte veulent plus et ont la possibilité de tenter le dessin animé. Si nous regardons l'histoire, nous nous rendons compte qu'il est à certains principes, semblable à l’ action qui sont utilisés pour tout projet d'animation. Imaginez une page de votre bande dessinée, nous verrons de plus détails du mouvement come dans le dessin animé? La proximité entre les deux styles est aussi court que deux cousins, frères ... Peut-être que le père et le fils?

Même aujourd'hui, il ya de nombreux dessins animés qui commencent comme ça et sont ensuite prises pour l'animation et même le grand écran. Les exemples classiques sont "Batman", "Spiderman", "Betty Boop" devrait apporter des souvenirs. Simple fait d'avoir l'idée et la transformer en images, bien sûr cela dépend de vous quand votre histoire ou évoluer dans un dessin animé. En conclusion, un dessin animé de grand écran ou télé, il exige les mêmes éléments pour raconter une histoire. Tous les animateurs de Disney ont d'abord été des bande dessinateurs, des peintres ou illustrateurs.

Windsor McCay un exemple de bande dessinateurs a l’animation

Né dans les années 1867 (certains disent au Canada, d'autres aux Etats-Unis), dès le jeune âge était intéressé à l'art du dessin et non seulement cela, il a montré aussi tôt que aux 13 ans eu un talent et des compétences qui pourraient facilement susciter l'envie des artistes plus expérimentés. Cependant, son père l'inscrit à l'école de commerce, de sorte que son fils aurait une vision de ce qui serait la «vraie affaire». Bien sûr, cela n'a pas empêché McCay, parce que de même obtenu un emploi à dessiner des portraits, tout à fait la façon dont il observait et se rappelait des détails à la perfection. Mais comme tout professionnel qui aime ce qu'il fait, et constamment à la recherche d'amélioration, il se engage avec un enseignant dont le point fort a été la perspective. Sans aucun doute, ses œuvres nous montrent que c'était une excellente élève.

Tout au long de sa vie, il était marié, avait deux enfants, a travaillé la peinture des avis publicitaires, puis finisse par faire des dessins à l'encre dans journaux et des magazines. Un de ses reussies était très proche de l'animation de faire six panneaux d'un cheval au galop. C'est en 1905 que sa bande dessinée "Little Nemo in Slumberland », «L petit Nemo dans la terre des rêves") dés son débuts, a fait sensation à l'utilisation et la maniabilité des panneaux, des couleurs, l'histoire et de la fantaisie à largement surmonté Lewis Carrol auteur de"Wonderland".

Justement à l'apogée de "Little Nemo, McCay a décidé d'entrer dans le domaine de l'animation. Avait présenté l'idée à ses collègues, qui ont estimé qu'il c’est dans l’absurde, car il était seulement dessinateur consacré à l'illustration et la bande dessinée. Il fut alors qu'il parie que 4000 serait d'apporter des dessins de "Little Nemo" à la vie animée. Avec les gallons d'encre et kilos et de papier et se mit au travail avec sa plume fidèle. Et donc, sans plus, a fait les 4000 dessins nécessaires pour donner vie à ce projet. Encouragé par la demande qui avait été atteint, a ensuite décidé son suivant filme "Comment Fonctionne un moustique " qui a nécessité 6000 dessins. Leur méthode traditionnelle sera inspiration pour nos amis de Disney, plus tard.

En 1914, fait ses débuts "Gertie le dinosaure" film dans lequel tout était prévu à partir de un croquis et même parfois McCay apparaissant à ses côtés,il reçu des critiques élogieuses et félicitations pour cette production. Mais comment est-ce réussi à faire tout cela, s'il était juste un dessinateur? Il n'avait pas de connaissances avancées comme ils l'ont désormais non seulement les sociétés mentionnées ci-dessus comme Disney.

Il demontre simplement que seul il faut avoir le désir pour construire une bonne animation. Vous n'avez pas besoin de plus d'un crayon (ou stylo, selon votre goût), le papier , vos idées, et le désir de dessiner. McCay était vraiment un homme bien en avance sur son temps avec une passion pour le dessin. Et il a montré que «Celui qui veut peut." Qu'attendez-vous de faire de même?

HISTORIA DE LA ANIMACIÓN EN PERU - PARTE 2

EL PROYECTO DE ANIMACION "ZIFRIDO"

En la entrega de la Historia de la animación parte 2, una historia inédita. Es la historia de un ideal, una aventura que fue el proyecto Zifrido* de Rafael Seminario Quiroga (RSQ) que quedo en un intento de hacer un largo metraje y serie, en cine animado tradicional. Entrevistamos a uno de los miembros que integraron aquel excelente grupo de profesionales del cine animado, su nombre es Carlos Panta, animador y artista plástico. Actualmente se desempeña como docente de la facultad de Arte de una Universidad de Lima. Panta tiene una historia que muchos no saben....

*Zifrido. Un héroe que lucha con espada y escudo contra una bruja, ejército y dragón, y adquiere poderes para rescatar una princesa.

Háblanos de tu primer contacto con Rafael Seminario Quiroga RSQ y la Animación

Creo el año fue entre 1977 y 78 cuando ví un aviso en un diario de Lima, que llamó la atención, fue la primera vez que yo veía un curso así, aquí en Perú. Me acerque más por inquietud de ver dibujos animados en la televisión y ver como se hace. Me gusta la pintura pero al final sólo me quedaba colgar mi cuadro en una pared, y no quieres que tus ideas se queden ahí, además como artista deseaba llegar a un público más vasto. Lo vi como una sorpresa y una gran oportunidad porque RS daba un curso. (Él ha formado a varios profesionales en diferentes épocas). Recuerdo que tomé en la escuela un curso por correo de dibujo, y se hablaba de dibujos animados, pero esto era otra cosa era ingresar a un estudio en vivo. S nos hablaba de animación y cine.

Siempre me gustaron los cuentos y la fantasía la ilustración y pensaba ¿cómo se hará animación? Hablé personalmente con RSQ y me hizo algunas preguntas sobre mi interés en aprender cine animado, me hizo pruebas de talento. Lo primero fue animar con estructuras y los ejes de movimiento. Como había ingresado a la ENBA me tenía que escapar para seguir con mis clases. Luego vio en mi condición para el trabajo y fui invitado practicar en el estudio. Entonces me hablo de un proyecto ambicioso e interesante que me podía ayudar a desarrollarme como artista así que deje la ENBA.

Cómo iniciarón el proyecto?

Era un proyecto al cual nos invito RS

Como se fundo el grupo Zifrido?

Se fundo en Diciembre en la fecha del cumpleaños de RSQ porque también cumplía esa misma edad Micky Mouse. Cada uno firmo un juramento, era un grupo muy humano y todos nos poyábamos. No recuerdo los detalles de cómo se formó el proyecto que lo presento RS. Iniciamos el grupo de las mismas clases del taller que él dictaba, que era por ciclos en diferentes horarios. Empezamos el año 77-78 hasta el año 1980, muchos estaban aun estudiando en la escuela secundaria Me acuerdo de Segundo, Ormeño, un tal Chumpitaz que era un señor de lentes, de Luskas, Espinoza, etc. El grupo lo integraban 15 personas poco a poco se desintegró

Te acuerdas de alguien más?

A Espinoza lo volví a ver en la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú ENBA Yo volví el año 1980 y algunos continuaban. Realizamos un avance de diez minutos pero no se llegó a una comercialización, dependía de RS el director .La idea del avance era conseguir dinero para preparar y contratar a más personal, conseguir una inversión.

Tienes alguna foto del estudio y del grupo?

No, no tengo. A algunos de ellos los ví después de años, y como sucede a los artistas en el Perú, estaban en el desamparo, sin dinero. Nosotros resistimos 3 años.

Cómo era el Estudio?

Se encontraba en un primer piso de un local en la av. Arenales de Lima, el número 777. En la entrada había una oficina pequeña, luego pasabas a un área amplía donde estaban las mesas, stands, carpetas para las clases, lámparas de iluminación. En un dormitorio se acondiciona la sala de filmación con la cámara principal y sus reflectores. Luego en el baño se hizo el laboratorio para los revelados.

Cómo funcionaba o era el proceso de producción?

En la animación sólo estaba RSQ. Nosotros no animábamos: hacíamos las labores complementarias, calcábamos en papel film, les dábamos color limpiábamos los dibujos y las animaciones. Era muy difícil hacer la animación porque el camino para lograr ser un animador tradicional es muy largo y sacrificado. Él (RSQ) tenía un tipo de animación secreta, se valía de claves, signos, estadísticas, yo mismo los vi una vez en una tablilla que él había inventado y le molestaba que le preguntemos, pero sólo él las entendía. Una vez alguien se llevó algunos dibujos que tiraba al tacho de basura. Ese personaje los tuvo que devolver. Las fichas técnicas y hojas de exposición también eran distintas. Nos basábamos en el story board y el guión, y trabajábamos la manera más indicada para desarrollar cada escena. RSQ nos indicaba que escenas había que trabajar. Hacíamos los animatics con un poco de música y nos entusiasma mucho como se veía, luego trabajábamos la escenografía.

Desde la mañana trabajábamos en escena tras escena, recuerdo que mejore mucho mi dibujo. El trabajo de cámara era bastante difícil, se usaban multiplanos, había que seguir las hojas técnicas donde RSQ me indicaba todo. Camaras de 16 mm y 35 mm. RSQ las fabrico y todo lo adapto. Recuerdo que demoraba dos horas acomodar sólo 5 segundos de prueba de animación a lápiz.

El formato del papel?

Nosotros usamos un formato de 25 x 35, un poco cuadrado, las escenografías eran grandes, me acuerdo del papel llamado sulfito. RSQ se encargaba de cortar el material y distribuirlo.

Cómo se financiaba el proyecto?

Como no teníamos presupuesto RSQ conseguía comerciales para algunas empresas para poder financiar en alguna forma el proyecto, para empresas como Colcafé, Yompian, Casa Hindu, Garozzo, Ambrosoli, Coca cola, etc. No era fácil trabajar porque no teníamos tiempo y se trabajaba inclusive domingos. Muchas veces las noches las pasamos en vela, casi no dormíamos, porque si llegaba un comercial no se podía parar el trabajo.

Tu trabajo en que consistía?

Mucha investigación sobre películas y guerreros de diferentes épocas, animales, dragones. Pintaba las micas, les pasaba tinta, había que pasar a límpio los dibujos de la animación. Estaba también en la sala de filmación haciendo las pruebas de animación en blanco y negro, luego en el laboratorio revelados de las películas.

Cómo te sentías al final de una jornada?

Una satisfacción total, de haber hecho un adelanto.

Cómo se tomo la decisión de abandonar el proyecto?

Fue decisión de RSQ postergarlo, pero no se consiguió financiamiento

Qué te pareció la experiencia de trabajar con RS?

Nos hablaba de su experiencia personal, de los estudios Disney, nos enseño gran cantidad de comerciales, proyectos, animaciones y documentales como el pacto andino, Impuestos, Mary Pili, animaciones en plastilina, etc. no recuerdo más. Se me confío los detalles de la anatomía en el arte final, justamente por esos años era aficionado al fisicoculturismo.

Cómo era la química en el grupo?

Con RSQ llegamos a ser muy cercanos, salíamos al cine y nos hacía comentarios sobre películas.

No había dinero para seguir con el proyecto, ni siquiera para almorzar pero igual seguíamos. Había mucho entusiasmo, todos pensábamos y sentíamos lo mismo. Llegábamos a las 10 am y no salía del laboratorio hasta las 4 pm y seguía hasta las 9 pm. M e sorprendía porque rápido llegaba la noche pero seguíamos dibujando. A veces Recuerdo que llegaba más gente para las clases. Escuche que los estudiantes llegaron a ser cerca de trescientos, pero en diferentes días y horarios.

Cuándo te alejaste del proyecto?

Yo me retire a fines del año 1980 porque ya no había más, habíamos trabajado tanto y recién había terminado el colegio, yo vivía de las propinas de mis padres. En mi casa me querían matar, y esos tres años yo vivía con problemas con la familia. En casa no me creían cuando trasnochaba en el estudio, me preguntaban donde pasaba la noche, pero el trabajo era muy interesante. Continuar en el grupo se volvió un dilema para mí, ya había dejado la ENBA y tenía la presión de mi familia que no estaba de acuerdo, pues me ausentaba mucho y venia de terminar la escuela secundaria. Mi familia estaba descontenta porque me había retirado la ENBA para seguir en el estudio, además los domingos me preguntaban “a donde vas”. Recuerdo que por ese tiempo los estudiantes al mando de uno de sus dirigentes de apellido Lusa, habían asaltado el local de la ENBA y teníamos problemas, eso también influenció en mi decisión.

Te arrepientes de la experiencia??

Lo que viví como experiencia única fue muy rica en conocimientos, RS es un gran artista y excelente docente. Él nos preparó y nos enseño que para ser profesionales, el artista debe aprender con sacrificio.

Interesante porque en esos años no había programas de computadora, lo que se dictaba era animación tradicional real.

Algunos cortos además de Zifrido?

No había tiempo para cortos experimentales, pero para entrenar a los nuevos que se fueron integrando aparecieron algunos cortos como la mosca, el gallo, etc. Y para Rafael Seminario Coello otros como la cigarra y la hormiga, super eskaen, casa de garabatos, etc.

Sobre Zifrido que más podrías decir?

El proyecto era un ideal y uno sacrifica todo por esas cosas, por la ilusión de hacer el primer largometraje de dibujo animado y RS ya no siguió dando clases porque no había tiempo. Él llegaba a las 7 y no salía hasta las 11 pm de la noche. Fuimos los primeros y pioneros en trabajar en un largometraje que luego se volvería una serie para la televisión, pero sobretodo por el nivel de animación que era tan perfecto, imagínate que hasta los rayos del sol los hacíamos con tiralíneas; los personajes corrían, luchaban, bailaban, etc. Pero sólo avanzamos 10 minutos de una hora y media. Aun esos 10 minutos eran parte de la película y un demo porque se veía a Zifrido con su espada y escudo, luchando con soldados fantásticos, dragones y la bruja que se transformaba en un monstruo de dos cabezas.

Dónde están esos diez minutos de la película??

Los tiene RSQ, el story board y el avance.

Nadie se acerco a brindarle apoyo a Rafael Seminario Quiroga?

Te vuelvo a decir todo se autofinanciaba con propinas, todos esos años, nunca ganamos nada y lo hacíamos con cariño. Pero todo quedo en esas paredes nunca se vio el avance por televisión, el público hasta el día de hoy no sabe de esta aventura. En esa época el medio era pequeño época sólo había cuatro canales, pero Si tienes un proyecto debes buscar financiamiento, todo hubiera sido un Boom. Debíamos borrar los papeles usados para volverlos a utilizar y había la necesidad de solventar los gastos, al menos para almorzar porque todos comíamos igual unos panes y unas bebidas.

Tuvieron cobertura en la prensa?

Sólo en un diario de la época y no hubo más. Faltaba el dinero, debíamos hacerlo todo y asumir los gastos. No hubo apoyo. Fallo el soporte económico y no me refiero a un gran presupuesto de miles de soles, pedíamos sólo lo suficiente para nuestra movilidad y alimentación. Los materiales, renta y otros gastos los asumía RSQ pero con gran dificultad.

Luego que hiciste?

Quede cansado y estresado. Luego se me pasó y quise volver a la ENBA pero fui obligado a postular nuevamente. Ahí me encontré con un profesor quien me enseño en el colegio Guadalupe. Reingrese cuando el artista Aitor Castillo era el director, pero luego de haber pasado la experiencia de haber trabajado con RSQ haber conocido el cine animado, viendo los dibujos moviéndose y como se trabaja en el estudio las escenografías los paisajes, y en medio de un elevado profesionalismo…..concretamente ya la ENBA no me motivaba, ni el nivel profesional de los profesores ni el ritmo tan lento, y como veía que nada aprendía, sentí que en vez de avanzar había retrocedido. No dure mucho y decepcionado deje la Escuela para siempre. Me dedique a trabajar y olvidar. Años después me vuelve la nostalgia por el arte y me fui a estudiar al taller de un pintor, justamente cuando fundaba el taller “Tilsa” (nombre de una artista pintora llamada tilsa tsuchiya, que en vísperas agonizaba). Empecé de cero a dibujar pero no deseaba volver a la ENBA y postule a la Facultad de artes de la Univ. Católica porque me atrajo el diseño grafico.

Perfil y aptitudes para ser un director de cine

Se tiene que nacer o tiene que gustarte, debes tener vocación y talento, ser minucioso, pero no todos llegaran.
Hoy día ,gracias a los que los fabrican software, cuando escuchas el término animación crees que sólo se refiere a programas de computadora, por eso se confunde la gente, piensan que saber un programa ya te hace animador, pero no es así. Un programa es una súper herramienta para quien lo sabe explotar, no significa más que eso. Pero si es verdad que el dibujo animado se complementa perfectamente con la computadora y toda la tecnología más moderna, pero quiero llamar la atención que esto va a funcionar si tienes el talento y la información tan poderosa que te da la animación tradicional, lo cual es relevante para el desarrollo profesional de todo artista, pero, un programa no te garantiza el éxito, porque puedes saber usar la computadora, pero nada funciona sin la sensibilidad del artista, es decir necesitas de un conocimiento más amplio. Se necesita mucho trabajo para realizar un segundo, por eso hay que tener un ideal, tomar el reto de crear, de innovar y darle vida a la fantasía. Estoy seguro que para todo artista la animación cumplirá una función importante en su arte, porque la comunicación se asocia a todas las artes plásticas, pero todo lo que se estudia es muy poco para ser animador, uno debe perfeccionarse por su cuenta, y sobre todo hay que tener carácter de verdad. Te puedes agotar pero debes seguir. Me gustaría volver.

HISTOIRE DE L’ANIMATION PERUVIENNE 2 – Le projet Zifrido

Dans la remise de l’Histoire de l’animation, deuxième partie, une histoire inédite. C’est l’histoire d’un idéal, une aventure qui a été le projet Zifrido*de Rafael Seminario Quiroga (RSQ), qui a essayé de faire un long métrage et une série, en cinéma animé traditionnel. Nous avons fait l’interwiew d’un des membres qui a intégré cet excellent groupe de professionnels de cinéma, son nom est Carlos Panta, animateur et artiste plastique. Actuellement, il travaille comme enseignant à la faculté d’Art d’une des universités de Lima. Panta a vécu une histoire que peu connaissent. *Zifrido: Un héros qui lutte à l’aide d’une épée et d’un bouclier contre une sorcière, une armée et un dragon, et qui acquiert des pouvoirs pour délivrer une princesse.

Parle-nous de ton premier contact avec Rafael Seminario Quiroga RSQ et l’animation

Je crois que c’était entre 1977 et 1978, un jour j’ai vu une annonce dans un journal de Lima qui m’a interpellée. C’était la première fois que je voyais un cours comme ça au Pérou. Je me suis présenté, plus pour voir des dessins animés à la télévision et comprendre comment ça se fait. J’aime la peinture, mais à la fin, il ne me restait plus qu’à accrocher mon tableau sur un mur, et je ne voulais pas que mes idées restent ici. En plus en tant qu’artiste, je voulais atteindre un public plus large. Je l’ai vu comme une surprise et une grande opportunité car RS donnait un cours (Il a formé plusieurs professionnels à différentes époques). Je me rappelle que j’avais pris un cours en ligne de dessin, et on y parlait de dessins animés, mais c’est complètement autre chose d’intégrer un cours en direct, où RS nous parlait d’animation et de ciné. J’ai toujours aimé les contes, la fantaisie et l’illustration, et je pensais : Comment se fait l’animation? J’ai parlé personnellement avec RSQ, et il m’a posé quelques questions sur mon intérêt pour apprendre le cinéma animé, il m’a fait des tests de talent. Le premier a été d’animer avec les structures et points d’articulation. Comme j’avais intégré l’Ecole Nationale des Beaux-Arts, je devais m’échapper pour continuer mes cours. Ensuite il a vérifié ma condition pour le travail et j’ai été invité à pratiquer dans le studio. Ensuite, il m’a parlé d’un projet ambitieux et intéressant qui pourrait m’aider à me former en tant qu’artiste, j’ai donc quitté l’Ecole Nationale des Beaux-Arts.

Comment avez-vous commencé le projet? C’était un projet auquel RS nous avait invité.

Comment le groupe Zifrido s’est-il fondé? Il s’est fondé en décembre pour l’anniversaire de RSQ parce qu’il atteignait le même âge que Mickey Mouse. Nous avons tous signé un serment, nous étions un groupe très humain et nous nous aidions tous. Je ne me rappelle pas les détails de comment s’est formé le projet que nous a présenté RS. Nous avons commencé les cours des ateliers-mêmes qu’il animait. C’était par cycles, à différents horaires. Nous avons commencé en 77-78 jusqu’en 1980. Beaucoup d’entre nous étaient encore en train d’étudier l’école secondaire. Je me rappelle de Segundo, Ormeño, un certain Chumpitaz qui avait des lunettes, Luskas, Espinoza, et. Le groupe était formé de 15 personnes qui peu à peu l’abandonnèrent.

Tu te rappelles de quelqu’un d’autre? J’ai rencontré un jour Espinoza à l’école Nationale des Beaux-Arts du Pérou. Je suis revenu en 1980 et quelques uns continuaient. Nous avons réalisé une démo de 10 minutes mais nous ne l’avons pas commercialisé, cela dépendait de RS, le directeur. L’idée de la démo était de réunir de l’argent pour préparer et embaucher plus de personnel, trouver des investisseurs.

Est-ce que tu as une photo du studio et du groupe? Non, je n’en ai pas. J’en ai vu quelques uns après quelques années, et comme tous les artistes au Pérou, ils étaient à la rue, sans argent. Quant à nous nous avons résisté trois ans.

Comment était le studio? Il se trouvait au rez-de-chaussée dans un local de l’avenue Arenales, au numéro 777. A l’entrée, il y avait un petit bureau, ensuite une grande salle dans laquelle il y avait les tables, les stands, les bureaux pour les cours, et les lampes d’illumination. Dans une chambre avait été installée une salle de tournage avec la caméra principale et ses réflecteurs. Ensuite, on avait transformé la salle de bains en laboratoire pour développer les photos.

Comment était ou fonctionnait le processus de production? En animation, il y avait seulement RSQ. Nous autres nous n’animions pas : nous faisions les travaux supplémentaires, nous faisions les calques sur du papier à films, la colorisation et le nettoyage des dessins et des animations. C’était difficile de faire de l’animation car le parcours pour être animateur traditionnel est très long et demande des sacrifices. Lui (RSQ) avait une manière secrète de faire l’animation. Il se servait de clefs, de signes, de statistiques que lui seul comprenait. Je les ai vus moi-même sur un tableau qu’il avait créé, mais cela le dérangeait que nous lui demandions. Une fois, un des étudiants était parti avec quelques dessins qu’il avait jeté à la poubelle. Il a dû les rendre. Les fiches techniques et les feuilles d’exposition aussi étaient distinctes. On se basait sur le story board et le script, et on travaillait de la meilleure manière qu’il soit pour créer chaque scène. RSQ nous disait quelles scènes il fallait travailler. Nous faisions les animations avec un fond de musique et nous étions très contents du résultat. Ensuite, on se penchait sur la scénographie. Dès le matin, nous travaillions scène par scène. Je me rappelle que j’ai beaucoup amélioré mon dessin. Le travail de caméra était vraiment difficile, on utilisait des plans multiples, il fallait suivre les fiches techniques où RSQ m’indiquait tout. RSQ fabriquait les caméras de 16 mm et 35 mm et il les adaptait. Je me rappelle qu’il mettait deux heures à arranger seulement 5 secondes d’essai d’animation au stylo.

Le format du papier? On utilisait un format de 25 x 35, un peu carré. Les scènes étaient grandes, je me rappelle d’un papier appelé Sulfite. RSQ se chargeait de couper le matériel et de le distribuer.

Comment était financé le projet? Comme on n’avait pas de budget, RSQ trouvait quelques publicités pour quelques entreprises pour pouvoir financer le projet, par exemple Colcafé, Yompian, Casa Hindu, Garozzo, Ambrosoli, Coca cola, etc. Ce n’était pas facile de travailler parce que nous n’avions pas beaucoup de temps, et on travaillait seulement le dimanche. On a fait pas mal de nuits blanches, parce que si une publicité arrivait, on ne pouvait pas arrêter de travailler.

En quoi consistait ton travail? Beaucoup de recherche sur les films, les guerriers de différentes époques, les animaux, les dragons. Je peignais les feuilles transparentes, les teintais, ensuite il fallait nettoyer tous les dessins d’animation. J’étais aussi dans la salle de filmage pour faire les essais d’animation en noir et blanc puis dans le labo pour développer les photos.

Comment est-ce que tu te sentais à la fin de la journée? Complètement satisfait d’avoir pu avancer.

Comment s’est prise la décision d’abandonner le projet? Ca a été la décision de RSQ. Il pensait seulement repousser le projet, mais on n’a pas trouvé de financement.

Comment a été ton expérience de travail avec RS? Il nous parlait de son expérience personnelle, des studios Disney, il nous a montré une quantité phénoménale de publicités, de projets, d’animation et de documents comme le pacte andin, les impôts, Mary Pili, des animations en pâte à modeler, etc. Je ne me rappelle plus du reste. Il m’a confié les détails de l’anatomie dans l’art final, justement j’étais fan de physico culturisme à cette époque.

Comment était l’ambiance de groupe? Avec RSQ, nous sommes devenus très proches. Nous allions au ciné et il nous faisait des commentaires sur les films. On n’avait pas d’argent pour continuer le projet, ni même pour déjeuner, mais on continuait quand même. On était très enthousiastes, et on pensait et sentait tous la même chose. On arrivait à 10 heures du matin, et on ne sortait pas du laboratoire avant 4 heures, et ensuite on continuait jusqu’à 9 heures du soir. Cela me surprenait parce que le soir tombait rapidement mais on continuait à dessiner. Je me rappelle que parfois il y avait plus de personnes qui venaient en cours. J’ai entendu qu’on a atteint près de 300 élèves, mais à des jours et heures différents.

Quand est-ce que tu t’es éloigné du groupe? Je suis parti à la fin 80. J’avais tant travaillé, je terminais tout juste le secondaire et je vivais grâce à l’argent de poche que me donnait mes parents. Chez moi, ils m’en voulaient à mort, et pendant ces trois ans, j’avais eu plein de problèmes avec ma famille. Ils ne me croyaient pas quand je disais que j’avais passé la nuit à travailler au studio, ils me demandaient où j’étais resté toute la nuit, mais le travail était super intéressant. Continuer dans le groupe a été un dilemme pour moi, j’avais abandonné les Beaux-Arts, j’avais la pression de ma famille qui n’était pas d’accord parce que je n’étais pas souvent là et je venais de finir le lycée. Ma famille n’était pas contente car j’avais quitté les Beaux-Arts pour continuer le travail au studio, en plus le dimanche, ils me demandaient : « Où est-ce que tu vas ? » Je me rappelle qu’à cette époque les étudiants, sous la direction d’un des dirigeants appelé Lusa, avaient pris d’assaut le local des Beaux-Arts, et il y avait plein de problèmes. Ça aussi ça avait influencé ma décision.

Est-ce que tu te repens de cette expérience? Ce que j’ai vécu a été unique et riche de connaissances. RS est un grand artiste et un excellent professeur. C’est lui qui nous a préparé et nous a enseigné pour être professionnels, l’artiste doit apprendre en faisant des sacrifices. C’était intéressant car en ce temps-là il n’y avait pas d’ordinateur, donc ce qui nous était enseigné était l’animation traditionnelle réelle.

Quelques courts-métrages en plus de Zifrido? Il n’y avait pas de temps pour des courts-métrages expérimentaux, mais pour entraîner les nouveaux qui s’intégraient, on en a fait quelques uns comme la mouche, le coq, etc. Et pour Rafael Seminario Coello, d’autres comme la cigale et la fourmi, super eskaen, maison du gribouillage, etc.

Que pourrais-tu dire de plus sur Zifrido? Le projet était un idéal et un sacrifice à cause de tout ça, de la pensée de faire le premier long-métrage de dessin animé et RS nous supervisait en donnant des cours car il n’avait pas le temps. Il arrivait à 7 heures et ne repartait pas avant 11h du soir. Nous avons été les premiers et les pionniers à travailler dans un long-métrage qui serait par la suite une série télévisée, mais surtout pour le niveau d’animation qui était si bon. Imagine que nous faisions les rayons du soleil à la règle ! Les personnages couraient, luttaient, dansaient, etc. Mais nous avancions de seulement 10 minutes en une heure et demie. Mais ces dix minutes faisaient partie du film et de la démo, car on voyait Zifrido avec son épée et son bouclier, luttant contre des soldats fantastiques, des dragons et la sorcière qui se transformait en un monstre à deux têtes.

Où sont ces dix minutes de film? C’est RSQ qui les a, ainsi que le story board et la démo.

Personne n’a voulu apporter de l’aide à Rafael Seminario Quiroga? Comme je te l’ai dit tout à l’heure, tout s’autofinançait avec de l’argent de poche. Durant toutes ces années, nous n’avons jamais rien gagné, mais on le faisait avec beaucoup de soin. Mais tout est resté entre ces murs, on a jamais montré la démo à la télévision. Jusqu’à aujourd’hui, le public ne sait rien de cette aventure. A cette époque, les moyens de communication étaient peu développés, il y avait seulement 4 chaînes. Et si tu as un projet, tu dois chercher des financements. Tout aurait explosé dans ce cas-là. Nous devions effacer les papiers utilisés pour pouvoir les réutiliser, il fallait acquitter nos dettes, au moins pour pouvoir déjeuner parce que nous mangions tous la même chose : une boisson et quelques pains.

Vous avez eu une publicité par la presse? Seulement dans un journal de l’époque, rien d’autre. On manquait d’argent, on devait tout faire et assumer les dépenses. Personne ne nous a aidés. Le côté économique n’a pas suivi, et je ne me réfère pas à un grand budget de plusieurs milliers de soles, nous demandions seulement le nécessaire pour notre transport et notre alimentation. Les matériaux et autres coûts, c’est RSQ qui s’en chargeait, avec grande difficulté.

Qu’est-ce que tu as fait après? J’étais fatigué et stressé. Ensuite, je m’en suis remis et j’ai voulu revenir à l’Ecole des Beaux-Arts, mais j’ai dû postuler à nouveau. J’ai rencontré un professeur là-bas qui m’avait enseigné au collège Guadalupe. J’ai réintégré l’Ecole lorsque l’artiste Aitor Castillo était directeur. Mais après être passé par l’expérience d’avoir travaillé avec RSQ, d’avoir connu le dessin animé en voyant les dessins bouger, de voir comment on travaille dans le studio la scénographie, les paysages, tout cela avec un grand professionnalisme…En gros, les Beaux-Arts ne me motivaient plus, le niveau professionnel des enseignants, le rythme si lent… et comme je voyais que je n’apprenais rien, j’avais l’impression qu’au lieu d’avancer, je reculais. Je ne suis pas resté longtemps, et déçu, j’ai quitté l’école pour toujours. Je me suis plongé dans le travail pour oublier. Des années plus tard, la nostalgie de l’art est apparue, et je suis allé étudier dans l’atelier d’un peintre, justement au moment où il fondait l’atelier « Tilsa » (nom d’une artiste peintre appelée Tilsa Tsuchiya à la veille de mourir). J’ai recommencé à zéro à dessiner, mais je ne voulais pas revenir aux Beaux-Arts alors j’ai postulé à la faculté d’Arts de l’Université Catholique parce que le design graphique m’attirait.

Profil et aptitudes pour être directeur de ciné Cela doit te plaire, tu dois avoir la vocation et le talent, être né pour ça, être minutieux, mais tous ne vont pas y arriver. Aujourd’hui, grâce à ceux qui fabriquent des software, quand on écoute le terme « animation », on croit qu’on se réfère seulement à des programmes d’ordinateur, c’est pour cela que les gens font la confusion, ils pensent que connaître un programme fait devenir animateur, mais ce n’est pas comme ça. Un programme est un super outil pour celui qui sait l’exploiter, rien de plus. Mais s’il est vrai que le dessin animé se complémente parfaitement avec l’ordinateur et toute la technologie moderne, je veux attirer l’attention sur le fait que cela fonctionnera si tu as le talent professionnel de tout artiste, mais un programme ne te garantit pas la réussite, car tu peux savoir utiliser l’ordinateur, mais rien ne fonctionne sans la sensibilité de l’artiste, c'est-à-dire que tu as besoin de connaissances plus amples. Il faut beaucoup travailler pour réaliser une seconde, c’est pour cette raison qu’il faut avoir un idéal, avoir le défi d’innover, de créer et de donner vie à la fantaisie. Je suis sûr que pour tout artiste, l’animation accomplira une fonction importante dans l’art, car la communication s’associe à tous les arts plastiques. Mais tout ce qui est étudié est bien peu pour être animateur. Il faut pouvoir se perfectionner soi-même et surtout il faut avoir du caractère. Tu peux te retenir, mais il faut continuer. J’aimerais bien y revenir.

THE PERUVIAN ANIMATION STORY PART 2: ZIGFRIDO PROJECT & RAFAEL SEMINARIO (1920)

An untold, ideal, adventure story by Rafael Seminario Quiroga, and his first attempt on making the first animated film in Peru. We interviewed one of the members of this excellent group, “Zifrido” a professional animator and artist, Carlos Panta, currently working as a teacher at Catolica University……*Zifrido was a hero who fights with sword and shield against witches, dragons acquired powers to rescue a princess”.

Interviewer: Tell us about your first contact with Rafael Seminario RSQ Quiroga?

Carlos Panta: I think it was between 1977 & 1978, when I saw an ad in Lima`s newspaper, which drew my attention, it was the first time I had seen a course like that in Peru, I replied this ad concern because I wanted to see more cartoons on TV like painting, but with this, my expression was ending up hang on a wall, furthermore I knew that cartoonists reach a wider audience. When I called, RS offered me a course; it was a great opportunity for several of us, he training me. I remembered in school I took a drawing course talking about picture animation; however was something else to enter to a real animation studio drawing and talking all the time about animations and films. I always like stories and fantasy illustrations, however I didn`t know how to animated them, so I spoke with RSQ personally, he asked me some questions about my interests in animated films and check my talents with several test, the first was to create structures, axes and give them movement with a pencil in a small piece of paper and other which and don`t remember now. As he also taught at the ENBA, National Bellas

Artes School, he had to escape to continue with my classes. When I finished all my training, he invited me to practice in his studio, when we talk about an ambitious and exciting project to help him as an artist, so I left ENBA School.

Interviewer: How did anyone start in this project?

Mr. Panta: You must be invited by RSQ.

Interviewer: When the Zifrido group was founded?

Mr. Panta: On December, in RSQ's birthday and Old Mickey Mouse too. Each of us signed an oath of collaboration and devotion. I don`t exactly remember how it started, however we got together from people from his own classes, from different hours and courses on 1977 or 1978 to 1980. Many were still studying high school, and I remember our supervisor after RSQ, Mr. Ormeño Chumpitaz, a man with glasses, de Luskas, Espinoza, etc. We were almost 15 people however, little by little each one split out.

Interviewer: Do you remember someone else?

Mr. Panta: I remember seeing again Espinoza at ENBA School on 1980 , when I went back to continue my studies, we make a 10mins advance but there was no marketing, so we depended of RS, we got the idea we need the money to prepare and recruit staff.

Interviewer: Have you got a picture of the study or group?

Mr. Panta: No, I haven`t, I saw some of them years ago, as it happens to artists in Peru, we`re all around, helpless and without money or support. I resisted like this 3 years.

Interviewer: How was the studio?

Mr. Panta: It was on the first floor in 777 Arenales Av, Lima. In the entrance, there was a small office, then a wide area with tables, stands, folders, lamps, all for classes. In another part was the shooting room with the main camera and reflectors, a bathroom and a laboratory room for picture developing.

Interviewer: How was it working in the production process?

Mr. Panta: The only one doing animation was RSQ, we made additional tasks like copying, cleaning colors, drawings and intermediates. It was very difficult to be a professional Animator on that time, because the path is long and sacrifice and RSQ believe in detail, dedication, and hard work. He worked with a type of homemade tools, signs, statistics, etc. I myself saw him once a splint that he invented; he was annoyed when I asked him the use of this. Once someone from the group took away some drawings he used to trash away, so he became very annoyed when he couldn’t find them, and this person had to return them right away. We had a storyboard and script given by RSQ, which is the most appropriate way to develop each scene. We also did Animatics with music, we were very excited that the final art looked so good, then we started in the scenery working since the morning in each scene, I remembered improving my drawing skills quickly. The camera tasks were quite difficult because we needed to follow multiplanes and RSQ sheets and instructions; they were 16 mm and 35 mm cameras, which RSQ modified. I remembered it took 2 hours to record just 5 seconds of pencil animation.

Interviewer: How was the paper format?

Mr. Panta: We use a 25 x 35format with little squares for sceneries was great; the paper was called “Sulfito”. RSQ was responsible for cutting and distribute it.

Interviewer: How was the project finance?

Mr. Panta: As we had no business with RSQ`s budget, some companies funded out project like Coalface, Pompeian, Casa Hindu, Garza, Ambrossoli, Coca cola, etc. It was not easy job, because we had no time, we even worked on Sundays, many sleepless nights, because it was for a TV commercial so we couldn’t stop to produce.

Interviewer: Which was your work?

Mr. Panta: I did a lot of research about movies and warriors from different times, animals, dragons. He painted the lenses with ink, so we need to clean up the animated drawings. He was also doing testing’s, shooting in black and white animation in the testing room, then he done all films.

Interviewer: How did you feel at the end of a day?

Mr. Panta: A total satisfaction.

Interviewer: How difficult was your decision to leave?

Mr. Panta: RSQ decision was delayed, because we didn`t get any funding, so he stopped all production and we left.

Mr. Panta: We talked about his personal experience at Disney studios, about many commercial projects, animations, clay animation and documentaries such as El Pacto Andino, Impuestos, Mary Pili, etc. I trusted him in reviewing my anatomy final art, because in those years I was still an amateur body-building.

Interviewer: How was the chemistry in the group?

Mr. Panta: We became very close with RSQ, we went to the movies, we made film`s critics, even on lunch we continue working. We were very enthusiastic; I think I have never felt like that again. We started working at 10am and stay in the lab until 4pm, then we continue until 9pm, we weren`t surprise because drawing at night was fast. Sometimes, there were more students for classes; I remembered seeing about 300 people, but in different days and times, so RSQ was very busy on those times.

Interviewer: When did you walk away?

Mr. Panta: I quit on the late 1980 because there was no more work, we worked so hard just after school, I realized then all those 3 years I live on my parent`s tips, so they want to kill me. They weren`t agreed about how many nights I spent on the studio, so continue in the group became a dilemma for me. The ENBA`s Art school pressured my family to finish the academic training, so my family was unhappy to withdrawn this school, besides on Sundays when I went to the studio, they asked me, where do you go? And they can`t believe me. All these problems influenced on my decision.

Interviewer: You regret this experience?

Mr. Panta: Of course no, this experience was unique, rich and with full of knowledge. RS is a great artist and excellent teacher, he prepared us to be professionals, he used to say, Artist must learn to sacrifice, so interesting because on those years there weren`t computer programs, it was real traditional animation.

Interviewer: -Did you do more short apart from Zifrido?

Mr. Panta: No, we didn`t have time for other films or experimental ones, but to train new members, we had new ones like the fly, the cock, the grasshopper, the ant, super-eska, home to doodles, etc.

Interviewer: Could you tell us a bit more about Zifrido?

Mr. Panta: This project was ideal and with plenty of sacrifice with the illusion of making the first animated feature film in Peru, so RS stopped to teach for a while. He started working at 7am and did not leave until 11pm. We were the first and pioneering in animated films, which in time became TV series, but above all was the high level of animation we developed. Can you imagine that we even done the sun's rays with “Tiralineas”, the characters run, fight, dance, etc, however we could only do 10 minutes in an hour and a half. Even those 10 minutes were part of a movie and then, it was Zifrido with his sword and shield fighting with fantastic soldiers, dragons and witches who transform into monsters with 2 heads.

Interviewer: Do you know where are those 10mins film?

Mr. Panta: RSQ did the storyboard and progress, so I suppose he kept all.

Interviewer: No one supported to RSQ?

Mr. Panta: I want to say it again, all was self-financing by RSQ, so all these 3 years we weren`t paid a sol, however we work with believe and real affection for Art. However everything was left on these walls, all work was never watch on TV, and the public never know until today about this adventure. At that time there were only 4 channels on TV, so the media was very limited, if we had a fund, all had been different, we had to erase and prepare again the used papers to reuse them, an without thinking about lunch, we all ate some bread and drinks.

Interviewer: Did you have press coverage?

Mr. Panta: I remembered only through the newspapers, we were tight with money, so we should do all ourselves to reduce costs. There was no support, thus we didn`t ask for a big budget, we wanted it enough funds for transportation and food, materials, implements, rent and other expenses were covered by RSQ with great difficulty.

Interviewer: After all what did you do?

Mr. Panta: At the end, I was tired and stressed, so I came back to ENBA School. After I met a teacher who taught me at Guadalupe school, but after the experience with RSQ, I knew all about animated films, so ENBA didn`t motivate me, so I left school and I devote myself to work and not forgetting. Years later I came back to work in an artist`s studio, "Tilsa", there I started from zero to draw, to paint, to move in the art business. Then, I applied to the Catolica University Art Faculty to teach at the graphic design program, they accepted me and I`m still there.