Peruvian Animations

PASOS PARA HACER UNA ANIMACION TRADICIONAL – APRENDE CON LA ESCUELA DE ANIMACION “ONE TO ONE INTERNATIONAL”

2012-01-31T14:03:00.000-08:00

Carrera = DIRECCIÓN EN ANIMACIÓN PROFESIONAL

Profesor = RAFAEL SEMINARIO COELLO

Para darle vida a tus ideas necesitas ( ademas de tener una buena dosis de imaginación y mucho entusiasmo) el conocimiento profesional que te permitirá hacerlo. En este articulo te enseñamos como hacemos una animación, iniciandola del boceto en papel. Planificamos el movimiento de cada elemento que figura en el dibujo, probamos el movimiento haciendo “Flips” con el pulgar sobre los papelitos dibujados, luego escaneamos y observamos que podemos mejorar en conjunto.

Antes de empezar a animar, que es darle vida a un dibujo debo señalar que el principal reto y tarea que tienes es mejorar tu conocimiento de animación tradicional, base para el 2D, stop motion y 3D. La realización de laanimación siguiente , lo explicamos en forma muy simple, paso a paso de forma didáctica y educativa. Lo hacemos como una forma de contribuir a la educación de los interesados sin costo, porque uno de nuestros sueños es democratizar la animación en el Peru. Apreciamos sus comentarios, inquietudes y experiencias, no duden en escribirme, les contestaremos……Rafael Seminario Coello / Coordinador de la Carrera de Dirección en Animación

ASPECTOS GENERALES:
TITULO = Corto presentación de ONE TO ONE INTERNATIONAL

PORQUE ELEGIMOS ESTE CORTO = Porque integra diferentes aspectos que regularmente se nos presenta para realizar un trabajo de animación tradicional que son importantes.

DESCRIPCION DE GUION = Elegimos una historia linéal, descriptiva muy simple, solo debes seguir los hechos y la acción con el desplazamiento del auto y personajes.

TECNICA USADA = Animación Tradicional, no hemos calcado o dibujado digitalmente las imágenes en papel sino que elevamos el contraste de estos dibujos para definirlos más y se vean como pasados a tinta negra.

PORQUE ANIMAR VARIOS ASPECTOS SIMULTANEOS = Algo muy importante es que debemos planificar el movimiento de todo lo que sucede en un cuadro del story-board, esto nos lleva a crear un “Layout” que nos sirve de guía para toda la animación. Es decir este nos ayuda a extraer el trabajo para cada elemento desde el story-board, porque cada uno tiene su propio movimiento por separado. Ya con esta base nos permite hacer la primera prueba animada o “Animatik”.

FORMATO = Elegimos JPG, 100KB por imagen coloreamos uno por uno.

SECCION DIGITAL DEL CORTO = Luego los capturamos por medio de un escáner, los guardamos en extensión JPG para calcarlos con el mouse o lápiz electrónico usando una tableta electrónica uno por uno. Más tarde los colocamos en un programa de animación simple, para quitarle el fondo blanco a cada imagen que no necesitamos.

VELOCIDAD = En la línea de fragmentos colocamos las imágenes numeradas cuadro por cuadro, elegimos 8 fragmentos por segundo.

DIFICULTADES CREATIVAS = La mayor dificultad es visualizar el movimiento y definir exactamente lo que vamos hacer, buscar siempre soluciones prácticas pero creativas, que realcen el corto y mantengan el guion.

COMO DAR IDENTIDAD PROPIA = Los personajes deben ser unicos y muy diferenciados unos de otros, fortaleciendose entre todos sus personalidades y diferencias. Esto incluye su forma de moverse, tambien algunos detalles de diseño, para hacer nuestro corto interesante.

PERSONAJES = Nos inspiramos en 2 personajes emblemáticos de One to One International, su Presidenta y la mascota y símbolo oficial, Virgilio.

PORQUE BLANCO Y NEGRO = Par que reconozcas fácilmente las etapas de la realización, muy importantes para ver trazos a mano alzada, relieve y guion para un animador.

EFECTOS, SONIDOS UTILIZADOS = En este corto hemos dado más importancia a la parte visual, porque es lo que queremos que aprendas a dominar y desarrollar un nivel de crítica de la producción animada. Hay efectos visuales como las transformaciones del humo del auto a las palabras de nuestro logotipo, la animación de la tercera toma usando una animación interrumpida dando efecto de estar el auto recorriendo la parte del camino que no se ve sobre un fondo fijo.

DESCRIPCION DE PROCESO PASO A PASO
Iniciamos con el bosquejo a lápiz de nuestro proyecto/idea, haciendo la animación de todos los elementos pero en diferentes momentos por separado, todo inicia de una simple idea creativa.

BOCETO PRINCIPAL
Primera toma = Aquí se ve a la chica y el perrito en media toma que ya están coloreados. Luego se borra la porción del blanco para que se pueda ver la animación del fondo del cielo.

Segunda toma = Empieza con el ciclo del auto donde la escenografía es la que se mueve, teniendo los elementos para animar por separado:
• 1er plano = Las vallas.
• 2do plano = El auto, su sombra y el suelo (sin colorear) en el cual notamos que aun no hemos terminado el borrado del fondo blanco de cada dibujo.
• 3er plano = El logotipo de One to One International y el cielo (sin colorear).

Tercera toma = En una capa va el fondo (falta animar). En la primera o primer plano, la animación va en porciones del auto (ya se le ha retirado el fondo blanco).

Cuarta toma = Pasa el auto y el fondo, todo en el mismo plano en full animación donde nada se ha digitalizado, es decir que el coloreado y los trazos son hechos artesanalmente, en Animación Tradicional. Observaras que todos los personajes (Animalitos, auto, personajes del auto, humo, transformaciones de este y el fondo van animados en el mismo papel o la misma capa).

MIRA LA ANIMACION AL FINAL DE ESTE ARTICULO

Así de fácil terminamos nuestro corto y primera contribución educativa de la Escuela de One to One International a la comunidad. Espero que les haya gustado, escribanos sus comentarios, experiencias, dudas a: mkt@onetooneperu.org.

Esta técnica y muchas más podrán ustedes aprenderlas en nuestro curso que ya está abierto para estudiantes, animadores, profesionales, artistas y cualquier persona (jóvenes y adultos) que quiera entrar al mundo de la animación aprendiendo de una forma didáctica, personal y paciente todo sobre Animación Tradicional, 2D, Artística y 3D en un solo curso integral.

MATRICULAS E INSCRIPCIONES al 223-0756 – mkt@onetooneperu.org, CURSO DE DIRECCION EN ANIMACION, horarios al escoger, Martes y Jueves 9:30 – 11:30am, 4 – 6pm y 7:30 – 9:30pm, en San Borja con Ovalo Quiñones, INICIO DE CLASES TODO FEBRERO……Rafael Seminario Coello

CONVOCATORIA A FORMAR PARTE DEL COLECTIVO "TODAS LAS ARTES" ABIERTO A PUBLICO EN GENERAL

2011-12-20T08:00:00.000-08:00

ONE TO ONE PERU SIEMPRE AL SERVICIO DE LA COMUNIDAD

INVITACION OFICIAL A UNIRSE Y DONAR SU TIEMPO VOLUNTARIO
One to One International, Asociación Cultural Educativa en San Borja (3 cuadras pasando Ovalo Quiñones) te invita:

PROXIMA REUNION: JUEVES 22 DE DICIEMBRE de 7:30 - 9pm
Reunión de Confraternidad para formar parte de forma voluntaria del colectivo “TODAS LAS ARTES’ para trabajar juntos hacia el desarrollo y difusión de la animación, el arte y la cultura en el Peru.

Te invitamos a formar parte de este equipo fundador, convertirnos en un grupo/movimiento con voz y voto fuerte en el medio, para lograr juntos cambios “JUNTOS PODEMOS HACER MAS Y RAPIDO”. Tenemos muchas ganas de crecer y unirnos para un bien común.

Se parte de este grupo, colabora con tus ideas, tiempo, proyectos, experiencia, une a tu grupo, movimiento, asociación. Invitamos a todos los artistas plásticos, animadores, diseñadores gráficos y de modas, ilustradores, dibujantes, guionistas, cineastas, estudiantes, publicistas, músicos, fotógrafos, representantes de colectivos, grupos de escuelas, blogs, foros y público en general interesado.

Confirma tu asistencia dejando tus datos completos al:
223-0756 - mkt@onetooneperu.org
One to One International
http://www.onetooneperu.org/eventos.htm

RESUMEN Y CONCLUSIONES DE PRIMERA REUNION:
1. Acordamos libremente unirnos para trabajar en favor del desarrollo de la animación, el arte, la cultura y la educación en el Peru.

2. Reconocimos unánimemente que en el Peru existen muchas iniciativas independientes, pero sin unidad no podemos ser una fuerza real hacia un cambio grande. Si no nos unimos y trabajamos juntos grupos, colectivos, escuelas, artistas plásticos, animadores, diseñadores gráficos, ilustradores, dibujantes, guionistas, cineastas, estudiantes, músicos, fotógrafos, etc. no subiremos el nivel artístico y como consecuencia, no podremos competir ni representar a nuestro país en el extranjero.

3. Definimos porque el nombre “Todas las Artes”, seleccionado por la misión del grupo, unir a personas de todas las disciplinas para que colaboren con sus habilidades, tiempo e ideas de manera voluntaria sin ningún fin propio.

4. Nos alegró escuchar que nuestros participantes ya están involucrados en trabajo social y voluntario a favor de la difusión del arte y cultura en el Peru. Concordamos que la cultura y la educación en el Peru debe ser un derecho de todos y para todos.

5. Empezamos a evaluar propuestas como organizar talleres de dibujo, comics para niños y colegios de los conos, creación de una historieta educativa para dar a conocer sus derechos y llevarlo itinerante a nivel nacional. Propuesta y creación de la Ley de Animación Nacional para que se implemente en la curricula nacional.

6. Decidimos reunirnos Dos veces al mes previo coordinación.

7. Invitamos a los miembros a ser DIFUSORES ACTIVOS de este colectivo en su propio medio para convertirnos en una fuerza real y tener voz, voto en los medios.

Confirma tu asistencia dejando tus datos completos al: 223-0756 - mkt@onetooneperu.org - www.onetooneperu.org

SEMINARIO DE ESPECIALIZACION EN ANIMACION STOP MOTION EN ARENA

2011-11-16T12:20:00.001-08:00

SEMINARIO DE ESPECIALIZACIÓN EN ANIMACION STOP MOTION EN ARENA

ONE TO ONE INTERNATIONAL, Escuela y Estudio de Animacion SAN BORJA

CURSO DE ESPECIALIZACIÓN EN TECNICA DE ANIMACION STOP MOTION EN ARENA Y MATERIALES RECICLABLES

Todos los SABADOS de NOVIEMBRE y DICIEMBRE de 9 - 12am

DIRIGIDO A PROFESORES, DIBUJANTES, ANIMADORES, ARTISTAS, DISENADORES, ESTUDIANTES

Ideal para principiantes y Profesores donde aprenderás como trabajar con grupos pequeños y desarrollar un proyecto informático en clase
Aprenderás tecnicas didacticas y artisticas para usarlas en el aula de clase
Como editar, usar herramientas y programas digitales
Poner audio, efectos especiales y subir tu vídeo a youtube, internet
Como crear desde inicio a fin un proyecto de vídeo y darle vida, animarlo
Figura articulada, dar volumen, dirección
Desplazamiento, controlar tiempo, trabajar con cámara, backfilm
Crear un guion, story-board, historieta y plasmarla con materiales reciclables
Se otorgaran Certificados - Horas registradas por Ministerio de Educación para Profesores

DICTADO POR: ARTISTA ANIMADOR, RAFAEL SEMINARIO COELLO

Costo: S/. 150 NUEVOS SOLES

Previa inscripción al 223-0756 - mkt@onetooneperu.org

Más detalles visita: www.onetooneperu.org

http://www.youtube.com/user/onetooneperu

CELEBRA EL DÍA INTERNACIONAL DE LA ANIMACIÓN CON NOSOTROS

2011-10-12T17:01:00.001-07:00

SEMINARIO LAS POSIBILIDADES DE LA ANIMACIÓN EN LA EDUCACIÓN Y CULTURA EN EL PERÚ

Organiza Escuela y Estudio de Animación Profesional, ONE TO ONE INTERNATIONAL –www.onetooneperu.org

Seminario con el fin de promover la Animación como una herramienta masiva de difusión de cultura, arte y educación y de

paso establecer una INICIATIVA CULTURAL para agruparnos todos y crear una fuerte movida cultural – Todos los interesados de todas las ramas están INVITADOS!

Hora y fecha: 6 a 10 pm el viernes 28 de octubre del 2011

INGRESO LIBRE

Otorgaremos Certificados

Ponencias con profesionales de renombre en ARTE, ANIMACIÓN, EDUCACIÓN, HISTORIETAS, ANIME MANGA Y DISEÑO

Introducción de NUEVA TÉCNICA DE ANIMACIÓN EN VIVO: Arena Stop Motion

EXHIBICIÓN MUESTRA de trabajo en animación, arte, cómics, anime

Confirmar su asistencia a: mkt@onetooneperu.org – 223-0756

TE INVITAMOS A NUESTRO CONVERSATORIO SOBRE ANIMACION GRATUITO 2 VECES AL MES: PROXIMO OCTUBRE 15, 11AM

2011-10-08T19:44:00.000-07:00

COME TO OUR FREE ANIMATION SEMINARS 2 TIMES A MONTH: NEXT OCTOBER 15, 11AM / VENEZ à nos Séminaires D’ANIMATION gratuite: LE PROCHAIN OCTOBRE 15, 11 heures

Con satisfacción informamos el éxito del 2do CONVERSATORIO SOBRE ANIMACION auspiciado por la Escuela y Estudio de Animación One to One International San Borja el pasado Viernes 7 de Octubre, como una modesta manera de apoyar y difundir la Animación y Arte en Perú. Si no se enteraron aun tienen la oportunidad para asistir CONFIRMANDO SU PRESENCIA a 223-0756 - mkt@onetooneperu.org……Webmaster

ESCUELA & ESTUDIO DE ANIMACIÓN, ILUSTRACIÓN Y ARTE ONE TO ONE PERÚ

www.onetooneperu.org

OBJETIVOS: Tratamos de crear un espacio de discusión sobre Animación en Perú
ORGANIZADO POR: ONE TO ONE PERU Escuela de Animación y Estudio (San Borja)
CUANDO: DOS SABADOS DE CADA MES
PROXIMO EVENTO: SABADO 15 DE OCTUBRE 11am
DIRECCION: Llamar al 223-0756 para confirmar asistencia
DIRIGIDO A: AFICIONADOS, PROFESIONALES, ANIMADORES, HISTORIETAS, DISEÑADORES, ARTISTAS, DIBUJANTES, ESTUDIANTES, ILUSTRADORES, ESCULTORES, PROFESORES yPUBLICO EN GENERAL.

Animation & Art Director

Rafael Seminario Coello

AQUI UN RESUMEN DE LOS TEMAS QUE SE TOCARON EL ULTIMO CONVERSATORIO: 7 DE OCTUBRE 2011

PONENCIA:

FALTA DE CORRESPONDENCIA Y CALIDAD EN UNA SECUELA ANIMADA / MISSING CONTINUITY & QUALITY IN ANIMATED SERIES / CONTINUITÉ DISPARUS & QUALITÉ DANS LA SÉRIE D'ANIMATION..........Maria Angela Paredes

Muchos de nosotros sentimos un gran placer al deleitar nuestros ojos con una excelente película animada, nos sumergimos en un mundo muy aparte de lo que es la realidad pero al mismo tiempo rescatamos ciertos valores que sabemos que podemos aplicar en nuestra vida diaria. Llegan a impactarnos con sus espectaculares diseños, bandas sonoras, la preciosa animación y lo más importante la belleza y realismo de una excelente historia. Cuando llega a pasar esto con gran orgullo lo condecoramos como un “Clásico”; porque sabemos a la perfección que ha dejado su huella en lo más profundo de nuestro sentir y que hemos de recordar para siempre.

Pero suele pasar, en la mayoría de los casos, en que ciertas personas deciden explotar al máximo la franquicia de dicha película, y que mejor manera de hacerlo dando como próximo resultado una secuela de la susodicha. Al ser una Secuela de un Clásico, nosotros los fans sentimos cierta alegría y entusiasmo por saber que una de nuestras historias favoritas tendrá una continuación (para atar cabos sueltos que pudo haber dejado la primera entrega, una nueva aventura con nuestros personajes más queridos, etc.). Lastimosamente este truco es tan burdo y barato, como la misma forma que hacen estas disque “Secuelas”. Tal vez se pregunten porque es que las estoy criticando: ES PORQUE SENCILLAMENTE NO TIENEN NINGUN SENTIDO Y SON SOLO MERCHANDACING BARATO…..Admito que hay excelentísimas secuelas (como algunas de los estudios más conocidos), pero es realmente triste pero cierto de que la mayoría de casos no es así, aun estos estudios con incalculables presupuestos, caen en lo mismo.

Y se preguntaran que hago aquí criticando, hablando tan fuertemente sobre películas animadas, es porque soy estudiante de Animación, de Cine Animado y Guion en la Escuela de Animación One to One Peru, si desde estudiantes no cultivamos este afán y critica por la observación artística-detallista de producciones animadas, calidad, guion y coherencia en secuelas, películas cuando vamos al cine, como aprendemos, mejoramos, trataremos de no cometer los mismos errores al crear nuestro propio corto o película.

En mi punto de vista, un artista, estudiante, creador debe todo el tiempo cultivar este don, la pura apreciación por el arte a lo sublime, grotesco, la belleza que va más allá del marketing, merchandacing y llenar taquillas. Pues en esta carrera, rápidamente nos damos cuenta que un éxitos e taquillas usualmente nunca llena tus expectativas como artista, innovador, creador que es lo que más importa en este mundo, sino estamos en este mundo solos con una sed enorme de belleza sin poder saciarla.

Un ejemplo loable a seguir en animación según mi apreciación, un director que sigue produciendo sin pensar en merchandising, rating, taquillas, solo en su propio desarrollo y evolución artística a través de su trabajo es el del director Japonés “AKIRA KURASAWA”. Alguna vez leí que le preguntaron porque no hacia una secuela de una de sus más renombradas películas, el claramente respondió, “Ya no pienso en ese personaje ni en ese guion, ya no estoy más en ese tiempo de creación, sigo evolucionando, creando, no puedo parar, retrasar mi proceso al regresar al pasado, lo que viene es mejor”. Que en otras palabras quiere decir, como animador – artista, tu producción futura, la que viene siempre es mejor, debes seguir experimentando, creando y evolucionando!

¿ES REALMENTE NECESARIO HACER UNA SECUELA DE UN CLASICO?

Honestamente diría que no, un clásico es una obra de arte que no tiene ni pies ni cabeza y punto, salvo que en esta primera entrega se dé a entender que pronto habrá de continuar; pero en sí creo que debe de dejarse en paz. Otra cosa importante y desgarradora es:

· La bajísima calidad que tienen en comparación a su precursora, y una clarísima muestra de ello es la terrible y horrenda animación,

· El diseño de personajes es una copia muy mal hecha de lo que eran en la original (sin mencionar que a algunos les hacen cambios drásticos),

· Una trama tan vacía y patética sin nada que ver con la anterior,

· Es simplemente una forma muy mala de querer explotar al máximo una franquicia con éxito (pero luego los mismos productores se dan cuenta de que es un rotundo fracaso).

Creer que una secuela se puede comparar a la original es absurdo y es mucho más absurdo creer que por poner a los mismos personajes en una película completamente distinta a la original van a tener la misma acogida.

¿DE QUIENES Y QUE SECUELAS HABLAMOS?

Uno de los más afectados por esta “Epidemia” es Disney, si bien admito ser una fiel fanática suya, en estos últimos años me he llevado muchas decepciones por causa de este problema. Incluso muchos fans han catalogado la mayoría de estos films como las peores películas animadas de la historia y diciendo cosas como:

· “¿Qué afán de Disney por arruinar clásicos?”

· “¿Tan necesitado están de plata que explota de una manera insulsa a sus propios personaje?”

1. Por ejemplo la secuela de “Balto”, una magnífica película con un bellísimo mensaje y una trama conmovedora; luego de esa hermosa pieza de animación se estreno una segunda parte este año, pero esta vez en formato de video, con suerte yo la vi de pequeña y fue verdaderamente decepcionante, me pregunto:

· ¿Qué le paso a la animación?

· ¿Por qué razón cambiaron el reparto de doblaje?

· ¿Dónde quedaron los bellísimo escenarios de la primera película?

· Y lo más importante ¿Qué diablos tiene que ver esta historia con el Balto original? Como lo puedes comprobar viendo estos 2 videos abajo de Balto parte 1 y secuela parte 2

2. La secuela muy marketeada del “Jorobado de Notre Dam”, que nada tiene que ver con el original, para esta Walt Disney Pictures tuvo más presupuesto y además un socio, Buena Vista Productions por lo cual uno como fan piensa que será mucho mejor, más estupenda que la primera hace ya tantos años con bajo presupuesto, clásica y sin tanta computadora y efectos especiales…..que decepción y que falta de concordancia con la historia original!

3. La secuela de la película “Atlantis”, por Walt Disney pictures en 2001 la original, si tienen la mala suerte de ver la nueva secuela, se darán cuenta que tan cuadriculados, sin emociones son los personajes y falta de creatividad con los efectos.

4. La secuela del “Secret of NIMH” de ratoncitos, toda hecha en animación tradicional hace muchos años, que falta de concordancia en la trama, como que los productores creen que los fans no se acordaran de la primera. Que poca calidad en los escenarios, fondos y personajes, tan simplones.

La respuesta a todo esto no es muy clara aun, pero se podría decir que básicamente es tratar de conseguir dinero fácil…..Así podría continuar y mencionar un sin fin de este tipo de películas.

¿Y CUAL SERIA LA SOLUCION A ESTE PROBLEMA?

1. Primero que nada saber si realmente vale la pena hacer una secuela de un clásico; la historia puede que tenga potencial pero si no tiene ninguna relación con la primera entonces lo mejor sería dejar la original en paz y hacer otra película aparte con la primera idea.

1. Si la primera película dejo cabos sueltos y de una u otra forma hay que aclararlos, la secuela entonces es aceptable; pero hay que tener consideración y respeto por lo que era la primera: respetar la animación y diseño de personajes, hacer que tenga sentido, mantener la esencia de la primera;

2. No echarla a perder con chistes baratos ni gags absurdos.

MIS CONCLUSIONES

Si bien una Secuela, segunda parte puede funcionar, sencillamente nunca podrá comparársele con la obra maestra que es el clásico original, simple y llanamente no puede, porque a la vista está de que los productores solo quieren enriquecerse más tratando de “Actualizar” a sus viejos personajes con resultados terribles y desastrosos.

El arte de la animación no es cosa que se pueda dejar de lado y lastimosamente así es, hacer una película animada tradicionalmente no es cosa de chiste, no cualquiera puede hacer una obra maestra de calidad. No basta con decir “Tengo una estupenda idea, hagamos una secuela de un clásico”, la probabilidad de que este sea un rotundo fracaso son altísimas y además echan a perder la imagen y el encanto de la primera.

Hay que tomar conciencia sobre este tema muy controversial, porque ya los fans nos estamos hartando de que nos venga con la misma cantaleta de querer ganar dinero fácil y en desperdiciar talento y animación, en lo que podría ser otra película muy aparte de la antes mencionada. Roguemos porque los productores reflexionen acerca de esto y tenga la gentileza de no estafar a sus fieles seguidores de esta forma tan cruel e innecesaria......Maria Angela Paredes (estudiante)

TE INVITAMOS A NUESTRO CONVERSATORIO DE ANIMACION GRATUITO ESTE VIERNES 16 SETIEMBRE

2011-09-09T01:37:00.000-07:00

Con satisfacción informamos el éxito del PRIMER CONVERSATORIO SOBRE ANIMACION gratuito auspiciado por la Escuela y Estudio de Animación One to One International en San Borja el pasado Viernes 26 de Agosto, como una modesta manera de apoyar y difundir la Animación y Arte en Perú. Si no se enteraron o no tuvieron tiempo de venir, tienen oportunidad para hacerlo pues apoyamos el esfuerzo loable y categórico de One to One por apostar por eventos permanentes sin fines de lucro. TODA PERSONA INTERESADA Puede apoyar con su presencia CONFIRMANDO Y ASISTIENDO a este espacio 2 VECES AL MES, VIERNES 7 – 9pm, Especialmente AFICIONADOS, PROFESIONALES DE ANIMACION, HISTORIETAS, DISEÑADORES, ARTISTAS, DIBUJANTES, ESTUDIANTES, ILUSTRADORES, ESCULTORES, ETC……..Aquí la información y publicidad oficial para que se inscriban y asistan……Webmaster

ESCUELA & ESTUDIO DE ANIMACIÓN, ILUSTRACIÓN Y ARTE ONE TO ONE PERÚ

TE INVITA A NUESTRO CONVERSATORIO DE ANIMACION GRATUITO

PROXIMA CHARLA: VIERNES 16 DE SETIEMBRE

OBJETIVOS: Tratamos de crear un espacio de discusión sobre Animación en Perú
ORGANIZADO POR: ONE TO ONE PERU Escuela de Animación
CUANDO: DOS VIERNES DE CADA MES
PROXIMO EVENTO: VIERNES 16 DE SETIEMBRE DEL 2011
HORA: 7 - 9pm
DIRECCION: llamar al 223-0756 para confirmar asistencia y dirección en San Borja.
ULTIMO TEMA: PORQUE DEMOCRATIZAR LA ANIMACION Y CAPTURA DEL MOVIMIENTO
INVITAMOS A: PUBLICO EN GENERAL, AFICIONADOS, PROFESIONALES DE ANIMACION, HISTORIETAS, DISEÑADORES, ARTISTAS, DIBUJANTES, ESTUDIANTES, ILUSTRADORES, ESCULTORES, PROFESORES, ETC.

Confirmar antes Asistencia al (00511) 223-0756 - mkt@onetooneperu.org

Informes: 223-0756 - mkt@onetooneperu.org

www.onetooneperu.org

Animation & Art Coordinator

Rafael Seminario Coello

http://rafaelseminarioartista.blogspot.com/

AQUI UN RESUMEN DE LOS TEMAS QUE SE TOCARON EN EL PRIMER CONVERSATORIO: 30 DE AGOSTO 2011

PRIMERA PONENCIA: Porque es importante Democratizar la Animación en Perú por RafaelSeminario Coello

¿Por qué democratizar la Animación en Perú?

Porque es urgente abrir nuevas opciones en donde no se privilegie solo el rol de la tecnología y dinero sobre el del artista. Para escapar de un ambiente centrado en la producción convencional a uno focalizado en el desempeño creativo independiente. Porque vivimos una dictadura discente donde la exclusión o la gran inversión toman el rol de amo de todas las posibilidades y centro de todas las atenciones de un Artista – Animador, cada vez más minimizado en su rol de creador y de guía de las propuestas y los procesos creativos. El traslado de instancias democratizadoras hacia la Animación debe ser guiada por una filosofía que se aplique a la realidad proyectada en acciones más que en discursos y palabras bien intencionadas.

¿Qué proceso se debe seguir para democratizar la Animación?

Este proceso significa abrir nuevas opciones para aprender, practicar y crear en Perú; no es suficiente la información dada por un sistema de enseñanza convencional que no esté de acuerdo a las necesidades y realidad nacional y mundial; existen tantas variables, tantos avances investigativos que hacen imposible que UNA SOLA MANERA domine la totalidad de la producción nacional. Debemos reconocer la diversidad de miradas respecto a un tema, sus componentes y tonalidades, democratizar es compartir la unidad a partir de la diversidad a efecto de que cada uno discierna y concluya sus opiniones y opciones. Estos son puntos centrales de un proceso que debe buscar el bien de todos.

Qué beneficios traería al Artista – Animador peruano?Podríamos diseñar estrategias de difusión de este arte en todos los sectores posibles por medio de actividades gratuitas utilizando el internet y talleres presenciales participativos, efectivas, concretas, evaluables que eviten lo mejor posible la dependencia de materiales y tecnología importada, onerosa, costosa que permita el mejor nivel de expresión y calidad posibles en lenguaje visual; lo que debe permitir que quienes participen en ella se involucren, se apropien de un proceso que por su naturaleza debe ser de todos. Poder desarrollar su propio proceso educativo, creativo e innovativo, a la vez convertirse en instructores de otros, así cumplir con el informe Faure de las Naciones Unidas, "No sólo más educación para más gente, sino más gente en educación".

¿Una metodología Innovadora por medio de Realización de proyectos en clase?

Esta metodología de enseñanza que proponemos se basa en la realización de ideas, simples y complicadas, a modo de proyectos desde el inicio de tus clases, formación para extender tu educación de tal forma que permita motivarte desde la iniciativa, la aceptación de retos y de articular la convergencia de distintas habilidades como creatividad, experimentación e imaginación hacia un objetivo compartido. Es una iniciativa que no ordena los conocimientos de forma vertical, con una visión asignaturista, sino en función de tu aprendizaje práctico para solucionar problemas por medio de la creatividad, lógica e intuición. Esto facilita el tratamiento de tu proyecto como un ejercicio de como ejercer los procesos de realización individuales, concretando un anhelo educativo: “Darte confianza para que desarrolles habilidades de forma personal por medio de la acción con el fin de orientar e instruir a otros mas adelante”.........Rafael Seminario Coello

SEGUNDA PONENCIA: Como capturar movimiento en Animación por Ronny Portilla

¿La importancia de capturar movimientos para un Animador?

Todo el tiempo vemos imágenes en movimiento nada parece estático pero, esto nos parece irrelevante, nada sorpresivo para el común de las personas, en el caso de un Animador hasta lo más simple tiene una importancia, un significado valioso para representar y aprender. Al asumir el rol de Animador, este está obligado a desarrollar la memoria visual y sus instintos sobre el movimiento, ya que la memoria visual es la más importante y poderosa de todos las clasificaciones de memoria, gracias a ella podemos recordar las cosas que vemos.

En el caso de un Estudiante de Animación que está leyendo un texto, su mente puede proceder a transformar las palabras que ve escritas de imágenes a una película entera. El ejercicio permanente será avanzar y rebobinar mentalmente el movimiento, como un vídeo cuando pasa en cámara lenta y ves el movimiento por etapas. El Animador debe ser capaz de descomponer el movimiento que pretende reproducir, comenzando por determinar cuál es la posición inicial intermedio y final, esto es solo es una parte del proceso de animación, la otra parte es el tiempo y el espacio.

En esta figura podemos ver la descomposición del movimiento de un péndulo, siendo los números 1, 3 y 5 los más importantes y los números 2 y 4 que completan el movimiento, y cuando estos dos últimos números mencionados estén más juntos de sus extremos, es decir, 1 con 2 y 4 con 5 el tiempo será más lento en el inicio y fin del vaivén del péndulo, controlando de este modo el tiempo que deseamos darle. Otra observación es que a más fotogramas, el trayecto será lento y con menos será rápido. Estas observaciones podrán ser utilizadas en todo tipo de movimiento, es de esta manera la forma como se captura el movimiento para un Animador.........Ronny Portilla

2011-06-29T13:46:00.000-07:00

PRACTICA INGLES CON ONE TO ONE PERU

SOME 2010 ANIMATED MOVIE REVIEWS / ALGUNAS CRITICAS SOBRE PELICULAS ANIMADAS DEL 2010

YOGI BEAR 2010 MOVIE REVIEW / CRITICA SOBRE LA PELICULA "YOGI" PRODUCIDA POR WARNER BROS. PICTURES

The movie starts off exactly how you'd expect it to; Yogi attempting to steal pic-a-nic baskets and Ranger Smith scolding him. But a threat presents itself in the mayor wanting to start logging Jellystone to turn a profit on a bankrupt town and also give him a running start for his campaign as governor. With a little pep talk from Boo Boo, Yogi reunites with Ranger Smith to try and save Jellystone before it's leveled and gone forever before it can celebrate its 100th birthday.

I probably shouldn't have expected much from the story since it's based on a cartoon that initially only lasted 7 minutes or so in its prime, but it still seems weak in its animated execution. As if drudging through the story that is incredibly unlikely to happen with their ridiculous inventions, scatterbrained ideas, and irritating dance routines will make you want to jump off a cliff and hopefully land on something jagged to bring you the sweet satisfaction and quieting comfort of serenity away from a horrid film. The dialogue isn't much better either: "Faster than the speed of sandwich" Ugh, seriously? It makes you want to kick a bear square in the nuts just to get some sort of retribution. The voice cast for Yogi and Boo Boo is a bit out of left field. Dan Aykroyd and Justin Timberlake sound off at times, especially Timberlake......Yogi Bear still suffers from being highly predictable, incredibly corny, and downright simple. The movie is practically anything but funny and charming while the cast comes off as awkward and overbearing, and it's been a collosal expensive creation of Warner Bros. Pictures.

MEGAMIND 2010 MOVIE REVIEW / CRITICA SOBRE LA PELICULA "MEGAMIND" PRODUCIDA POR DREAMWORKS

If it's one thing I've learned the past few weeks, it's that Dreamworks isn't nearly as bad as some people make it out to be. While Dreamworks films don't pack the emotional punch that nearly every Pixar film does, Dreamworks animated features tend to still be overflowing with fluid and colorful animation, solid casts, and more comedy in each film than Pixar seems to have. The old school soundtrack was strangely fitting. You probably wouldn't think of AC/DC, Guns 'N Roses, Michael Jackson, and Ozzy Osborne being on the soundtrack to an animated film like this, but they are. Michael Jackson's "Bad" really suits Megamind's personality like a glove and the same can be said for AC/DC's "Back in Black."

The film is also a bit more clever than expected. The entire story is basically centered on the what-if situation of your favorite superhero being defeated by their most famous arch rival. The way it all unfolds isn't quite as predictable as expected. It also includes references to things like Donkey Kong, which always gets positive marks from me. Megamind is an animated film that is actually better with lowered expectations. The film is a bit smarter than it lets on, includes a cast that fits its roles to near perfection, and has animation that is both easy on the eyes and a joy to watch. Megamind is pretty much exactly what you look for in an animated film; it's entertaining to anyone of any age.

SHREK FOREVER 2010 MOVIE REVIEW / CRITICA SOBRE LA PELICULA "SHREK FOREVER" PRODUCIDA POR DREAMWORKS & FRANQUISIA: Mike Mitchell

The original Shrek animated film really seemed to offer a lot of promise for a potential franchise. It was a kids movie that was funny for both kids and adults, was way more clever than expected, and even had mild cursing that was both humorous and relevant. It was an animated film with a solid story that was entertaining for all ages and had that secret ingredient of heart to bring it all together. Unfortunately, the franchise seemed to slide further and further downhill from there.

The subtle humor used in the Shrek films has always been the high point for me, but the sequels seemed to use that humor less and less as the franchise went on. Shrek Forever After does have glimpses of hilarity and solidarity, but mostly comes off as halfhearted. The sequels could never really put together the same formula that made the first film so entertaining. Although mildly cute, slightly entertaining, and rather profitable, Shrek Forever After will more than likely help you understand why the franchise ended rather than reminisce about Shrek's previous adventures.....READ MORE CLICKING IN THE FOLLOWING LINK: www.onetooneperu.org - We always value your comments, specially from professional artists and animators, so pls do so here / Valoramos tus comentarios, especialmente de profesionales, por favor aqui!!

Greenlight Earth Day Film Festival

2011-04-15T15:04:00.001-07:00

Sixth Annual GREENLIGHT
Earth Day Film Festival
The GREENLIGHT Earth Day Film Festival is a celebration of Earth Day featuring film projects that explore environmental citizenship and show how individual actions can reduce environmental impacts. Films featured at the 2011 Festival will be produced by local artists, with an emphasis on student-produced films. Deadline for entries is March 2011, so get your camera rolling!

Entry Categories:
* Students grades 6-8
* Students grades 9-12
* Open (all others)

Top entries from each category will be shown at:
GREENLIGHT Earth Day Film Festival
Thursday, April 21, 2011
Cubberly Theater
4000 Middlefield Road
Palo Alto CA
Show starts at 7pm
* View photos and winning videos from the 2010 Festival
Festival Sponsors this year include:
* City of Palo Alto
* Media Center
* City of San Jose
* City of Sunnyvale
* City of Mountain View
* Palo Alto Weekly/ Palo Alto Online
Partners:
* CreaTV
* California Waste Solutions

CEO David Zaslav said Discovery Communications is looking at reinventing another one of its networks.

2011-04-11T15:25:00.001-07:00

NEW YORK – Discovery Communications is looking at rebranding Planet Green, its channel focused on environmental issues and green lifestyle, CEO David Zaslav said Friday.

The company feels it could do something different and “more meaningful” with the network, he said during an earnings conference call. He didn’t provide specifics or hints about a possible new direction. He also didn’t signal the likely timing of a change.

Planet Green launched in mid-2008 as a rebranding of the former Discovery Home Channel.

Zaslav and his team have driven ratings and advertising growth at Discovery Communications via several network relaunches and rebrandings. At the start of the year, Discovery Health became OWN: The Oprah Winfrey Network, and in October, the former Discovery Kids became The Hub, among others.

LA ANIMACIÓN EN LA INDIA ESTA CRECIENDO

2011-04-04T15:14:00.000-07:00

Hace casi diez años, la industria de la animación india era sólo un pequeño punto en el mercado de la animación mundial. Pero muchos expertos en ese entonces eran muy interesados en promover el? Marca la India? lema, una echada de ventas que en los próximos años sería garantizar un alto nivel en términos de calidad y experiencia. Sin embargo, en estos días casi todos los estudios de animación internacionales en el mundo hacen uso de personal indígena y las instalaciones o tener algún tipo de presencia en el subcontinente indio.

En comparación con el resto del mundo, la industria de la animación indio era inicialmente lo que la mayoría de los críticos llaman una? Finales de arranque?. En India, por un período muy largo de tiempo, la escena de la animación se consideró una propuesta muy caro, y algo que no llama la audiencia india. Además, con la constante evolución de la industria cinematográfica india de tomar el asiento delantero con respecto a temas como la piratería y control de calidad, la industria de la animación tuvo un segundo plano. No lo es? T que la animación era inexistente, sino que existía, pero era más bien primitivo. Satyajit Ray, fue tal vez el primer fabricante de película india a experimentar con la animación.

Actualmente vinculado a más de 15 millones de rupias, la animación y visual FX segmentos de la India han experimentado un aumento enorme en los últimos tres años. Teniendo en cuenta la velocidad a la que esta industria está creciendo en el país, nuestra nación necesitará probablemente más de 25.000 profesionales en el próximo año para cuidar de la industria. Hoy, sin embargo, la industria tiene un poco más de 15.000 profesionales que trabajan en esto? Tecno-creativo? sobre el terreno.

Pero esto no es motivo de alarma. Hay cientos de instituciones establecidas y en ciernes institutos que están surgiendo en todo el país que están proporcionando la educación de animación, y hoy en día, hay más de 100.000 estudiantes que están matriculados en estas animaciones, juegos y programas de VFX.

TALLER GRATUITO DE ANIMACIÓN PARA EDUCADORES

2011-03-29T18:08:00.000-07:00

Año del centenario del nacimineto de José Maria Arguedas

Las imágenes animadas son lo primero que vemos desde niños en la tv, la publicidad y en el Internet, pero tambien podemos ser realizadores de nuestras peliculas, y creemos que si dámos el conocimiento de hacer animación a los profesores, ellos pueden enseñar a sus estudiantes, y juntos pueden trabajar en proyectos, para producir sus propias historia animadas, sin importar una tecnologia complicada. Además pueden volverse habiles para enseñar a otros. El taller lo hacemos porque consideramos que el arte de la animación es un medio clave para la educación y tambien para conservar los conocimientos tradicionales. Queremos que los educadores conozcan más sobre este arte con el cual pueden promover el pensamiento critico al consumir tv, desarrollar la creatividad y la imaginación. Pienso que los estudiantes dispondran de una herramienta divertida a modo de juego o juguete.
El Taller Gratuito se realiza los sabados
Para este fin preparamos un taller y un sistema sencillo. Nos valemos de alternativas caseras y domesticas como el "flip-book" de otras técnicas, y de material reciclado. Usamos la tecnologia más simple. En el taller conversaremos sobre la importancia de la animación para la educación a traves de los dibujos o el stop motion.
Los materiales y las separatas tambien son gratis.
Las inscripciones en el siguiente correo electronico.Los esperamos !!!
mkt@onetooneperu.org One to One Escuela de Animación

ENGLISH
FREE ANIMATION WORKSHOP FOR EDUCATORS
Animated images are the first thing you see from kids on TV, advertising and the Internet, but also we can be producers in our movies, and we believe that if we give animation knowledge of teachers, they can teach their students and together they will work on projects to produce their own animated stories, regardless of a complicated technology. They can also get skills to teach others. We do this workshop because we believe that the art of animation means a key of education and also to preserve traditional knowledge. We want to know educators more about this art which can promote critical thinking by consuming tv, develop creativity and imagination. I think the students will have fun as a game or toy.
The workshop takes place on Saturday
we offer this workshop and prepare a simple system. We use domestic alternatives such as "flip-book" of other techniques and recycled materials. We use the simplest technology. The workshop discusse the importance of animation education through drawings or stop motion.
Materials and handouts are also free.
Register in the following e-mail :
mkt@onetooneperu.org One to One School of Animation

FRANÇAIS
Les images animées sont la première chose que vous voyez des enfants à la télévision, la publicité et l'Internet, mais nous pouvons également dêvenir des realisateurs de nos films, et je crois que si nous donnons la connaissance de l'animation aux enseignants, ils peuvent au meme temp enseigner à leurs élèves et tous ensemble travailler sur des projets pour produire leur propre histoire animée, indépendamment d'une technologie complexe. Ils peuvent également obtenir les compétences nécessaires pour enseigner aux autres. L'atelier gratuite que nous faisons ce parce que nous croyons que l'art de l'animation est un moyen essentiel pour l'éducation et outil aussi à préserver les connaissances traditionnelles. Nous voulons que les éducateurs en savoir plus sur cet art, ils peuvent promouvoir la pensée critique sur la télé, développer la créativité et l'imagination. Je pense que les étudiants auront un amusement comme un jeu ou un jouet.
L'atelier gratuit aura lieu le samedi
À cette fin, un atelier est préparer avec un système simple. Nous utilisons des materiaux et des alternatives domestiques.,"flip-book" d'autres techniques et des matériaux recyclés. Nous utilisons la technologie la plus simple. Dans l'atelier on vas examiner l'importance des dessins d'animation ou de stop motion pour l'éducation
Matériaux et documents sont également gratuites.
Info :
mkt@onetooneperu.org One to One Pérou Escuela de animación

Cancelación de estrenos y retirada de peliculas en Japón

2011-03-21T14:03:00.001-07:00

El tsunami de Japón también se deja sentir en Hollywood

Cancelación de estrenos, retrasos, retirada de películas de los cines... los efectos del devastador terremoto que ha asolado Japón, y sus terribles consecuencias que aún están por ver, preocupan y mucho en Hollywood.
Amén de las múltiples condolencias muestras de solidaridad con el país nipón que prácticamente la totalidad de estrellas del Olimpo hollywoodiense han expresado por una u otra vía durante estos días, las productoras están en estado de alerta. No en vano Japón es el país en el que más dinero amasan los estudios estadounidenses dentro del mercado internacional.

El pasado año la taquilla de las producciones hollywoodienses en el país asiático ascendió hasta los 2.500 millones de dólares, según los datos del Box Office, muy por delante del siguiente en la lista, Francia, que no supera los 1.800 millones de dólares. No se trata de un mercado más para la meca del cine, ya que representa el 10% de los ingresos de Hollywood fuera de Estados Unidos.
El impacto del terremoto de Japón, el tsunami y actual crisis nuclear se puede dejar sentir en Hollywood durante meses y lleva a los estudios y distribuidoras a rediseñar sus calendarios de lanzamiento para minimizar, en la medida de lo posible, los efectos del inevitable descenso en picado de espectadores.
Craig Dehmel, vicepresidente de ventas y planificación estratégica de Fox, estima que 110 teatros en el área de Tokio y el norte de Japón -el 16 por ciento del total- permanecen cerradas por la falta de energía. En total, hay 3.000 pantallas en Japón.

De momento, el pasado fin de semana una superproducción de animación, Enredados, un género que suele arrasar en el mercado asiático, ya ha notado su efecto. La recaudación de Las Crónicas de Narnia: La Travesía del Viajero del Alba de desplomó un 66,2% y El discurso del Rey, la gran triunfadora de los Oscar, cayó aún más, un 72,5%.

Promoviendo el arte de la animación

2011-03-18T15:33:00.000-07:00

Promoviendo el arte de la animación Hablando de Perú, “el país de todas las sangres” (como lo llamó José María Arguedas) diré está lleno de temas, historias, personajes, etc. Además de una abundante producción literaria, tiene una cultura viva, e historia ancestral, Aqui existen pueblos con diferentes lenguas y dialectos, hay una rica fauna y flora, Un prolífico arte popular, como la danza, la artesanía, y muchas cosas más que el mundo debe conocer. Pero para contar historias haciendo películas, el factor económico muchas veces es un obstáculo , por eso damos un ejemplo, de una forma de "película", simple, fácil, económico, ideal para las personas de la costa sierra y selva de Perú. Por eso sugiero queuno de los medios más accesibles es el flip book o la mini-animación* sobre el cual hablamos ahora y damos un ejemplo (*usemos por ahora este termino).

Aqui los artes usados. Puedes ver la animación "mini combate naval"clic en la siguiente dirección: www.onetooneperu.org

Flip book o mini-animación, año 2009 Alguien me dijo "esto es sólo un juguetito" puede serlo y me gusto el calificativo. Un juguete divertido con la ventaja que es muy sencillo de fabricar y simple, con cero costo, al alcance de todos. Este clic fuè hecho en el año 2009 y tiene un fin educativo. Realizado en un tiempo muy corto, en papel reciclable de diario o "bulky" làpices de color. Son en total 160 dibujos sobre papelitos de 7cm x 5 cm, Se animo en un sòlo plano, es decir el escenario (fondo) con todos las figuras en el mismo papel, paso a paso. Esto es un buen ejercicio para desarrollar una idea del timming". Ningun dibujo es igual al otro, asi la velocidad de movimiento de cada elemento es diferente. Tenemos en la escuela varios de estos clics unos más complicados que otros, hechos por nosotros y por los estudiantes..

Grabar Registrar Primero use la camara de video de un telefono celular para registrarlos haciendo flip!! con el pulgar. La version grabada fuè escanear cada dibujito y subirlos en flash.

Nuestra escuela Un pintor necesita practicar y necesita experimentar mucho, no preocuparse con la materia que es el bastidor, la pintura, etc. Esto es muy importante para que se desarrolle en su arte, pero sería muy difícil para él si está obligado en gastar dinero en herramientas importadas, escasas, caras o cursos y materiales caros. Si la pintura es dificil de conseguir, cara y poca no podrá evolucionar artísticamente o trabajar con libertad y menos avanzar hacia el encuentro de un estilo personal,.

La misión de nuestra escuela es difundir y promover el arte de la animación en el Perù, dejando de lado lo puramente comercial queremos educar, motivar y promover. Vamos a las personas que trabajan con sus manos y su mente, a los artistas, profesores de educación secundaria o primaria, dibujantes y diseñadores, etc, buscamos preparar realizadores independientes dándoles la base solida como son los conocimiento académico de la cinematografía y el arte. Queremos llegar a la mayor cantidad de personas interesados en dibujar, contar historias,el comic, pintura, escultura, diseño, etc. dibuje o no. Creemos en la libertad para crear y comunicar. La formula para nosotros es aprender haciendo. Vista nuestra web :www.onetooneperu.org

Rafael Seminario Coello

CONSECUENCIAS TERREMOTO JAPÓN

2011-03-18T09:37:00.000-07:00

Luego del Desastre

Fué uno de los terremotos más grandes y feroces jamás registrados: 9,1 seguido durante horas por más de 60 réplicas, muchas de ellas con una magnitud de 6.0. Luego llego el maremoto y azotaria al Japón barriendo personas, vehículos y viviendas. Se sabe poco de los daños a la central atomica de Fukushima con 4 reactores (pese al sacrificio de 50 heroicos trabajadores expuestos a la fuerte radiación, aun sigue fuera de control). Los informes poco claros del Gobierno, las explosiones y liberación de radiación a la atmosfera y al mar, la inusual plegaria y mensaje publico del emperador japones, está creando desconfianza y un exodo de miles de personas de ciudades como Tokio que huyen hacia el sur, por temor a la exposición al alto nivel de radiación. Expertos de paises como Rusia advirtierón pque la nube radiactiva podria llegar a las costas de California, o de acuerdo a los vientos al este y sur-este de Asia. Sin embargo creo que lo más importante para garantizar la seguridad de los ciudadanos es mantenerlos bien informados.
Mientras, la operadora de la central nuclear ya habla de construir un sarcofago" a la Chernobyl" (cuya lluvia radioactiva cubrió una distancia de 2.000 kilómetros en cuestión de días. Alcanzó la costa norte de Suecia y, tras un tiempo, llegó a contaminar todos los paises partiendo de Ucrania hasta también Francia, la Gran Bretaña e Irlanda). Los llamados "isótopos" suben a la atmósfera formando nubes radioactivas y del viento depende cuán lejos pueden llegar antes de que se conviertan y caigan como lluvias tóxicas. Quemaduras en la piel y, a largo plazo la posibilidad de tener cáncer, es lo que amenaza a las personas expuestas a las lluvias tóxicas.
En una información de internet Elio Brailovski, un ecologista. dijo:

“Ya dijerón que liberaron la radiactividad al exterior, con lo cual vamos a tener un aumento significativo en los casos de cáncer, depende de para qué lado vaya el viento. Y, probablemente, con esto del enfriamiento con agua marina, quizá haya materiales radiactivos que vayan al mar. En un país, cuya dieta está basada en el pescado, esto es extremadamente grave”

Hay que tomar en cuenta que la difrerencia de la central nuclear de Chernobyl con las cuatro centrales niponas es que estan dotadas de "mox" que es una mezcla de plutonio con uranio que en su momento se dío aviso es dificil de operar y muy peligroso. Pese a la evidencia de la amenaza que representa esta tecnologia para producir energia electrica( en japon la electricidad es carisisma) algunos dirigentes de empresas que fabrican centrales nucleares han dicho que no hay peligro y que se debe continuar construyendolas en todo el mundo, a la vez atacando a la tecnologia de energia alternativa como puede ser el uso de mareas, energia solar, calorica subterranea y molinos, etc. Cuando se habla de estos grandes negocios no importan el medio ambiente ni las personas, porque estan de por medio la avaricia y la codicia personal y corporativa, así que tambien se puede hablar de "sacrificables", "colaterales". En sudamerica tampoco se esta libre de una amenaza como tal, algunos paises deberian reconsiderar lproyectos de construcción de centrales nucleares o ceder espacios en su suelo para usarlos como un basurero nuclear.
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Segun informes de los medios nacionales indican que el número de muertos en Japón podria ser superior a 15 mil, en la mayoría de los casos por causa de ahogo, por el Tsunami de más de 10 metros

ONE TO ONE INTERNATIONAL SIEMPRE INNOVANDO LA ESCUELA DE IDIOMAS

2011-03-07T08:28:00.000-08:00

WWW.ONETOONEPERU.ORG

La página web de One to One International está actualizandose día a día entre sus novedades tenemos lo siguiente:

1. Para sus cursos Online INGLES FRANCÉS Y SPANISH, ahora los alumnos contarán con un aula virtual en donde podrán tomar clases, revisar apuntes y tareas.

2. Clases Online Gratuitas de Francés, abierto para todo el público que desee aprender el idioma

3. Seguimos adelante como especialistas en clases ONE TO ONE (Persona a Persona) con profesor en vivo - no grabaciones- con una metodología conversacional, con nuestra larga experiencia en clases personales con estudiantes en todas partes del mundo.

4. Continuamos promoviendo la práctica de la animación. Entre nuestras actividades esta la animación de la semana, promocionando los trabajos de nuestros alumnos y publico en general, enviar a (mkt@onetooneperu.org)

5. Servicio a la comunidad, podrás informarte sobre nuestros talleres gratuitos en animación - comics para profesores y escuela, como también idiomas.

PRONTO

* Estarás informado de toda la movida cultural por medio de nuestra AGENDA CULTURAL, un espacio para la difusión de cuentos y actividades en el Perú y el extranjero
* Podrás bajar materiales gratuitos, de nuestra BIBLIOTECA, sobre idiomas, arte, animación y mucho más, que te servirán para enriquecer tus conocimientos.
* Radio Quipus, estamos ultimando detalles de nustra RADIO ONLINE, en donde podrás escuchar música peruana, internacional, entrevistas y temas culturales, etc.

ASI ES ONE TO ONE INTERNATIONAL SIEMPRE INNOVANDO PARA DARTE MUCHO MÁS

Entra aqui

http://www.onetooneperu.org/

La compañía cinematográfica DreamWorks Animation acusada de plagio por su película "Kung Fu Panda"

2011-03-01T14:08:00.001-08:00

LOS ANGELES, ESTADOS UNIDOS El estudio DreamWorks Animation, creador de la saga "Shrek", fue acusado nuevamente de plagio por la realización de su exitoso filme "Kung Fu Panda", que recaudó más de 600 millones de dólares en taquilla en 2008, informó hoy The Hollywood Reporter.

Un ilustrador llamado Jayme Gordon denunció a la compañía cinematográfica esta semana en un Tribunal Federal en Massachusetts, donde alegó que DreamWorks tomó como referencia sus dibujos para dar vida al proyecto del oso obsesionado con las artes marciales.

Gordon asegura que esa empresa usó una de sus obras titulada "Kung Fu Panda Power" infringiendo las leyes de derechos de autor.

En su escrito de denuncia, Gordon afirmó que DreamWorks tomó no solo el nombre de su trabajo para la película, también señaló que los personajes que aparecen en el filme son muy parecidos a los que ilustró y registró bajo la ley de "copyright" en el año 2000.

Según la versión del denunciante, el presidente y fundador de DreamWorks, Jeffrey Katzenberg, entró en contacto por primera vez con su obra cuando era ejecutivo de Disney a finales de los años 80 y principios de los 90.

Gordon envió su material a esa compañía con la esperanza de alcanzar algún acuerdo con Disney y se llegó a reunir con el entonces presidente de la empresa Michael Eisner, para quien trabajaba Katzenberg.

En 1994, Katzenberg abandonó Disney y lanzó DreamWorks, donde Gordon envió su trabajo a finales de los 90, aunque las ilustraciones no interesaron a la compañía que las rechazó con acuse de recibo.

Gordon pide ahora que le reconozcan como uno de los autores de "Kung Fu Panda" y le den el dinero que le correspondería en tal caso por los ingresos generados.

DreamWorks está finalizando la secuela de "Kung Fu Panda", que está previsto que se estrene en mayo en Estados Unidos.

La compañía de animación tiene abierto otro proceso judicial en torno a esta película.

Se trata de la denuncia interpuesta por el guionista Terence Dunn, quien aseguró que presentó a DreamWorks la historia de un "oso panda luchador y espiritual" en 2001.

PRIMERA CONVOCATORIA PARA PRACTICAS PRE PROFESIONALES FULL TIME & PART TIME ONE TO ONE INTERNATIONAL

2011-02-25T11:24:00.001-08:00

Practicante de Publicidad – Marketing - Relaciones Publicas
Se solicita persona responsable, joven, honorables, dinámicos, desenvueltos y con Facilidad de palabra, llegada al cliente, convencimiento y consolidación; que tengan estudios de marketing, relaciones públicas, publicidad o carreras afines para que ocupen el puesto de relacionistas públicas. Horario de trabajo (Lunes a Viernes 10am – 6pm)

Requisitos:
* Estudios o conocimientos en Relaciones Publicas, promociones, entrevistas, publicidad, estrategias de marketing, ventas directas, etc
* Buen manejo de marketing por internet, posting y publicidad
*Conocimiento del idioma Ingles o francés intermedio
* Solo vivir cerca a San Borja

• Localidad: San Borja
• Departamento: Lima
• Salario: 600
• Comienzo: Inmediato
• Duración: indeterminada
• Tipo de trabajo: Tiempo Completo
• Solicitudes: favor enviar c/v vía email
• Empresa: One to One International
• Contacto: Cynthia M.
• Correo-E: mkt@onetooneperu.org

Practicante de Periodismo – Redacción - Literatura
Se solicita persona con estilo y habilidad para crear artículos, historias, ensayos, crónicas, poesías de interés común. Honesta, innovadora, para cumplir fechas límites, que le guste leer, conocer, investigar, con buen bagaje cultural. Para revista Digital. Horario de trabajo (Lunes a Viernes 10am – 3pm)

Requisitos:
* Necesario conocimientos en indesign, photoshop, facebook, posting por internet, google,etc
* Tipeo rápido
*Conocimiento del idioma Ingles o francés intermedio
* Solo vivir cerca a San Borja

• Localidad: San Borja
• Departamento: Lima
• Salario: 350
• Comienzo: Inmediato
• Duración: indeterminada
• Tipo de trabajo: Medio Tiempo
• Solicitudes: favor enviar c/v vía email
• Empresa: One to One International
• Contacto: Cynthia M.
• Correo-E: mkt@onetooneperu.org

Practicante de Arte – Dibujo - Animación - Diseño
Se solicita persona con habilidad para el dibujo, buen trazo, creatividad, dibujo a mano alzada, buen manejo de flash, que quiera ser carrera en animación, arte, comics, que le guste redactar y crear cuentos, historias…. Honesta, innovadora, rápida, muy paciente, creativa Horario de Trabajo (Lunes a Viernes 10am – 3pm)

Requisitos:
* Deseable conocimientos en photoshop, facebook, internet, google, etc
* Solo vivir cerca a San Borja

• Localidad: San Borja
• Departamento: Lima
• Salario: 300
• Comienzo: Inmediato
• Duración: indeterminada
• Tipo de trabajo: Medio Tiempo
• Solicitudes: favor enviar c/v vía email
• Empresa: One to One International
• Contacto: Cynthia M.
• Correo-E: mkt@onetooneperu.org

Si estas interesado, enviar desde hoy hasta Mayo sus CVs a: mkt@onetooneperu.org
Academic Coordinator

"DEL COMIC A LA ANIMACION 2DA PARTE"

2010-12-02T11:25:00.000-08:00

Hayao Miyazaki: El Walt Disney Japonés

Muy pocos han de ser los que no han oído su nombre. Y casi inexistentes los que no hayan visto a l menos una de sus películas. Pero, ¿Por qué le dicen el Walt Disney Japonés? Yo diría que eso más bien es una depreciación de su trbajo. Ya quisiera Walt Disney ser él… ¿Qué es lo que hace tan increíble a este hombre? Simple o quizás no. Con él nunca lo ha sido ni lo será, un claro ejemplo son sus trabajos en animación. Pero bueno, empezaré contándoles que Miyazaki es actualmente dueño y fundador de Estudio Ghibli, un estudio de animación que se empeña en resaltar y evolucionar el estilo de animación tradicional asegurándose de captar cada detalle, expresar cada color y pensamiento de tal forma que el espectador quede tanto abrumado como asombrado por como puede en tan sólo segundos de animación encontrar una increíble variedad de objetos, personas, formas y colores que una persona no notaría en su entorno pero sin embargo existen, y son resaltados en todos y cada uno de ellos en los proyectos de este estudio. Tal y como Miyazaki gusta de hacer en todos los proyectos que trabaja.

Como la mayoría de profesionales en este ámbito, comenzó dibujando, claro que dibujar bien no es suficiente, fueron su detallismo, gran imaginación y creatividad para sus ilustraciones que lo hicieron llegar a trabajar como animador en la TOEI (estudio de animación, fundando en 1948 como “Filmes Animados de Japón”), encargándose de realizar los dibujos entre acciones (Por ejemplo, le daban el dibujo de un personaje en una esquina y luego entrando a un edificio, y su deber era hacer los dibujos necesarios para desarrollar a la perfección la caminata de un lado a otro). Años después dirigió la serie de TV llamada “Conan, el niño del futuro” y su primera película “Lupin III: El castillo de Cagliostro”, ambos en diferentes estudios. Finalmente, en 1984 se estrenó “Nausica del Valle del Viento”, creación enteramente suya (comenzando como un trabajo de manga –comic–). Y fue tal el éxito de esta película que llegó a abrir su propio estudio, conocido como “STUDIO GHIBLI” el cual sigue obviamente los ideales de Miyazaki con respecto a la animación tradicional, ya que al ser un poco averso a la tecnología, no gusta de la interferencia de la animación digital pese a que muchas de sus obras han requerido intervención de la misma. Es qui zás una de las razones por las que también le dicen “El samurai que enfrentó a Pixar con un lápiz”.

Hablemos de “El Viaje de Chihiro” 2001

La historia nos habla de una típica niña de 10 que acaba de mudarse. En el camino, sus padres se topan con un túnel, el cual los lleva un mundo diferente, donde prueban una comida que los convierte en cerdos. Chihiro, desorientada y asustada por lo que le pasó a sus padres encuentra a otro niño llamado Haku, residente de ese mundo, quien la apoya de diferentes formas para ella pueda sobrevivir y a la vez encontrar la forma de regresar a sus padres a la normalidad. Toda esta trama llevada a un entorno más “realista” nos habla sobre la transición de una niña (o niño, el género es lo de menos) a una joven más independiente, madura, que pasa diferentes pruebas y desafíos que sólo logra pasar gracias a su coraje y corazón puro.

Con respecto a la animación, he de decir que una de las partes que más disfruté en la película fue cuando Chihiro, siguiendo la guía de Haku, va en busca de trabajo para no ser convertida en cerdo. El camino, la arquitectura del lugar y diseño de los personajes son bastante entretenidos. Hay tantas cosas que ver, todas tan inimaginables que al ver la película tienes casi la misma sensación de estar soñando. Es tan mágico como la temática de las películas de Miyazaki. Mi escena favorita es cuando Haku y Chihiro van en caída libre desde una inmensa altura. Las gotas de las lágrimas de Chihiro son tan grandes que golpean al pequeño animalito que la acompañaba y lucha por recuperar el equilibrio, el movimiento de cabello y el brillo de sus ojos, todo esto acompañado claro de una excelente banda sonora. Algo curioso que cabe mencionar, y leí no hace mucho, es sobe la lámpara saltarina que guía chihiro en cierto punto de la película. Se dice que Miyazaki la incluyó en homenaje a John Lasseter, que a través de Pixar ha apoyado al estudio Ghibli varias veces. El Viaje de Chihiro recibió numerosos premios, como el Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín, pero es importante resaltar que fue la primera película de animación tradicional en obtener el Oscar, superando a películas como “La Era de hielo”, “Lilo y Stich”, “Spirit” y “El Planeta del Tesoro” (Aunque viéndolo bien, tenía todas las de ganar).

Walt Kelly (1913 – 1973)

Walter Crawford Kelly Jr. o Walt Kelly conocido por su tira cómica “Pogo” ha sido inspiración para artistas como Charles Schulz (Autor de Charlie Brown). Su interesante estilo en los bocados (nubes de diálogo) es una de las cosas que mejor lo caracteriza, los cuales dan muestra de la personalidad del personaje no sólo en su forma, sino el tipo de letra usado (por ejemplo, un personaje político utiliza un bocado en forma de pancarta con letras llamativas). Este autor tuvo diversos empleos antes desarrollarse en su profesión, los cuales le crearon un buen currículum de periodista, otra de sus pasiones, lo que lo llevó hasta el Brigeport Post (Conneticut Post actualmente), como reportero de sucesos. Realizó también trabajos de ilustrador. Aun sin mucha experiencia, decidió como muchos historietistas incursionarse en la animación. Fue así como terminó en los estudios Disney en 1935, creando storyboards y chistes rápidos para el Pato Donald, sin embargo no entró al departamento de animación sino hasta solicitarlo, y allí se hizo muy amigo del gran animador Fred Moore y Ward Kimball, uno de los Nueve Ancianos de Disney (llamados así por ser los pioneros en animación en Walt Disney).

Pero aun cuando participó en proyectos como Dumbo, Pinocho o Fantasía, nunca se alejó del mundo del comic que tanto le gustaba, que para él era algo más personal, puesto que en estudios Disney, los trabajo de animación eran siempre realizados en grandes grupos (tomando en cuenta lo que tenían que producir, es entendible). En 1941 hubo una huelga de animadores, en la cual algunos dicen que tomó parte, otros que simplemente se excusó como enfermo tanto para no ir a trabajar como para no asistir a la huelga, puesto que no quería ponerse del lado de nadie. En ese momento aprovechó para regresar al comic y alejarse un poco de la animación. Fue entonces que terminó trabajando en Publicaciones Dell, donde entre diferentes obras (algunas adaptaciones de dibujos de Disney) surgió su famoso “Pogo” que poco a poco comenzó a influenciarse por las técnicas que había aprendido en Disney. Siguió con este comic hasta su muerte, y aun así perduró gracias al esfuerzo de su esposa y dos hijos. La apreciación de Walt sobre la animación me dejó pensado, lo que él buscaba es un arte más personal y es cierto que en Disney era necesario trabajar la animación en grupo para producir más. Pero yo creo que la animación así como el cómic puede llegar a ser algo muy personal, puesto que cada uno tiene un estilo diferente de hacer las cosas, y así como el estilo de diagramación de viñetas o bocados no es igual en el comic, el estilo de animación y enfoque de los puntos de vista puede llegar a ser bastante variado. Por último, en lo que es comic también se da el trabajo en equipo, como se dio para “Sambre” un comic francés en el cual Yslaire y Balac participaron hasta el tomo 2.

Kelly tuvo a diferencia de McCay, la oportunidad de participar en un estudio de animación, sin embargo McCay estuvo más dispuesto a la animación que el señor Walt Kelly. Si lo que te gusta es el comic, debes seguir adelante con ello y si por el otro lado, la animación te es más atractiva, siempre puedes juntar tus materiales de dibujo y comenzar.....¿Quién necesita un gran estudio de animación para aprender? Ahora que tenemos el internet y la televisión, podemos ver no sólo ejemplos de buenas animaciones en diferentes países sino también el cómo se realizó. Las herramientas necesarias están al alcance de todos. ¡¡El hacerlo depende de ti!!

FROM COMICS TO ANIMATION, 2ND PART

Hayao Miyazaki: The Japanese Walt Disney
Very few people have heard his name, even less haven`t had the chance to see one of his movies, but, why is he called the Japanese Walt Disney? I’d say that’s underestimating his work, I bet Disney would love to be him…What makes this man so great? It’s pretty simple…or maybe not. With him you will never know, a very good example are his well known animation work. He‘s currently owner and founder of Ghibli Animation Studio that enhances and evolves from traditional animation capturing every detail, expressing every color and thought in such manner that the viewer is blown away just in seconds in his movies, where you can see an amazing variety of objects, people, shapes and colors moving and performing which a normal person wouldn’t notice, but nonetheless all his projects are surpassing quality and creativity, to agree with me, just check one of his shorts.

As most professionals in this field, he started drawing, but the thought that wasn`t enough to express his ways, details, imagination and creativity so later, he worked as an animator in TOEI Animation studio in 1948, learning to draw in-betweens. Years later he directed a TV series in Japan called “Conan, the boy from the future” and made his first movie “Lupin III: The Castle of Cagliostro”, both in different studios. Finally in 1984 he made “Nausica of the Wind Valley” a short created entirely by him (A mix of Manga, comics and his style). It was a success that Miyazaki got all Japan`s animation studios open to work, but he preferred to found his own, “STUDIO GHIBLI” which obviously follows his ideals concerning Traditional Animation, specializing in not using 2D & 3D technology, he doesn’t want Digital Animation interfering with his creations. That’s maybe one of the main reasons people call him “The Samurai who cut Pixar with a Pencil”.

Let’s talk about the movie “Spirited Away” 2001
This story shows us a normal 10 year old girl who just moved away from her house. In the road, her parents find a tunnel that leads them to a different world, where they try food and become pigs. Chihiro, lost and scared because of what happened to her parents, find another boy named Haku, resident of this world who supports her in different ways, so she can survive and find the way to get her parents. All this plot taken to a more “Realistic” setting tells us about the transition from a girl (or boy) to a more independent and mature young life who passes trough challenges and difficulties to surpass thanks to her courage and pure heart.

As for Animation, I must say one of the scenes I enjoyed the most was when Chihiro following Haku’s guide goes to look for a job so she won`t be turned into a pig. In the way, the surrounding and decorations of the place and character`s designs are pretty entertaining. There are so many things to see, all so unreal that when you’re watching the movie you feel like you’re dreaming. It’s very magical as all Miyazaki’s movies. My favorite scene is when Haku and Chihiro are falling from the sky, tears of Chihiro are so big that they hit little animals that accompanied her, who keep struggling to gain balance, her hair movement, the shine on their eyes, all accompanied of course by an excellent soundtrack. Something curious to mention, that I read not too long ago that a jumping lamp guides Chihiro in a certain point of the movie. It’s said that Miyazaki included it as a tribute to John Lasseter, who has supported his studio many times through Pixar. If you want to see this movie, here`s the link: (http://www.youtube.com/watch?v=nstSUICWVPo)*

Spirited Away has received many awards, like The Golden Bear in Berlin International Film Festival, but it’s important to note that it was the first Traditional Animation movie wining an Oscar beating “The Ice Age”, “Lilo and Stich”, “Spirit” & “Treasure Planet” (Although thinking it through, it had all the chances to win for its peculiarity and excellency)

Walt Kelly (1913 – 1973)
Walter Crawford Kelly Jr. or Walt Kelly, known for his comic strip “Pogo” has been an inspiration for artists like Charles Schulz (Charlie Brown`s author). His interesting style in dialogue clouds is what pops up in his comics since they show us the character’s personality not only with their shape, but also with the font used for the dialogue (for example, a politician uses a dialogue cloud shaped like a banner with flashy letters). Walter had various jobs before he developed his profession as a great Journalist, another of his passions which led him to the Bridgeport Post (Conneticut Post nowadays), as an event Reporter and Illustrator. Even though he didn’t have much experience, he decided like many cartoonists to get into the Animation world. That was how he ended up in the Disney Studio in 1935 making storyboards and gags for the Donald duck, however he didn’t join the animation area until he requested it. Then is when he became friends with the great animators like Fred Moore & Ward Kimball, one of the Nine Old Man of Disney (Pioneers in Animation).

But even when he participated in projects like Dumbo, Pinoccio or Fantasia, he never got too far from the Comic world he loved, for him was something more personal since in Disney studio Animation was always done with a large groups of people (Seeing the quantity of frames they needed to produce, it’s understandable). In 1941 he was part of an animator’s strike, so he took that chance to get back to comics and separate himself a little from animations. It was then when he ended up working in Dell publishing, where among different works (including some adaptations from Disney cartoons) his famous “Pogo” came to life, little by little getting some influence from what he had learnt, he kept drawing this comic until his death, and even so it lasted thanks to the effort of his wife and two kids.

The appreciation of Walt on animation kept me thinking, what he was looking for was a more personal expression and it’s true that in Disney it was necessary to draw animation in groups to produce more. But I think Animation and Comic can be something very personal, since everyone has a different style of doing things, and just like dialogue clouds or panels are different in comic, the style of animation and focus in points of view can be very diverse. Lastly, in the comic world you can also find team work like in “Sambre” a French comic where Yslaire and Balac participate until volume

Kelly was different than McCay, however their jobs in animation studios made him more resemble than Walt Kelly. If what you like is comics, then go ahead and do it, on the other hand if animation is more appealing to you, then you can always gather your materials and start. Who need a big animation studio to learn? Now that we have internet and TV, we can watch not only examples of good animations in different countries but also how they were made, necessary tools that everyone can easily grasp. Doing it or not it’s entirely up to you!!

"DE LA HISTORIETA AL DIBUJO ANIMADO" "FROM COMIC TO CARTOONS"

2010-10-22T08:09:00.000-07:00

(ENGLISH VERSION)

FROM COMIC TO CARTOONS, !!.....Today we`ll talk about how animations and comics merge to bring up cartoons. Animation implies a sequence of drawings or images that lead us to a visual movement effect, however there are different forms of animation, most of us have grown up watching one type of it, cartoons on TV, so we have an idea, even without a near TV, we might have seen it in a friend’s comic book or school notebook where he/she drew a funny character moving all around when flipping the pages during math class. A COMIC ARTIST is in constant training to PERFECTION, he/she has accomplished a PERSONAL CONCEPT of the essential elements for a narrative story to base its plots, arguments, comics visually shaped from beginning to end in his/her mind before creating characters, dramatic situations, dialogues and sceneries filled with imagination and fantasy. In one word, this person is a potential Director or a Creative!!

After Animation appeared, comic artists were fascinated with these drawings combined with visual elements, graphics and panel by panel creating magically an entertaining story. Nonetheless, at some point this wasn’t enough, even though people love comic, creators want more, a possibility to venture in other fields, that`s how they started merging it with animation or cartoons. If we analyze a comic book, we can notice that in a way they`re similar to a storyboard use in animation. Imagine a comic page, now each frame will be the same size, overlapping with even more drawings per every movement…that`s how it`s born a cartoon, right? The distance between both ways is as short, like father and son or like your best friend and his girlfriend!

Even nowadays, there are many TV cartoons which started as your favorite store comics, later they brought up to the film industry merged with animations, some classic examples are “Batman”, “Spiderman”, “Betty Boop”, etc so you get it now, how all is related and how is you`re already a comic artist, you also have already a potential for been a Cartoonist and Animator!!...All you need is an idea and translate it into a drawing - storyboard; it’s totally up to you whether you want it a comic, a cartoon or even an animation. In conclusion, an animated movie from Disney is the same as any comic book, it needs the same elements to tell a story to the audience, so every Disney`s Animator first know how to be a comic artist, a painter or a cartoonist before!!

WINDSOR McCAY, a Comic Artist & Animator: Born in 1867 (Canadian or American), ever since childhood he became very interested in art and drawing, at the age of 13, he already showed great talent and skill, however, his father registered him in business course, so his son would have a vision of what`s a “True Business”. Of course this didn’t made McCay quit drawing, he even got a part-time job painting portraits, when his abilities of observing and remembering details came very handy, however he was in constant search for improving, led him to be an Art Teacher. Later he married, had 2 kids, worked teaching, painting signs, ending up doing Ink-Drawings for magazines and newspapers. One of his works was very close to animation, when he drew a 6 panels galloping horse with a precision very similar to a frame by frame picture.

It was 1905 when his comic book, “Little Nemo in Slumberland” launched becoming instantly a hit for its excellent use of panels, colors, story and fantasy making Lewis Carrol film animation “Wonderland” looked simplistic. During his peak, he decided to venture in film animation, he talked to his colleagues, he was judged as absurd since he wasn`t a professional animator, he had only working in comics and cartoons, so he bet that he could make 4,000 drawings of Little Nemo for an animated film, and his colleagues accepted the challenge. So he was armed with liters of ink, pounds of paper, and his loyal ink pen, and without further complications, he created 4,000 drawings to bring to life his project, as he said, “Perseverance and lots of ink and paper will do”. Then, he decided to work on the comic and animated film simultaneously, “How a Mosquito operates” which required around 6,000 drawings, his traditional methods inspired his incredulous friends from Disney to copy later on. In 1914 “Gertie the Dinosaur” launched, his first animated film shot from sketch-book directly to a camera with McCay even appearing talking to Gertie in some moments, I believe there’s no need to mention that it received very good critiques and compliments for animation and movie studios by that time.

So your question by now must be, how did he accomplish all, if he was just a comic artist?...He had no training or previous knowledge like many professionals already working in this field or studios like Disney or Pixar, however he got something that no even some of them have, a natural talent, a desire to draw, which is enough to make a good animated film, cartoon or comic book. One doesn`t need more than a pencil or a pen, paper to transform one`s ideas into drawings, then to storyboards, scenes, characters, dialogues, arguments, frames, etc like McCay did, that`s why he was a man ahead of his time, with a great passion for drawing…He proved that “If you want it, you can deliver”….and this is for all professionals, creative people, talented youths, comic artists, animators, cartoonists, art students, etc…..What are you waiting for, follow his example, follow your passion, follow your talent!!

DE LA HISTORIETA AL DIBUJO ANIMADO!!

Hoy nos centraremos en como la animación y la historieta o cómic pueden unirse para darnos dibujos animados. La animación implica una secuencia de dibujos o imágenes que nos lleven a un efecto visual de movimiento, pero no olvidarque hay diferentes tipos de animación. Y hablando de animación la mayoría hemos crecido viendo dibujos animados por eso todos tenemos una idea de esta, aun sin tener un televisor a la mano, quizás hayamos podido apreciarla en la esquina de un cuaderno de un amigo, que dibujó a un muñequito moviendose cuando hacia pasar las hojas ayudado de su pulgar durante la clase de matemáticas. UN DIBUJANTE DE COMIC ESTA en constante entrenamiento o PERFECTAMENTE ENTRENADO y tiene un logrado CONCEPTO PERSONAL de los elementos indispensables para narrar una historia, porque sus comics se basan en tramas, argumentos, que los realiza visualmente del inicio a final, creando los personajes, las situaciones dramaticas, los parlamentos y las escenografias; además llenas de su imaginación y fantasía. En una palabra es un director y conceptor en potencia.

Luego de la aparición de la animación la gente de historieta, quedó maravillada porque estos dibujos combinaban elementos visuales, gráficos y literarios panel por panel que se desencadenaban en una entretenida historia. Sin embargo en cierto punto esto ya no es suficiente. Aun cuando muchos amen el medio del cómic, a final los creadores quieren más porque tienen la posibilidad de incursionar en la animación o el dibujo animado.

Si analizamos la historieta, podemos darnos cuenta que es en cierta forma, parecida a los esquemas de acción que se usan para cualquier proyecto animado. Imagina una página te tu historieta. Ahora, si todos los cuadros fueran del mismo tamaño, se superpusieran y hubiera algunos dibujos más para que cada detalle de movimiento salga...tendríamos un dibujo animado ¿Verdad? La cercanía entre ambos estilos es tan corta como la de dos primos-hermanos... ¿Quizás padre e hijo?

Aun hoy en día, hay muchos dibujos animados que comienzan como comics y son luego llevados a la animación e incluso, la pantalla grande. Clásicos ejemplos de esto son “Batman”, “Spiderman”, “Betty Boop” debe traerles recuerdos. Basta con tener la idea y plasmarla en dibujos, claro que depende de ti cuando tu historieta o evolucionarla a un dibujo animado. En conclusión, una película animada de Disney Lo mismo que una historieta, necesita de los mismos elementos para contar una historia. (Todos los animadores de disney primeroduerón historietistas, pintores e ilustradores).

PARTE SOBRE: Windsor McCay un ejemplo del historietista que se convierte en animador

Nacido en el año 1867 (Algunos dicen en Canadá, otros en USA), desde muy joven se vio interesado en el arte del dibujo y no sólo eso, demostraba ya a los 13 años tener un talento y habilidad que hubiera podido despertar fácilmente la envidia de artistas mucho más experimentados. Sin embargo, su padre lo inscribió en la escuela de negocios, para que así su hijo tuviera una visión de lo que era el “verdadero negocio”. Claro que esto no hizo que McCay dejara el dibujo, pues incluso se consiguió un trabajo dibujando retratos, momento en el cual le sirvió bastante el modo en el que observaba y recordaba a perfección los detalles. Pero, así como cualquier profesional que ama lo que hace, buscaba constantemente la mejora, lo que lo llevó a un profesor cuyo fuerte era la perspectiva. Sin lugar a duda, sus trabajos nos demuestran que era un excelente alumno.

A lo largo de su vida se llegó a casar, tuvo dos hijos, trabajó pintando señales, para luego terminar haciendo dibujos en tinta para periódicos y revistas. Uno de sus trabajos se acercó mucho a la animación al dibujar seis paneles de un caballo galopando, con una precisión muy similar a la de las fotos cuadro por cuadro. Fue en 1905 que su comic “Little Nemo in Slumberland”, “El Pequeño Nemo en la Tierra del Sueño”, traducido literalmente debutó, causado sensación con el excelente uso y manejo de paneles, colores, historia y fantasía que dejaba corto a Lewis Carrol con su libro “Wonderland”.

Justo durante el apogeo de “Little Nemo”, McCay decidió incursionar en el ámbito de la animación. Expuso la idea a sus colegas, los cuales la consideraban absurda, puesto que él no era un animador y hasta ahora sólo se había dedicado a la ilustración y la historieta. Fue entonces que él les apostó que haría 4,000 dibujos para traer “Little Nemo” a la vida animada. Se armó de litros de tinta y kilos de papel y puso manos a la obra con su fiel pluma. Y así, sin más, realizó los 4,000 dibujos necesarios para darle vida a este proyecto, como había dicho, con perseverancia y bueno… mucha tinta y papel, como antes mencioné. Alentado por la maravilla que había logrado, decidió más adelante hacer “How a Mosquito Operates” (Cómo actúa un Mosquito) lo cual requirió 6,000 dibujos. Su método tradicional inspiró a nuestros amigos de Disney, más adelante.

En 1914 debutó “Gertie, the Dinosaur” (Gertie, la Dinosaurio), film en el cual todo se proyectó desde su mismo sketch block e incluso en momentos McCay sale a su lado. Creo que no hace falta mencionar que obviamente, recibió muy buenas opiniones y elogios por esta producción. ¿Pero cómo es que logró realizar todo esto, si él era sólo un dibujante? No tenía conocimientos avanzados como lo tienen ahora no sólo empresas como la antes mencionada Disney o Pixar.

Él nos demuestra que basta con tan sólo tener las ganas de dibujar para armar una buena animación. No necesitas más que un lápiz (o lapicero, depende de tus gustos), papel para plasmar tus ideas en dibujo, y las ganas de dibujar. McCay era realmente un hombre muy adelantando a su época con una gran pasión por el dibujo. Y nos ha demostrado que “El que quiere, puede”. ¿Qué esperas para seguir su ejemplo?

(FRENCH VERSION)

Du bande dessinée à la Dessin animé

Aujourd'hui nous allons nous concentrer sur la façon dont l'animation/et la bande dessinée peuvent se rejoindrent pour nous donner des dessins animés. L'animation c’est une suite de dessins ou images qui conduisent à un effet visuel de mouvement, mais pas oublier que il existe différents types d'animation. Nous avons grandi en regardant des dessins animés, même en l'absence de la télé il y a l’idée de l'animation, par example, nous pourrions l'apprécier dans le coin d'un cahier d'un ami, qui a attiré une poupée en mouvement lorsque contribué à tourner les pages de son pouce dans le cours de maths.

Un dessinateur de bande dessinée c’est en formation persévérant et parfaitement formé et lui a un concept personnel des éléments indispensables pour raconter une histoire parce que ses BD sont fondées sur un escennario, des faites visuelles, des escenes à partir du début à la fin, la création de personnages, situations dramatiques, les parlements et les decors, ainsi que plein d'imagination et de fantaisie. En un mot, c’est un réalisateur et concepteur avec beaucoup potentiel pour les dessins animés.

Après l'apparition de personnes des dessins animées, ils se sont émerveillé, parce que ces dessins combinant des éléments visuels, graphiques et littéraires panneau par panneau de se déchaîner dans une histoire amusante. Mais à un certain point, ce n'est plus suffisant , parceque des plusieurs amoureux de la bande dessinée, en fin de compte veulent plus et ont la possibilité de tenter le dessin animé. Si nous regardons l'histoire, nous nous rendons compte qu'il est à certains principes, semblable à l’ action qui sont utilisés pour tout projet d'animation. Imaginez une page de votre bande dessinée, nous verrons de plus détails du mouvement come dans le dessin animé? La proximité entre les deux styles est aussi court que deux cousins, frères ... Peut-être que le père et le fils?

Même aujourd'hui, il ya de nombreux dessins animés qui commencent comme ça et sont ensuite prises pour l'animation et même le grand écran. Les exemples classiques sont "Batman", "Spiderman", "Betty Boop" devrait apporter des souvenirs. Simple fait d'avoir l'idée et la transformer en images, bien sûr cela dépend de vous quand votre histoire ou évoluer dans un dessin animé. En conclusion, un dessin animé de grand écran ou télé, il exige les mêmes éléments pour raconter une histoire. Tous les animateurs de Disney ont d'abord été des bande dessinateurs, des peintres ou illustrateurs.

Windsor McCay un exemple de bande dessinateurs a l’animation

Né dans les années 1867 (certains disent au Canada, d'autres aux Etats-Unis), dès le jeune âge était intéressé à l'art du dessin et non seulement cela, il a montré aussi tôt que aux 13 ans eu un talent et des compétences qui pourraient facilement susciter l'envie des artistes plus expérimentés. Cependant, son père l'inscrit à l'école de commerce, de sorte que son fils aurait une vision de ce qui serait la «vraie affaire». Bien sûr, cela n'a pas empêché McCay, parce que de même obtenu un emploi à dessiner des portraits, tout à fait la façon dont il observait et se rappelait des détails à la perfection. Mais comme tout professionnel qui aime ce qu'il fait, et constamment à la recherche d'amélioration, il se engage avec un enseignant dont le point fort a été la perspective. Sans aucun doute, ses œuvres nous montrent que c'était une excellente élève.

Tout au long de sa vie, il était marié, avait deux enfants, a travaillé la peinture des avis publicitaires, puis finisse par faire des dessins à l'encre dans journaux et des magazines. Un de ses reussies était très proche de l'animation de faire six panneaux d'un cheval au galop. C'est en 1905 que sa bande dessinée "Little Nemo in Slumberland », «L petit Nemo dans la terre des rêves") dés son débuts, a fait sensation à l'utilisation et la maniabilité des panneaux, des couleurs, l'histoire et de la fantaisie à largement surmonté Lewis Carrol auteur de"Wonderland".

Justement à l'apogée de "Little Nemo, McCay a décidé d'entrer dans le domaine de l'animation. Avait présenté l'idée à ses collègues, qui ont estimé qu'il c’est dans l’absurde, car il était seulement dessinateur consacré à l'illustration et la bande dessinée. Il fut alors qu'il parie que 4000 serait d'apporter des dessins de "Little Nemo" à la vie animée. Avec les gallons d'encre et kilos et de papier et se mit au travail avec sa plume fidèle. Et donc, sans plus, a fait les 4000 dessins nécessaires pour donner vie à ce projet. Encouragé par la demande qui avait été atteint, a ensuite décidé son suivant filme "Comment Fonctionne un moustique " qui a nécessité 6000 dessins. Leur méthode traditionnelle sera inspiration pour nos amis de Disney, plus tard.

En 1914, fait ses débuts "Gertie le dinosaure" film dans lequel tout était prévu à partir de un croquis et même parfois McCay apparaissant à ses côtés,il reçu des critiques élogieuses et félicitations pour cette production. Mais comment est-ce réussi à faire tout cela, s'il était juste un dessinateur? Il n'avait pas de connaissances avancées comme ils l'ont désormais non seulement les sociétés mentionnées ci-dessus comme Disney.

Il demontre simplement que seul il faut avoir le désir pour construire une bonne animation. Vous n'avez pas besoin de plus d'un crayon (ou stylo, selon votre goût), le papier , vos idées, et le désir de dessiner. McCay était vraiment un homme bien en avance sur son temps avec une passion pour le dessin. Et il a montré que «Celui qui veut peut." Qu'attendez-vous de faire de même?

HISTORIA DE LA ANIMACIÓN EN PERU - PARTE 2

2010-09-20T14:12:00.000-07:00

EL PROYECTO DE ANIMACION "ZIFRIDO"

En la entrega de la Historia de la animación parte 2, una historia inédita. Es la historia de un ideal, una aventura que fue el proyecto Zifrido* de Rafael Seminario Quiroga (RSQ) que quedo en un intento de hacer un largo metraje y serie, en cine animado tradicional. Entrevistamos a uno de los miembros que integraron aquel excelente grupo de profesionales del cine animado, su nombre es Carlos Panta, animador y artista plástico. Actualmente se desempeña como docente de la facultad de Arte de una Universidad de Lima. Panta tiene una historia que muchos no saben....

*Zifrido. Un héroe que lucha con espada y escudo contra una bruja, ejército y dragón, y adquiere poderes para rescatar una princesa.

Háblanos de tu primer contacto con Rafael Seminario Quiroga RSQ y la Animación
Creo el año fue entre 1977 y 78 cuando ví un aviso en un diario de Lima, que llamó la atención, fue la primera vez que yo veía un curso así, aquí en Perú. Me acerque más por inquietud de ver dibujos animados en la televisión y ver como se hace. Me gusta la pintura pero al final sólo me quedaba colgar mi cuadro en una pared, y no quieres que tus ideas se queden ahí, además como artista deseaba llegar a un público más vasto. Lo vi como una sorpresa y una gran oportunidad porque RS daba un curso. (Él ha formado a varios profesionales en diferentes épocas). Recuerdo que tomé en la escuela un curso por correo de dibujo, y se hablaba de dibujos animados, pero esto era otra cosa era ingresar a un estudio en vivo. S nos hablaba de animación y cine.
Siempre me gustaron los cuentos y la fantasía la ilustración y pensaba ¿cómo se hará animación? Hablé personalmente con RSQ y me hizo algunas preguntas sobre mi interés en aprender cine animado, me hizo pruebas de talento. Lo primero fue animar con estructuras y los ejes de movimiento. Como había ingresado a la ENBA me tenía que escapar para seguir con mis clases. Luego vio en mi condición para el trabajo y fui invitado practicar en el estudio. Entonces me hablo de un proyecto ambicioso e interesante que me podía ayudar a desarrollarme como artista así que deje la ENBA.
Cómo iniciarón el proyecto?
Era un proyecto al cual nos invito RS
Como se fundo el grupo Zifrido?
Se fundo en Diciembre en la fecha del cumpleaños de RSQ porque también cumplía esa misma edad Micky Mouse. Cada uno firmo un juramento, era un grupo muy humano y todos nos poyábamos. No recuerdo los detalles de cómo se formó el proyecto que lo presento RS. Iniciamos el grupo de las mismas clases del taller que él dictaba, que era por ciclos en diferentes horarios. Empezamos el año 77-78 hasta el año 1980, muchos estaban aun estudiando en la escuela secundaria Me acuerdo de Segundo, Ormeño, un tal Chumpitaz que era un señor de lentes, de Luskas, Espinoza, etc. El grupo lo integraban 15 personas poco a poco se desintegró
Te acuerdas de alguien más?
A Espinoza lo volví a ver en la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú ENBA Yo volví el año 1980 y algunos continuaban. Realizamos un avance de diez minutos pero no se llegó a una comercialización, dependía de RS el director .La idea del avance era conseguir dinero para preparar y contratar a más personal, conseguir una inversión.
Tienes alguna foto del estudio y del grupo?
No, no tengo. A algunos de ellos los ví después de años, y como sucede a los artistas en el Perú, estaban en el desamparo, sin dinero. Nosotros resistimos 3 años.
Cómo era el Estudio?
Se encontraba en un primer piso de un local en la av. Arenales de Lima, el número 777. En la entrada había una oficina pequeña, luego pasabas a un área amplía donde estaban las mesas, stands, carpetas para las clases, lámparas de iluminación. En un dormitorio se acondiciona la sala de filmación con la cámara principal y sus reflectores. Luego en el baño se hizo el laboratorio para los revelados.
Cómo funcionaba o era el proceso de producción?
En la animación sólo estaba RSQ. Nosotros no animábamos: hacíamos las labores complementarias, calcábamos en papel film, les dábamos color limpiábamos los dibujos y las animaciones. Era muy difícil hacer la animación porque el camino para lograr ser un animador tradicional es muy largo y sacrificado. Él (RSQ) tenía un tipo de animación secreta, se valía de claves, signos, estadísticas, yo mismo los vi una vez en una tablilla que él había inventado y le molestaba que le preguntemos, pero sólo él las entendía. Una vez alguien se llevó algunos dibujos que tiraba al tacho de basura. Ese personaje los tuvo que devolver. Las fichas técnicas y hojas de exposición también eran distintas. Nos basábamos en el story board y el guión, y trabajábamos la manera más indicada para desarrollar cada escena. RSQ nos indicaba que escenas había que trabajar. Hacíamos los animatics con un poco de música y nos entusiasma mucho como se veía, luego trabajábamos la escenografía.
Desde la mañana trabajábamos en escena tras escena, recuerdo que mejore mucho mi dibujo. El trabajo de cámara era bastante difícil, se usaban multiplanos, había que seguir las hojas técnicas donde RSQ me indicaba todo. Camaras de 16 mm y 35 mm. RSQ las fabrico y todo lo adapto. Recuerdo que demoraba dos horas acomodar sólo 5 segundos de prueba de animación a lápiz.
El formato del papel?
Nosotros usamos un formato de 25 x 35, un poco cuadrado, las escenografías eran grandes, me acuerdo del papel llamado sulfito. RSQ se encargaba de cortar el material y distribuirlo.
Cómo se financiaba el proyecto?
Como no teníamos presupuesto RSQ conseguía comerciales para algunas empresas para poder financiar en alguna forma el proyecto, para empresas como Colcafé, Yompian, Casa Hindu, Garozzo, Ambrosoli, Coca cola, etc. No era fácil trabajar porque no teníamos tiempo y se trabajaba inclusive domingos. Muchas veces las noches las pasamos en vela, casi no dormíamos, porque si llegaba un comercial no se podía parar el trabajo.
Tu trabajo en que consistía?
Mucha investigación sobre películas y guerreros de diferentes épocas, animales, dragones. Pintaba las micas, les pasaba tinta, había que pasar a límpio los dibujos de la animación. Estaba también en la sala de filmación haciendo las pruebas de animación en blanco y negro, luego en el laboratorio revelados de las películas.
Cómo te sentías al final de una jornada?
Una satisfacción total, de haber hecho un adelanto.
Cómo se tomo la decisión de abandonar el proyecto?
Fue decisión de RSQ postergarlo, pero no se consiguió financiamiento
Qué te pareció la experiencia de trabajar con RS?
Nos hablaba de su experiencia personal, de los estudios Disney, nos enseño gran cantidad de comerciales, proyectos, animaciones y documentales como el pacto andino, Impuestos, Mary Pili, animaciones en plastilina, etc. no recuerdo más. Se me confío los detalles de la anatomía en el arte final, justamente por esos años era aficionado al fisicoculturismo.
Cómo era la química en el grupo?
Con RSQ llegamos a ser muy cercanos, salíamos al cine y nos hacía comentarios sobre películas.
No había dinero para seguir con el proyecto, ni siquiera para almorzar pero igual seguíamos. Había mucho entusiasmo, todos pensábamos y sentíamos lo mismo. Llegábamos a las 10 am y no salía del laboratorio hasta las 4 pm y seguía hasta las 9 pm. M e sorprendía porque rápido llegaba la noche pero seguíamos dibujando. A veces Recuerdo que llegaba más gente para las clases. Escuche que los estudiantes llegaron a ser cerca de trescientos, pero en diferentes días y horarios.
Cuándo te alejaste del proyecto?
Yo me retire a fines del año 1980 porque ya no había más, habíamos trabajado tanto y recién había terminado el colegio, yo vivía de las propinas de mis padres. En mi casa me querían matar, y esos tres años yo vivía con problemas con la familia. En casa no me creían cuando trasnochaba en el estudio, me preguntaban donde pasaba la noche, pero el trabajo era muy interesante. Continuar en el grupo se volvió un dilema para mí, ya había dejado la ENBA y tenía la presión de mi familia que no estaba de acuerdo, pues me ausentaba mucho y venia de terminar la escuela secundaria. Mi familia estaba descontenta porque me había retirado la ENBA para seguir en el estudio, además los domingos me preguntaban “a donde vas”. Recuerdo que por ese tiempo los estudiantes al mando de uno de sus dirigentes de apellido Lusa, habían asaltado el local de la ENBA y teníamos problemas, eso también influenció en mi decisión.
Te arrepientes de la experiencia??
Lo que viví como experiencia única fue muy rica en conocimientos, RS es un gran artista y excelente docente. Él nos preparó y nos enseño que para ser profesionales, el artista debe aprender con sacrificio.
Interesante porque en esos años no había programas de computadora, lo que se dictaba era animación tradicional real.

Algunos cortos además de Zifrido?
No había tiempo para cortos experimentales, pero para entrenar a los nuevos que se fueron integrando aparecieron algunos cortos como la mosca, el gallo, etc. Y para Rafael Seminario Coello otros como la cigarra y la hormiga, super eskaen, casa de garabatos, etc.
Sobre Zifrido que más podrías decir?
El proyecto era un ideal y uno sacrifica todo por esas cosas, por la ilusión de hacer el primer largometraje de dibujo animado y RS ya no siguió dando clases porque no había tiempo. Él llegaba a las 7 y no salía hasta las 11 pm de la noche. Fuimos los primeros y pioneros en trabajar en un largometraje que luego se volvería una serie para la televisión, pero sobretodo por el nivel de animación que era tan perfecto, imagínate que hasta los rayos del sol los hacíamos con tiralíneas; los personajes corrían, luchaban, bailaban, etc. Pero sólo avanzamos 10 minutos de una hora y media. Aun esos 10 minutos eran parte de la película y un demo porque se veía a Zifrido con su espada y escudo, luchando con soldados fantásticos, dragones y la bruja que se transformaba en un monstruo de dos cabezas.
Dónde están esos diez minutos de la película??
Los tiene RSQ, el story board y el avance.
Nadie se acerco a brindarle apoyo a Rafael Seminario Quiroga?
Te vuelvo a decir todo se autofinanciaba con propinas, todos esos años, nunca ganamos nada y lo hacíamos con cariño. Pero todo quedo en esas paredes nunca se vio el avance por televisión, el público hasta el día de hoy no sabe de esta aventura. En esa época el medio era pequeño época sólo había cuatro canales, pero Si tienes un proyecto debes buscar financiamiento, todo hubiera sido un Boom. Debíamos borrar los papeles usados para volverlos a utilizar y había la necesidad de solventar los gastos, al menos para almorzar porque todos comíamos igual unos panes y unas bebidas.
Tuvieron cobertura en la prensa?
Sólo en un diario de la época y no hubo más. Faltaba el dinero, debíamos hacerlo todo y asumir los gastos. No hubo apoyo. Fallo el soporte económico y no me refiero a un gran presupuesto de miles de soles, pedíamos sólo lo suficiente para nuestra movilidad y alimentación. Los materiales, renta y otros gastos los asumía RSQ pero con gran dificultad.
Luego que hiciste?
Quede cansado y estresado. Luego se me pasó y quise volver a la ENBA pero fui obligado a postular nuevamente. Ahí me encontré con un profesor quien me enseño en el colegio Guadalupe. Reingrese cuando el artista Aitor Castillo era el director, pero luego de haber pasado la experiencia de haber trabajado con RSQ haber conocido el cine animado, viendo los dibujos moviéndose y como se trabaja en el estudio las escenografías los paisajes, y en medio de un elevado profesionalismo…..concretamente ya la ENBA no me motivaba, ni el nivel profesional de los profesores ni el ritmo tan lento, y como veía que nada aprendía, sentí que en vez de avanzar había retrocedido. No dure mucho y decepcionado deje la Escuela para siempre. Me dedique a trabajar y olvidar. Años después me vuelve la nostalgia por el arte y me fui a estudiar al taller de un pintor, justamente cuando fundaba el taller “Tilsa” (nombre de una artista pintora llamada tilsa tsuchiya, que en vísperas agonizaba). Empecé de cero a dibujar pero no deseaba volver a la ENBA y postule a la Facultad de artes de la Univ. Católica porque me atrajo el diseño grafico.
Perfil y aptitudes para ser un director de cine

Se tiene que nacer o tiene que gustarte, debes tener vocación y talento, ser minucioso, pero no todos llegaran.
Hoy día ,gracias a los que los fabrican software, cuando escuchas el término animación crees que sólo se refiere a programas de computadora, por eso se confunde la gente, piensan que saber un programa ya te hace animador, pero no es así. Un programa es una súper herramienta para quien lo sabe explotar, no significa más que eso. Pero si es verdad que el dibujo animado se complementa perfectamente con la computadora y toda la tecnología más moderna, pero quiero llamar la atención que esto va a funcionar si tienes el talento y la información tan poderosa que te da la animación tradicional, lo cual es relevante para el desarrollo profesional de todo artista, pero, un programa no te garantiza el éxito, porque puedes saber usar la computadora, pero nada funciona sin la sensibilidad del artista, es decir necesitas de un conocimiento más amplio. Se necesita mucho trabajo para realizar un segundo, por eso hay que tener un ideal, tomar el reto de crear, de innovar y darle vida a la fantasía. Estoy seguro que para todo artista la animación cumplirá una función importante en su arte, porque la comunicación se asocia a todas las artes plásticas, pero todo lo que se estudia es muy poco para ser animador, uno debe perfeccionarse por su cuenta, y sobre todo hay que tener carácter de verdad. Te puedes agotar pero debes seguir. Me gustaría volver.

HISTOIRE DE L’ANIMATION PERUVIENNE 2 – Le projet Zifrido

Dans la remise de l’Histoire de l’animation, deuxième partie, une histoire inédite. C’est l’histoire d’un idéal, une aventure qui a été le projet Zifrido*de Rafael Seminario Quiroga (RSQ), qui a essayé de faire un long métrage et une série, en cinéma animé traditionnel. Nous avons fait l’interwiew d’un des membres qui a intégré cet excellent groupe de professionnels de cinéma, son nom est Carlos Panta, animateur et artiste plastique. Actuellement, il travaille comme enseignant à la faculté d’Art d’une des universités de Lima. Panta a vécu une histoire que peu connaissent. *Zifrido: Un héros qui lutte à l’aide d’une épée et d’un bouclier contre une sorcière, une armée et un dragon, et qui acquiert des pouvoirs pour délivrer une princesse.

Parle-nous de ton premier contact avec Rafael Seminario Quiroga RSQ et l’animation

Je crois que c’était entre 1977 et 1978, un jour j’ai vu une annonce dans un journal de Lima qui m’a interpellée. C’était la première fois que je voyais un cours comme ça au Pérou. Je me suis présenté, plus pour voir des dessins animés à la télévision et comprendre comment ça se fait. J’aime la peinture, mais à la fin, il ne me restait plus qu’à accrocher mon tableau sur un mur, et je ne voulais pas que mes idées restent ici. En plus en tant qu’artiste, je voulais atteindre un public plus large. Je l’ai vu comme une surprise et une grande opportunité car RS donnait un cours (Il a formé plusieurs professionnels à différentes époques). Je me rappelle que j’avais pris un cours en ligne de dessin, et on y parlait de dessins animés, mais c’est complètement autre chose d’intégrer un cours en direct, où RS nous parlait d’animation et de ciné. J’ai toujours aimé les contes, la fantaisie et l’illustration, et je pensais : Comment se fait l’animation? J’ai parlé personnellement avec RSQ, et il m’a posé quelques questions sur mon intérêt pour apprendre le cinéma animé, il m’a fait des tests de talent. Le premier a été d’animer avec les structures et points d’articulation. Comme j’avais intégré l’Ecole Nationale des Beaux-Arts, je devais m’échapper pour continuer mes cours. Ensuite il a vérifié ma condition pour le travail et j’ai été invité à pratiquer dans le studio. Ensuite, il m’a parlé d’un projet ambitieux et intéressant qui pourrait m’aider à me former en tant qu’artiste, j’ai donc quitté l’Ecole Nationale des Beaux-Arts.

Comment avez-vous commencé le projet? C’était un projet auquel RS nous avait invité.

Comment le groupe Zifrido s’est-il fondé? Il s’est fondé en décembre pour l’anniversaire de RSQ parce qu’il atteignait le même âge que Mickey Mouse. Nous avons tous signé un serment, nous étions un groupe très humain et nous nous aidions tous. Je ne me rappelle pas les détails de comment s’est formé le projet que nous a présenté RS. Nous avons commencé les cours des ateliers-mêmes qu’il animait. C’était par cycles, à différents horaires. Nous avons commencé en 77-78 jusqu’en 1980. Beaucoup d’entre nous étaient encore en train d’étudier l’école secondaire. Je me rappelle de Segundo, Ormeño, un certain Chumpitaz qui avait des lunettes, Luskas, Espinoza, et. Le groupe était formé de 15 personnes qui peu à peu l’abandonnèrent.

Tu te rappelles de quelqu’un d’autre? J’ai rencontré un jour Espinoza à l’école Nationale des Beaux-Arts du Pérou. Je suis revenu en 1980 et quelques uns continuaient. Nous avons réalisé une démo de 10 minutes mais nous ne l’avons pas commercialisé, cela dépendait de RS, le directeur. L’idée de la démo était de réunir de l’argent pour préparer et embaucher plus de personnel, trouver des investisseurs.

Est-ce que tu as une photo du studio et du groupe? Non, je n’en ai pas. J’en ai vu quelques uns après quelques années, et comme tous les artistes au Pérou, ils étaient à la rue, sans argent. Quant à nous nous avons résisté trois ans.

Comment était le studio? Il se trouvait au rez-de-chaussée dans un local de l’avenue Arenales, au numéro 777. A l’entrée, il y avait un petit bureau, ensuite une grande salle dans laquelle il y avait les tables, les stands, les bureaux pour les cours, et les lampes d’illumination. Dans une chambre avait été installée une salle de tournage avec la caméra principale et ses réflecteurs. Ensuite, on avait transformé la salle de bains en laboratoire pour développer les photos.

Comment était ou fonctionnait le processus de production? En animation, il y avait seulement RSQ. Nous autres nous n’animions pas : nous faisions les travaux supplémentaires, nous faisions les calques sur du papier à films, la colorisation et le nettoyage des dessins et des animations. C’était difficile de faire de l’animation car le parcours pour être animateur traditionnel est très long et demande des sacrifices. Lui (RSQ) avait une manière secrète de faire l’animation. Il se servait de clefs, de signes, de statistiques que lui seul comprenait. Je les ai vus moi-même sur un tableau qu’il avait créé, mais cela le dérangeait que nous lui demandions. Une fois, un des étudiants était parti avec quelques dessins qu’il avait jeté à la poubelle. Il a dû les rendre. Les fiches techniques et les feuilles d’exposition aussi étaient distinctes. On se basait sur le story board et le script, et on travaillait de la meilleure manière qu’il soit pour créer chaque scène. RSQ nous disait quelles scènes il fallait travailler. Nous faisions les animations avec un fond de musique et nous étions très contents du résultat. Ensuite, on se penchait sur la scénographie. Dès le matin, nous travaillions scène par scène. Je me rappelle que j’ai beaucoup amélioré mon dessin. Le travail de caméra était vraiment difficile, on utilisait des plans multiples, il fallait suivre les fiches techniques où RSQ m’indiquait tout. RSQ fabriquait les caméras de 16 mm et 35 mm et il les adaptait. Je me rappelle qu’il mettait deux heures à arranger seulement 5 secondes d’essai d’animation au stylo.

Le format du papier? On utilisait un format de 25 x 35, un peu carré. Les scènes étaient grandes, je me rappelle d’un papier appelé Sulfite. RSQ se chargeait de couper le matériel et de le distribuer.

Comment était financé le projet? Comme on n’avait pas de budget, RSQ trouvait quelques publicités pour quelques entreprises pour pouvoir financer le projet, par exemple Colcafé, Yompian, Casa Hindu, Garozzo, Ambrosoli, Coca cola, etc. Ce n’était pas facile de travailler parce que nous n’avions pas beaucoup de temps, et on travaillait seulement le dimanche. On a fait pas mal de nuits blanches, parce que si une publicité arrivait, on ne pouvait pas arrêter de travailler.

En quoi consistait ton travail? Beaucoup de recherche sur les films, les guerriers de différentes époques, les animaux, les dragons. Je peignais les feuilles transparentes, les teintais, ensuite il fallait nettoyer tous les dessins d’animation. J’étais aussi dans la salle de filmage pour faire les essais d’animation en noir et blanc puis dans le labo pour développer les photos.

Comment est-ce que tu te sentais à la fin de la journée? Complètement satisfait d’avoir pu avancer.

Comment s’est prise la décision d’abandonner le projet? Ca a été la décision de RSQ. Il pensait seulement repousser le projet, mais on n’a pas trouvé de financement.

Comment a été ton expérience de travail avec RS? Il nous parlait de son expérience personnelle, des studios Disney, il nous a montré une quantité phénoménale de publicités, de projets, d’animation et de documents comme le pacte andin, les impôts, Mary Pili, des animations en pâte à modeler, etc. Je ne me rappelle plus du reste. Il m’a confié les détails de l’anatomie dans l’art final, justement j’étais fan de physico culturisme à cette époque.

Comment était l’ambiance de groupe? Avec RSQ, nous sommes devenus très proches. Nous allions au ciné et il nous faisait des commentaires sur les films. On n’avait pas d’argent pour continuer le projet, ni même pour déjeuner, mais on continuait quand même. On était très enthousiastes, et on pensait et sentait tous la même chose. On arrivait à 10 heures du matin, et on ne sortait pas du laboratoire avant 4 heures, et ensuite on continuait jusqu’à 9 heures du soir. Cela me surprenait parce que le soir tombait rapidement mais on continuait à dessiner. Je me rappelle que parfois il y avait plus de personnes qui venaient en cours. J’ai entendu qu’on a atteint près de 300 élèves, mais à des jours et heures différents.

Quand est-ce que tu t’es éloigné du groupe? Je suis parti à la fin 80. J’avais tant travaillé, je terminais tout juste le secondaire et je vivais grâce à l’argent de poche que me donnait mes parents. Chez moi, ils m’en voulaient à mort, et pendant ces trois ans, j’avais eu plein de problèmes avec ma famille. Ils ne me croyaient pas quand je disais que j’avais passé la nuit à travailler au studio, ils me demandaient où j’étais resté toute la nuit, mais le travail était super intéressant. Continuer dans le groupe a été un dilemme pour moi, j’avais abandonné les Beaux-Arts, j’avais la pression de ma famille qui n’était pas d’accord parce que je n’étais pas souvent là et je venais de finir le lycée. Ma famille n’était pas contente car j’avais quitté les Beaux-Arts pour continuer le travail au studio, en plus le dimanche, ils me demandaient : « Où est-ce que tu vas ? » Je me rappelle qu’à cette époque les étudiants, sous la direction d’un des dirigeants appelé Lusa, avaient pris d’assaut le local des Beaux-Arts, et il y avait plein de problèmes. Ça aussi ça avait influencé ma décision.

Est-ce que tu te repens de cette expérience? Ce que j’ai vécu a été unique et riche de connaissances. RS est un grand artiste et un excellent professeur. C’est lui qui nous a préparé et nous a enseigné pour être professionnels, l’artiste doit apprendre en faisant des sacrifices. C’était intéressant car en ce temps-là il n’y avait pas d’ordinateur, donc ce qui nous était enseigné était l’animation traditionnelle réelle.

Quelques courts-métrages en plus de Zifrido? Il n’y avait pas de temps pour des courts-métrages expérimentaux, mais pour entraîner les nouveaux qui s’intégraient, on en a fait quelques uns comme la mouche, le coq, etc. Et pour Rafael Seminario Coello, d’autres comme la cigale et la fourmi, super eskaen, maison du gribouillage, etc.

Que pourrais-tu dire de plus sur Zifrido? Le projet était un idéal et un sacrifice à cause de tout ça, de la pensée de faire le premier long-métrage de dessin animé et RS nous supervisait en donnant des cours car il n’avait pas le temps. Il arrivait à 7 heures et ne repartait pas avant 11h du soir. Nous avons été les premiers et les pionniers à travailler dans un long-métrage qui serait par la suite une série télévisée, mais surtout pour le niveau d’animation qui était si bon. Imagine que nous faisions les rayons du soleil à la règle ! Les personnages couraient, luttaient, dansaient, etc. Mais nous avancions de seulement 10 minutes en une heure et demie. Mais ces dix minutes faisaient partie du film et de la démo, car on voyait Zifrido avec son épée et son bouclier, luttant contre des soldats fantastiques, des dragons et la sorcière qui se transformait en un monstre à deux têtes.

Où sont ces dix minutes de film? C’est RSQ qui les a, ainsi que le story board et la démo.

Personne n’a voulu apporter de l’aide à Rafael Seminario Quiroga? Comme je te l’ai dit tout à l’heure, tout s’autofinançait avec de l’argent de poche. Durant toutes ces années, nous n’avons jamais rien gagné, mais on le faisait avec beaucoup de soin. Mais tout est resté entre ces murs, on a jamais montré la démo à la télévision. Jusqu’à aujourd’hui, le public ne sait rien de cette aventure. A cette époque, les moyens de communication étaient peu développés, il y avait seulement 4 chaînes. Et si tu as un projet, tu dois chercher des financements. Tout aurait explosé dans ce cas-là. Nous devions effacer les papiers utilisés pour pouvoir les réutiliser, il fallait acquitter nos dettes, au moins pour pouvoir déjeuner parce que nous mangions tous la même chose : une boisson et quelques pains.

Vous avez eu une publicité par la presse? Seulement dans un journal de l’époque, rien d’autre. On manquait d’argent, on devait tout faire et assumer les dépenses. Personne ne nous a aidés. Le côté économique n’a pas suivi, et je ne me réfère pas à un grand budget de plusieurs milliers de soles, nous demandions seulement le nécessaire pour notre transport et notre alimentation. Les matériaux et autres coûts, c’est RSQ qui s’en chargeait, avec grande difficulté.

Qu’est-ce que tu as fait après? J’étais fatigué et stressé. Ensuite, je m’en suis remis et j’ai voulu revenir à l’Ecole des Beaux-Arts, mais j’ai dû postuler à nouveau. J’ai rencontré un professeur là-bas qui m’avait enseigné au collège Guadalupe. J’ai réintégré l’Ecole lorsque l’artiste Aitor Castillo était directeur. Mais après être passé par l’expérience d’avoir travaillé avec RSQ, d’avoir connu le dessin animé en voyant les dessins bouger, de voir comment on travaille dans le studio la scénographie, les paysages, tout cela avec un grand professionnalisme…En gros, les Beaux-Arts ne me motivaient plus, le niveau professionnel des enseignants, le rythme si lent… et comme je voyais que je n’apprenais rien, j’avais l’impression qu’au lieu d’avancer, je reculais. Je ne suis pas resté longtemps, et déçu, j’ai quitté l’école pour toujours. Je me suis plongé dans le travail pour oublier. Des années plus tard, la nostalgie de l’art est apparue, et je suis allé étudier dans l’atelier d’un peintre, justement au moment où il fondait l’atelier « Tilsa » (nom d’une artiste peintre appelée Tilsa Tsuchiya à la veille de mourir). J’ai recommencé à zéro à dessiner, mais je ne voulais pas revenir aux Beaux-Arts alors j’ai postulé à la faculté d’Arts de l’Université Catholique parce que le design graphique m’attirait.

Profil et aptitudes pour être directeur de ciné

Cela doit te plaire, tu dois avoir la vocation et le talent, être né pour ça, être minutieux, mais tous ne vont pas y arriver. Aujourd’hui, grâce à ceux qui fabriquent des software, quand on écoute le terme « animation », on croit qu’on se réfère seulement à des programmes d’ordinateur, c’est pour cela que les gens font la confusion, ils pensent que connaître un programme fait devenir animateur, mais ce n’est pas comme ça. Un programme est un super outil pour celui qui sait l’exploiter, rien de plus.

Mais s’il est vrai que le dessin animé se complémente parfaitement avec l’ordinateur et toute la technologie moderne, je veux attirer l’attention sur le fait que cela fonctionnera si tu as le talent professionnel de tout artiste, mais un programme ne te garantit pas la réussite, car tu peux savoir utiliser l’ordinateur, mais rien ne fonctionne sans la sensibilité de l’artiste, c'est-à-dire que tu as besoin de connaissances plus amples.

Il faut beaucoup travailler pour réaliser une seconde, c’est pour cette raison qu’il faut avoir un idéal, avoir le défi d’innover, de créer et de donner vie à la fantaisie.

Je suis sûr que pour tout artiste, l’animation accomplira une fonction importante dans l’art, car la communication s’associe à tous les arts plastiques. Mais tout ce qui est étudié est bien peu pour être animateur. Il faut pouvoir se perfectionner soi-même et surtout il faut avoir du caractère. Tu peux te retenir, mais il faut continuer. J’aimerais bien y revenir.

THE PERUVIAN ANIMATION STORY PART 2: ZIGFRIDO PROJECT & RAFAEL SEMINARIO (1920)

An untold, ideal, adventure story by Rafael Seminario Quiroga, and his first attempt on making the first animated film in Peru. We interviewed one of the members of this excellent group, “Zifrido” a professional animator and artist, Carlos Panta, currently working as a teacher at Catolica University……*Zifrido was a hero who fights with sword and shield against witches, dragons acquired powers to rescue a princess”.

Interviewer: Tell us about your first contact with Rafael Seminario RSQ Quiroga?
Carlos Panta: I think it was between 1977 & 1978, when I saw an ad in Lima`s newspaper, which drew my attention, it was the first time I had seen a course like that in Peru, I replied this ad concern because I wanted to see more cartoons on TV like painting, but with this, my expression was ending up hang on a wall, furthermore I knew that cartoonists reach a wider audience. When I called, RS offered me a course; it was a great opportunity for several of us, he training me. I remembered in school I took a drawing course talking about picture animation; however was something else to enter to a real animation studio drawing and talking all the time about animations and films. I always like stories and fantasy illustrations, however I didn`t know how to animated them, so I spoke with RSQ personally, he asked me some questions about my interests in animated films and check my talents with several test, the first was to create structures, axes and give them movement with a pencil in a small piece of paper and other which and don`t remember now. As he also taught at the ENBA, National Bellas
Artes School, he had to escape to continue with my classes. When I finished all my training, he invited me to practice in his studio, when we talk about an ambitious and exciting project to help him as an artist, so I left ENBA School.

Interviewer: How did anyone start in this project?

Mr. Panta: You must be invited by RSQ.

Interviewer: When the Zifrido group was founded?

Mr. Panta: On December, in RSQ's birthday and Old Mickey Mouse too. Each of us signed an oath of collaboration and devotion. I don`t exactly remember how it started, however we got together from people from his own classes, from different hours and courses on 1977 or 1978 to 1980. Many were still studying high school, and I remember our supervisor after RSQ, Mr. Ormeño Chumpitaz, a man with glasses, de Luskas, Espinoza, etc. We were almost 15 people however, little by little each one split out.

Interviewer: Do you remember someone else?

Mr. Panta: I remember seeing again Espinoza at ENBA School on 1980 , when I went back to continue my studies, we make a 10mins advance but there was no marketing, so we depended of RS, we got the idea we need the money to prepare and recruit staff.

Interviewer: Have you got a picture of the study or group?

Mr. Panta: No, I haven`t, I saw some of them years ago, as it happens to artists in Peru, we`re all around, helpless and without money or support. I resisted like this 3 years.

Interviewer: How was the studio?

Mr. Panta: It was on the first floor in 777 Arenales Av, Lima. In the entrance, there was a small office, then a wide area with tables, stands, folders, lamps, all for classes. In another part was the shooting room with the main camera and reflectors, a bathroom and a laboratory room for picture developing.

Interviewer: How was it working in the production process?

Mr. Panta: The only one doing animation was RSQ, we made additional tasks like copying, cleaning colors, drawings and intermediates. It was very difficult to be a professional Animator on that time, because the path is long and sacrifice and RSQ believe in detail, dedication, and hard work. He worked with a type of homemade tools, signs, statistics, etc. I myself saw him once a splint that he invented; he was annoyed when I asked him the use of this. Once someone from the group took away some drawings he used to trash away, so he became very annoyed when he couldn’t find them, and this person had to return them right away. We had a storyboard and script given by RSQ, which is the most appropriate way to develop each scene. We also did Animatics with music, we were very excited that the final art looked so good, then we started in the scenery working since the morning in each scene, I remembered improving my drawing skills quickly. The camera tasks were quite difficult because we needed to follow multiplanes and RSQ sheets and instructions; they were 16 mm and 35 mm cameras, which RSQ modified. I remembered it took 2 hours to record just 5 seconds of pencil animation.

Interviewer: How was the paper format?

Mr. Panta: We use a 25 x 35format with little squares for sceneries was great; the paper was called “Sulfito”. RSQ was responsible for cutting and distribute it.

Interviewer: How was the project finance?

Mr. Panta: As we had no business with RSQ`s budget, some companies funded out project like Coalface, Pompeian, Casa Hindu, Garza, Ambrossoli, Coca cola, etc. It was not easy job, because we had no time, we even worked on Sundays, many sleepless nights, because it was for a TV commercial so we couldn’t stop to produce.

Interviewer: Which was your work?

Mr. Panta: I did a lot of research about movies and warriors from different times, animals, dragons. He painted the lenses with ink, so we need to clean up the animated drawings. He was also doing testing’s, shooting in black and white animation in the testing room, then he done all films.

Interviewer: How did you feel at the end of a day?

Mr. Panta: A total satisfaction.

Interviewer: How difficult was your decision to leave?

Mr. Panta: RSQ decision was delayed, because we didn`t get any funding, so he stopped all production and we left.

Mr. Panta: We talked about his personal experience at Disney studios, about many commercial projects, animations, clay animation and documentaries such as El Pacto Andino, Impuestos, Mary Pili, etc. I trusted him in reviewing my anatomy final art, because in those years I was still an amateur body-building.

Interviewer: How was the chemistry in the group?

Mr. Panta: We became very close with RSQ, we went to the movies, we made film`s critics, even on lunch we continue working. We were very enthusiastic; I think I have never felt like that again. We started working at 10am and stay in the lab until 4pm, then we continue until 9pm, we weren`t surprise because drawing at night was fast. Sometimes, there were more students for classes; I remembered seeing about 300 people, but in different days and times, so RSQ was very busy on those times.

Interviewer: When did you walk away?

Mr. Panta: I quit on the late 1980 because there was no more work, we worked so hard just after school, I realized then all those 3 years I live on my parent`s tips, so they want to kill me. They weren`t agreed about how many nights I spent on the studio, so continue in the group became a dilemma for me. The ENBA`s Art school pressured my family to finish the academic training, so my family was unhappy to withdrawn this school, besides on Sundays when I went to the studio, they asked me, where do you go? And they can`t believe me. All these problems influenced on my decision.

Interviewer: You regret this experience?

Mr. Panta: Of course no, this experience was unique, rich and with full of knowledge. RS is a great artist and excellent teacher, he prepared us to be professionals, he used to say, Artist must learn to sacrifice, so interesting because on those years there weren`t computer programs, it was real traditional animation.

Interviewer: -Did you do more short apart from Zifrido?

Mr. Panta: No, we didn`t have time for other films or experimental ones, but to train new members, we had new ones like the fly, the cock, the grasshopper, the ant, super-eska, home to doodles, etc.

Interviewer: Could you tell us a bit more about Zifrido?

Mr. Panta: This project was ideal and with plenty of sacrifice with the illusion of making the first animated feature film in Peru, so RS stopped to teach for a while. He started working at 7am and did not leave until 11pm. We were the first and pioneering in animated films, which in time became TV series, but above all was the high level of animation we developed. Can you imagine that we even done the sun's rays with “Tiralineas”, the characters run, fight, dance, etc, however we could only do 10 minutes in an hour and a half. Even those 10 minutes were part of a movie and then, it was Zifrido with his sword and shield fighting with fantastic soldiers, dragons and witches who transform into monsters with 2 heads.

Interviewer: Do you know where are those 10mins film?

Mr. Panta: RSQ did the storyboard and progress, so I suppose he kept all.

Interviewer: No one supported to RSQ?

Mr. Panta: I want to say it again, all was self-financing by RSQ, so all these 3 years we weren`t paid a sol, however we work with believe and real affection for Art. However everything was left on these walls, all work was never watch on TV, and the public never know until today about this adventure. At that time there were only 4 channels on TV, so the media was very limited, if we had a fund, all had been different, we had to erase and prepare again the used papers to reuse them, an without thinking about lunch, we all ate some bread and drinks.

Interviewer: Did you have press coverage?

Mr. Panta: I remembered only through the newspapers, we were tight with money, so we should do all ourselves to reduce costs. There was no support, thus we didn`t ask for a big budget, we wanted it enough funds for transportation and food, materials, implements, rent and other expenses were covered by RSQ with great difficulty.

Interviewer: After all what did you do?

Mr. Panta: At the end, I was tired and stressed, so I came back to ENBA School. After I met a teacher who taught me at Guadalupe school, but after the experience with RSQ, I knew all about animated films, so ENBA didn`t motivate me, so I left school and I devote myself to work and not forgetting. Years later I came back to work in an artist`s studio, "Tilsa", there I started from zero to draw, to paint, to move in the art business. Then, I applied to the Catolica University Art Faculty to teach at the graphic design program, they accepted me and I`m still there.

QUÉ ES LA ANIMACIÓN TRADICIONAL

2010-08-26T09:01:00.000-07:00

La Animación Tradicional en esta era en que la tecnología nos aporta más y más herramientas como el desarrollo de nuevos programas para animación por computadora para simplificar los procesos de producción, y muchas cosas más que vendrán que nos faciliten el trabajo como sucede en casi todo lo relacionado a la tecnología, sin embargo no hay nada que pueda reemplazar la capacidad mental y la sensibilidad de un artista animador ya que adquiere a través de la disciplina el conocimiento y el don para crear y dar vida.
Ese conocimiento se aplica en la Animación Tradicional, o mejor dicho es el saber profesional y académico que consiste en el dominio de más de 20 principios y el oficio para realizar un film o película, dibujando fotograma a fotograma, diseñando a mano alzada cada dibujo sobre una mesa de luz o tablet.
Animar es dar vida y conciencia a todo lo que nos cabe en la imaginación, da paso a poder crearlo todo tan solo con un lápiz y papel, no hay límites. Lo principal es interesarse en esa ciencia y arte, porque es más que sólo lograr tener un buen dibujo, porque para que los movimientos sean fluidos y naturales es necesario conocer un poco de física, específicamente de la dinámica, control del tiempo, sentido de la estética, intuición, denominados los principios de la animación tradicional. Se relaciona mucho con el proceso del cine, ya que se dirige prácticamente a tus personajes-actores.
¿Como debe ser una animador?
Un animador como cualquier artista, debe ser muy observador de su entorno, detallista, mirar como vuela un ave, como una gota de agua cae, como se aplican los sonidos del medio ambiente, etc, ya que así podrá plasmar mejor sus ideas, y representar lo que desee así sea real o inventado, que no tenga nada que ver con la realidad, se tiene que entender, es como un orden general, el caos tiene un orden. Un animador siempre esta imaginando, siempre crea en su cabeza, eso lo debe mantener y nutrir a la vez, observando además de la naturaleza y trabajos de otros animadores. Ya en la práctica, un animador debe ser muy constante y disciplinado, porque mientras más experiencia tenga, los movimientos de sus animaciones serán más fluidos y creíbles. Al ser un proceso largo y de varias etapas, debes mantener la concentración y el orden, siempre planificando previamente.

¿Que se necesita saber?
Para empezar con este arte, es necesario saber algo de dibujo y figura humana, ya que estos adquirirán movimientos, estudiar los principios de animación es básico para dar la sensación de un movimiento natural como la relación de movimiento y velocidad, la importancia del ritmo, las fuerza naturales que actúan sobre el movimiento, las leyes de acción y reacción, anticipación acción y fuerza. Con la observación e intuición podrás entenderlos más rápido.
Luego el momento de crear viene!
1. Crear un Argumento: idea de la historia a narrar.
2. Empezar con su Storyboard: una secuencia de imágenes y texto que sirve de guía para planificar los Layouts, que son el plan de las escenas con la acción de los personajes, además se especifica los planos y ángulos de cámara.
3. Luego darle un Diseño: se diseña los personajes y locaciones, se elige un estilo de dibujo. Se preparan las hojas modelos (Sheets) para cada uno de los personajes, donde se documenta una variedad de ángulos de vista y de sus poses más comunes.
4. Implementar el “Animatic” para visualizar, estudiar e implementar las mejoras
5. Empieza a Animar: Una correcta animación empieza con una buena planificación.
6. Usar modelos vivos, maquetas , rotoscopia, etc.
• Se empieza dibujando los extremos, que son pequeños dibujos realizados a manera de esbozo, donde se capta las acciones principales en el plano.
• Luego se establecen los dibujos claves, estos determinan cambios en la dirección del movimiento, después se dibujan los extremos y finalmente los intermedios.
• Después se trabaja con esbozos muy sueltos, se garabatea líneas de acción y de ritmo buscando fluidez.
7. En la segunda etapa se define la estructura y volumen.
8. En la tercera etapa se incluyen los detalles y se busca expresividad.
9. Y por último se pasa a limpio tu animación
10. Es muy importante en todas las etapas ser ordenado y colocar la numeración correspondiente
11. Luego se pasa al Entintado o calcado: donde se delinean los dibujos
12. Finalmente se registra al computador
13. Luego empieza la etapa de la digitalización: Edición, audio e imagen.

Que materiales necesitas para hacerlo tu mismo?
• Lápiz y mucho papel
• Un tablero transparente o la clásica meza de luz que tiene un soporte giratorio, pero puede ser improvisada por uno mismo o un tablero inclinado que deje pasar la luz que se encuentra debajo.
• Un tablero con barra y palillos para encajar las hojas perforadas o sheets
• Colores, tizas, plumones, acuarelas, etc. para el acabado final
• Un Computador
• Scanner o Tablet
• Programas de edición y softwares
Y ESO ES TODO, YA ESTA LISTO TU CORTO o ANIMACIÓN, SI QUIERES PRACTICARLO TU MISMO, TE SUGIERO ESTOS INTERESANTES VIDEOS INSTRUCTIVOS…Por otra parte, si quieres un entrenamiento profesional, puedes acercarte a nuestra Escuela de Animación en San Borja o llamarnos al 223-0756 para ayudarte a mejorar, terminar tu corto en clase o iniciarte en Animación Tradicional con nuestros cursos personales con horarios flexibles que inician cada mes. Estos cursos están orientados a la Animación Tradicional tratando de marcar una diferencia e instruir con una solida base a artistas emergentes para que sean auto-instructivos, no dependan de nadie para expresar sus ideas y animaciones maximizando tus habilidades y el nivel artístico en Perú. Si lo que buscan es una institución con esta visión, te esperamos……Webmaster!

1. Curso de Cine Animado
2. Curso de Historietas – Comics
3. Curso de Dibujo Animado – Figura Humana
4. Curso de Animacion Tradicional
5. 5. Curso de Flash digitalizar tu corto
6. Curso de After Effects digitalizar tu proyecto

WHAT IS TRADITIONAL ANIMATION?

Traditional Animation is a process in which technology contributes with lots of tools like new animation software’s to reduce the production process, and more to simplify it for a better finish. Nevertheless, nothing can replace our mental capacity and the Artist sensitivity, they have a gift to create and give life through discipline, hard work and knowledge. That knowledge is put into practice by mastering more than 20 principles and laws required to create a film, short, drawing photogram by photogram designed by hand on a classical lighted table or tablet.

Traditional Animation is give life and bring everything which doesn’t fit in one imagination, it allow one to be able to create everything only with a pencil and paper, there are no limits!! For a professional Animator, it`s so important to know the principles of science and art, because the traditional animation is more than only a good drawing characters and background`s with movement giving a natural flaw. Also, it`s necessary to know a little of physics, particularly dynamics, time control, aesthetic, follow your intuition, and much more. As you can see yourself by now, the traditional animation is so much similar to the film making process because one focus in their characters or actors/actresses.

Who`s a good Traditional Animator:

A good Traditional Animator is like an artist, one must be very observant of his or her surroundings, detail eye to observe the bird flying, how water drops, the nature sounds, etc because later one will be able to shape one ideas in a better way, and represent what one wants, no matter if it`s real or not. It doesn’t have anything to do with be understood, like a general order, an Artist must find order to the chaos. A traditional animator is always imagining, creating in his/her head must maintain and nourish simultaneously, besides checking the other animator works. When one is already working in this filed, one must be very constant and disciplined with its art and time, the more experienced, the best one movement, characters, drawings, shorts are becoming, more fluid and credible. Due to this being a long process with several stages, one must keep one concentration and order previously planned.

What knowledge a Traditional Animator must have:

To begin with, it`s necessary to know about drawing, human body to obtain movement from them, then study a basic traditional animation course which will give you the natural and easy going sensation of understanding how to create, move your ideas and the process in total in relation with speed, background, natural forces which affect movement, action and reaction laws, anticipation to force laws, etc combined with a good detail and intuition to work faster, organized and with dedication.

Steps to create a Traditional Animation

1. Create your argument: Ideas and story to narrate

2. Start your Storyboard: A sequence of images, simple drafting with text which help you as guide to plan your layout.

3. Create your Layout: It`s a group of scenes with action, background, characters and specific camera shoots and angles.

3. Start your Short: Creating and developing your characters and photogram’s, drawing by drawing with the previously chosen style.

4. Create your Technical Sheets: They`re model papers for each character with background, variety of angles, views and more documented images.

4. Create your Animatic: To visualize all your work, put together all technical sheet to see how to make some improvements.

5. Animating your Short: A correct traditional animation begins with a good planning, for this you need:

· To use alive models, scale models, rotoscopia, etc.

· Begin drawing the ending and starting parts because they`re faster to draw creating simultaneously your outline where the main actions and characters are included.

· Go to your drawings to determine changes in directions, movement, and in between add ins.

· Later start working in your loose layout parts, drafting the action lines looking for fluidity and coherence.

6. After, you must define structure and volume.

7. Add details and expressivity to all your drawings.

8. Start your checking and cleaning process which sometimes it`s very arduous but rewarding.

9. Then, you must start the final art laying out and painting your drawings

10. At this point, you must be ready to convert your short into a computer called a Digital stage

11. Finally, any good short must have video, audio and image, so you must start the edition stage.

What things you need to do it yourself

• A pencil and lots of paper

• A tablet or a classical lighted table inclined which will let pass light underneath

• A board with bars and small sticks to fit your technical sheets

• Colors, chalk, markers, watercolors, etc

• A computer

• A scanner or tablet

• Some good edition and computer software

And that`s all, YOUR SHORT, FILM or ANIMATION is ready to show it to your friends and family. IF you want to practice yourself, I`m adding here some instructive videos but, if you want a professional training, come to our Animation School in San Borja or call us at 223-0756 or email us at: mkt@onetooneperu.org or visit http://www.onetooneperu.org/Animacion.html - we`ll help you to improve, to finish and do your short or project in class to become a good Traditional Animator……Our courses are oriented to the Traditional Animation in a way to make a difference and to instruct young minds with a solid base so in a short time, they could become self-taught without depending of anybody or any program to express their ideas, maximizing your abilities and the artistic level in Peru….Webmaster!

1. Curso de Cine Animado

2. Curso de Historietas – Comics

3. Curso de Dibujo Animado – Figura Humana

4. Curso de Animación Tradicional

5. 5. Curso de Flash digitalizar tu corto

6. Curso de After Effects digitalizar tu proyecto

LA ANIMACIÓN TRADICIONAL Y SU CAMPO LABORAL

2010-08-12T13:31:00.000-07:00

Sabemos que algunas personas que desean estudiar animación tienen una percepción errónea de la misma. Primero piensan que sólo se trata de aprender programas de computadora, y más tarde llegan a comprender su error y descubren que es preciso dibujar bien, vuelven sobre sus pasos y buscan aprender animación de una manera académica, para poder desempeñarse como profesionales o artistas competitivos para el futuro inmediato. Les sorprende saber cómo es la vida de un profesional de la animación luego de años de producción personal y mucha experiencia, que son de los pocos artistas que tienen la capacidad de dirigir todo tipo proyectos tanto con dibujos o con actores, por supuesto imprimiéndoles su sello personal. La verdad que no se trata de una profesión para solo ganarse la vida, porque la animación envuelve las demás artes y si te permite disfrutar de la vida mientras vas desarrollando tus talentos, viajar, hacerlo en forma privada o dependiente, hasta te pagan por esto.
El mercado de la animación
El mercado de la animación es muy amplío en el mundo lo que le pronostica un futuro muy favorable como industria, sin embargo el numero de estudios y productoras, no crece y menos en esta parte de Sudamérica. En el caso del Perú como en casi todo uno debe hacerse su propio camino, lo que significa crear su propia fuente de ingresos. Esa es una de las la razones porque la gente del Perú es tan emprendedora. Todo depende de tu atención y buscar un ”nicho”, lo que en sencillo significa implementar tus propios espacios Desde el blog te sugiero algunas ideas, que si adquieres los conocimientos, imaginación y la habilidad que te permite desarrollar la animación tradicional (o académica) puedes desenvolverte comercialmente para ganar dinero mientras realizas tus proyectos personales, y con el objetivo de fundar tu propio estudio con tu propio equipo de animadores. Digo esto porque lo más importante para un artista es buscar la perfección. También ser competitivo, honrar su palabra, no ser egoísta sino compartir su experiencia y conocimientos para capacitar a otras personas siendo ejemplo de profesionalismo,. El dinero vendrá como consecuencia del tamaño de tu fé y esfuerzo.

Estas son algunas de las ramas donde puedes ofrecer tus servicios, así como otros servicios afines como son la ilustración, boletines ilustrados, etc. y concebir alguna de las oportunidades que te brinda esta profesión. A continuación posibilidades de trabajo en países similares al Perú.
-Instituciones del Estado Servicios, imagen institucional, servicio social, para los niños y adultos, defensa civil, turismo, canales de señal cerrada, etc
-Empresa privada, Publicidad e Imagen corporativa, Canales de señal cerrada de los bancos, financieras, etc
-Educación, lo referente a la comunicación de valores, historia, etc.
-ONG
Animación experimental para Artistas. Presentación de portafolios
Tv
Presentación de programas de televisión
Documentales de todo genero
Animaciones de bodas, nacimientos, baby showers
Adaptación de cuentos, relatos, mitos Series de tv y cine
Clips Programas infantiles, de cocina, mascotas, femeninos, culturales, etc
Clips para grupos musicales
Cortos para festivales
Servicios a Estudios del extranjero: Intermedios, animación, loyauts, escenografía, Modelado, calcado, etc
Escenografía
Voces para comerciales
Diseño de webs
Diseño de Juegos de computadora
Creación de software
Modelador en 3d
Etc, etc, etc…..
Puedes tomar cursos de una duración mínima de 8 meses en One to One Escuela de Animación y elegir cursos como Dibujo Animado, Animacion 2D, Cine Animado e Historietas. Lo importante no es el lugar sino las ganas y la vocación que tengas por esta carrera, la animación tradicional abarca todos las areas Creación/adaptación, Dirección, Producción etc, y todo pasa por ella. Te aseguro que cuando te gradúes, no sólo vas a encontrar trabajo, sino que vas a descubrir diversas opciones. Si estas ineteresado en algunas de nuestros cursos entra a la página http://www.onetooneperu.org/ o llamanos al 2230756

TRADITONAL ANIMATION & ITS WORK OPPORTUNITES WORLDWIDE
As we all know in Peru, some people who want to study animation have a wrong perception about their opportunities here and abroad. First of all, they think that it`s enough by learning some computer programs, later deep in the carrier and work, they discover that it`s also necessary to know very well how to sketch, draw, create characters so they go back and start all over learning animation in an academic way, to be competitive professionals or artists, this is especially true for Peruvians abroad, just a quick glance you can look in many animation blogs and the massive availability of comments about how difficult and different is the approach in education and training animation outside Peru, they felt rip off from some many places and vain dreams that I don`t blame them to feel disappointed, luckily for them, here in this blog and in One to One Animation school, we`re trying to set all right and be the difference, because nobody wants to feel like this!!
They`re really surprised about how`s a professional animator life and duties after years of personal experience and lot of production, resulting in not only great artists and animators, but also with a capacity to direct their own projects, guide young learners, give life to animated characters and real actors printing their personal seal. Honestly I must say that the truth is that Animation is not only a survival, temporal profession, because it encompasses by other art disciplines, maximizing your artistic skills and allowing you to enjoy life developing your talents, traveling, being a freelance, etc.
The worldwide Animation market
It`s very extensive to predict a future as an industry, nevertheless the number of studios and production companies are growing around the world, except of course, and I must say luckily not in Peru. Living in Peru as an Animator and Artist with many years of foreign and local experience makes me have the eager to create my own opportunities, which means my own source of income. That is one of the reasons Peruvians are so resourceful and good businessmen, but all depends on you and how you look for a “niche” and implement your own spaces like this humble friend does and advice. In this blog I suggest some ideas, so if you`ve the knowledge, imagination and abilities for traditional animation, cartoons, movies, nowadays you can get commercial success making money while doing your personal projects, with a goal for your own studio and team group, I must emphasize on this, because the most important thing for an Animator & Artist is perfection, we should always continue seeking for it in our projects and work!...Also be competitive, honoring your word as a merchant or businessmen, not to be selfish and share your own knowledge and experience with people, especially with young learner in search of guidance like our own policy in One to One Escuela de Animacion, in other words being a true professional no matter where you are. Money will come as a result of your faith and dedication!!
Below here are some areas from my own point of view and experience where a Traditional Animator could find job in Peru and abroad:
•Government institutions & NGOs with Illustration, cartooning, bulletins, designing books, characters with social, educational and children projects.
•Tourism Institutions in corporative image areas, publicity, social services, intranet and TV programs, etc
•Private enterprises in corporative image areas, public relations, their own TV channels in banks, etc
•Experimental animation for emerging artists and story boards and characters
•TV programs, series, shorts, story-telling adaptations and documental
•Animated productions for individual people like weddings, baby-showers, anniversaries, special birthdays, etc
•Movies and film making adaptations for the industry
•Clip production for children, cooking, pets, ladies, musical groups, bands and cultural programs
•Creating shorts for conferences, festivals, musicals, etc
•Creating layouts, backgrounds, sceneries, shorts, intermediates for foreign students
•Doing voices, sound and video editing services for commercials
•Web designing
•Working in creating and modifying computer games
•Creating animation softwares
•Using 3D for modeling and AutoCAD services and much more…

Idea de movimiento en tiempos remotos

2010-07-16T13:18:00.000-07:00

Después de mucho tiempo volví a ver en un canal local, uno de mis dibujos animados favoritos “robotech”, en esas épocas recuerdo que sólo podía concentrarme en las peleas entro los mutantes y los robots, pero ahora mucho tiempo después, me doy cuenta en del verdadero significado de la animación en nuestras vidas. No conozco a nadie que no haya visto un dibujo animado por lo menos una vez y no recuerde su niñez o adolescencia con melancolía. Pero ¿Quiénes están detrás de las primeras animaciones en la historia, los súper héroes o los guerreros? ¿Cómo nació la idea de crear dibujos animados? Son preguntas que me hice y trate de encontrar las respuestas correctas.Muchas personas creen que los dibujos animados son sólo un pasatiempo o un simple garabato en movimiento, pero en realidad es un arduo trabajo de auto-preparación y desarrollo de habilidades de diseño e imaginación para entregar vida y voz a un ser pero a través del dibujo y la animación. La animación has sido, desde tiempos remotos, un arte muy valioso y de gran ayuda para la investigación del pasado de la humanidad. En la era paleolítica, los hombres pre-históricos usaron trazos de carbón, cal, barro, sangre, arcilla y materiales diversos con los cuales expresaban sus actividades religiosas o las de su diario vivir. Este arte rupestre en el Perú hasta el momento a registrado 97sitios con pinturas y 137 sitios con petroglifos. El numero de figuras por sitios es muy variables puede dar desde una escasas hasta mas de quinientas, como en Sumbay en el departamento de Arequipa o en Pizacoma en Puno donde se encontró manifestaciones todos de arte parietal con petroglifos siendo la base de esta tradición figurativa.
En su mayoría se encuentran en zonas de difícil acceso. y se representan seres sobrenaturales, seres humanos, animales esquematizados, figuras geométricas o no figurativas, de estilo naturalista (caza y pastoreo); las pinturas mas estudiadas son la de Toquepala (Tacna), son perfectos ejemplares. También en el mundo diversas cuevas como las cuevas francesas de La Mouthe, Combarelles y Font-de-Gaume se retrataban animales como el famoso bisonte ( Pinturas rupestres de Cueva de Lascaux, Montignac Francia, antiguo, de 15.000 ac. Pintura de óxidos minerales sobre la roca. Longitud de los grandes toros: 5,5 m). La cueva de Altamira situada dentro en Cantabria (España). Son algunos ejemplos donde se conserva uno de los ciclos pictóricos más importantes de la Prehistoria. Tales escenas denotaban movimiento.
Gracias a estos dibujos los científicos e investigadores tratan de precisar la misteriosa finalidad de las mismas y su valor artístico y arqueológico, pudiendo estudiar la vida de los hombres de la antigüedad, considerándolo como el primer indicio de que el ser humano tenía un gran anhelo por plasmar el movimiento. Por otro lado en las antiguas culturas pre-incas podemos encontrar otros indicios en los tejidos y decoración de su orfebrería. Como que en la cultura egipcia sin duda podemos encontrar también en paredes dibujos en movimiento que retratan la vida cotidiana.
Volviendo al Perú (el país con la más grande riqueza cultural e histórica de las Américas, pleno de misticismo, paso de civilizaciones y de todas Las Razas) mencionaremos que artistas de la época pre-histórica. Pre-incaica, inca, colonial como la poco estudiad grandes Escuelas Limeña y Cuzqueña representaron cono sus obras de carácter histórico, religioso o ceremonial el movimiento de las figuras y de elementos como el fuego o las aureolas mágicas de los ángeles arcabuceros, santos y personajes celebres, (asimismo podríamos hablar de historietas de los dibujos de Pancho Fierro o al oleo cuando mencionamos los cuadros representado escenas de la pasión, como en época del renacimiento como, Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Botticelli, entre otros, tratando de dar movimiento en sus pinturas y esculturas.
Podemos darnos cuenta que desde años remotos los seres humanos tratan de congelar un evento especial para la posteridad, plasmar aquella realidad a través de sus trazos. Siendo estos de gran ayuda para la humanidad. Que sería de nosotros en estos tiempos sin las pinturas rupestres de puccharo, los telares de Paracas, las líneas de nazca o los decorados Keros incas y sin las obras de arte Bernardo Bitti, Zurbaran,Mateo Pérez de Alesio y Angelino Medoro, entre otros y los artistas anónimos.
El sentimiento innato en los artistas por tratar de retratar lo más real posible las actividades en movimiento de las personas comunes o que viven en su imaginación nos abre la puerta a un nuevo mundo lleno de fantasía, seres del más allá, mutantes salvajes, etc., que nos acompañan en un viaje al futuro desde la niñez dándonos mucha emoción. El elemento de la animación ha sido muy importante en el arte, pero esto no hubiera sido posible si no fuera por la iniciativa de los artistas que intentaron y se arriesgaron en representarlo en cada obra , creyeron en ellos mismos al retratar diversas fases de la historia humana o nuevos mundos sacados de la imaginación. El arte rupestre son las manifestaciones figurativas que se realizaron en cuevas, paredes rocosas, piedras y bloques. Se puede dividir en dos grupos; las figuras pintadas también llamadas pictográficas y las figuras grabadas o petroglifos. En el Perú también se les conoce como quilca que viene del quechua quillcana (escribir).

The Animation in Ancient times
After a long time I saw in a local channel, one of my favorite cartoons "Robocop", in those times I could only concentrate in the fight between mutants and robots, but now I realize in the true meaning of Animation in our lives. I don`t know anyone who hasn`t seen this cartoon at least once in their life and remembering their childhood or adolescence times with melancholy. But who is behind this animation, super heroes and warriors? How and who came with the idea of creating a cartoon? These are questions that I did try to find for this weekly blog.
Many people think that cartoons are just a hobby or a simple doodle in the move, but it`s really hard work of preparation, personal development and imagination to give life and voice to characters. The animation has been here since ancient times, an art valuable to the history of humanity. In the Paleolithic time, the Pre-historic men draw and print with traces of coal, lime, mud, blood, clay and other materials expressed in religious activities and daily lives. In Peru, you can find art rocks so far in 97 registered archeological sites with 137 pre-historic draws and petro glyphic, the most famous in Sumbay, Arequipa and Puno, Pizacoma with figurative traditions. Most of these are located in difficult access areas with supernatural beings, human representations, animals with geometric, figurative shapes with naturalistic style hunting and grazing, the most studied are in Toquepala, Tacna. There are also many caves in the world like in Frances, La Mouthe, Combarelles and Font-de-Gaume where animals are portrayed as the famous bison in Lascaux Cave, Montignac France with 15,000 AC made of mineral oxides in the rock, with a length of 5.5 mm or the cave of Altamira located within in Cantabria, Spain, some examples of important pre-Historic paintings in motion. Thanks to these expressions, scientists and researchers try to clarify the purpose of those mysterious and artistic sites for men in ancient times considered as the first indication of great yearning for capturing motion and decoration or pottery.
Returning to the Peruvian history, in Pre-Inca and Colonial times were poorly studied the historical, religious and ceremonial representations of Lima and Cuzcos` schools with figures and elements like fire or magical auras harquebusiers angels, saints and historical characters. We could also talk about cartoonists like Pancho Fierro with drawings or oil paintings of depicted passion scenes as in Michelangelo, Leonardo Vinci, Botticelli`s times, among others. We realize that through the years, humans were trying to freeze or keep an special event in potteries to shape their reality through lines, shapes, figures, which now help humanity. What would become of us in these times without the important expression of Puccharo painting caves, Paracas`Lomas in Nazca Lines, the Inca`s Queros, artworks from Bernardo Bitti, Zurbaran, Alesio and Angelino Medoro, among other artists.
The innate sense of artists to portray as real as possible ordinary, everyday activities and celebrations from his imagination opening their doors to a new world with full of fantasy, creatures, mythical believes, mutant wildeness, etc. which accompany us on a journey from childhood to adult hood giving motion and emotion to their lives forever. Animation has been always very important in our life, but this wouldn’t be possible without the artists of all time initiatives who tried to take a challenge in representing their work, portraying their stories with human imagination. The Ancient rock art are figurative expressions in caves, walls, stones and blocks, they can be divided into two groups called painted figures and recorded pictographs or petro glyphs, but in Peru are known as Quilcas or Quillcanas in quechua.

Historia del inicio de la Animación en Perú (parte I)

2010-06-24T12:20:00.000-07:00

El presente es mi intento de resumir la encantada e inédita historia de la Animación en el Perú según mi experiencia este es mi testimonio personal y adjunto limitada información pero de fuentes que juzgo bastantes confiables, no menciono hechos adicionales relacionados para evitar imprecisiones y especulaciones. Hay mucho trabajo por hacer. Es necesario recurrir a otras fuentes de información para armar la historia, hechos, detalles y datos precisos, lo cual intuyo será una tarea larga, pues hasta el 2010, no es posible la revisión del Material Audiovisual entregado por Genaro Delgado Parker a los archivos de la Biblioteca Nacional del Perú por seguir pendiente su clasificación. Además también existe otra fuente de datos relacionada a otro Broadcaster: Nicanor Gonzales, fundador de América Televisión, fuentes colaterales como las personas que trabajaron en esos medios en esa época como el desaparecido diario La Prensa y otros diarios y demás personas - como el familiar venezolano el productor Rafael Quiroga y la familia Lindley para tener un intento de tener una historia lo más aproximada. Los datos por confirmar son lo referente a las fechas.
Por Rafael Seminario Coello, artista y director animador, junio del 2010

1. Rafael Seminario Quiroga, Peruano, artista autodidacta, director de animación, retratista, paisajista, guionista, historietista e dibujante de caricatura deportiva, experimento con sus primeras animaciones a fines de los 40s y entro en la producción de otras - más logradas - a inicios de los 50s con sus producciones más conocidas "Sorpresas limeñas" (1953) y "El lápiz mágico de Rafael Seminario” estrenadas en Lima, y que recibió una amplia cobertura por los medios de la época. Este hecho que significó el inicio de la animación en el Perú. Documentales auspiciado por Isaac Lindley, propietario de la Embotelladora Inka Cola. Rafael Seminario Quiroga continuo desarrollándose en solitario, innovando y animando en un estilo propio fruto de su talento natural, y solucionando con habilidad los problemas que fueron apareciendo en el camino para realizar sus películas en la más pura escuela clásica. Sus animaciones se realizaron sobre acetato, delineado en tinta china, acabado en tempera, escenografías, pincel y aerógrafo de películas en blanco y negro y a full color en 16 milímetros.

2. Desde fines de los 50’s y ya en los 60s, sigue siendo el único en hacer animación en el Perú y único entrenando personal para este fin. Desde esas dos décadas ya incursiona en la Televisión realizando aproximadamente 200 comerciales (para la tv de blanco y negro ) Será su estudio semillero y alma mater de muchos artistas.

3. Mi testimonio personal, solo recuerdo la creación y producción de comerciales en animación para las siguientes empresas y productos.
• Refrescos Bimbo
• Galletas Field
• Mutual El pueblo
• Mentol tigre
• Presentación programas culturales de diversos canales de televisión
• Scala Gigante
• Contrita, etc…

4. Durante el gobierno de Juan Velazco es producido el documental en full animación, "El Pacto Andino”, “Los impuestos” y otros. Su nombre aparece en créditos de producciones fílmicas, telenovelas y video tape en diferente temática. Por ejemplo: "La música compuesta por Jaime Delgado Aparicio para “El Embajador y Yo” combina de forma extraordinaria jazz con ritmos de moda de finales de los sesenta. Desde el inicio, en la presentación de los créditos, en los dibujos animados de Rafael Seminario, se aprecia la creatividad en la composición y brillantez de la ejecución por una orquesta de más cincuenta músicos, interpretando el tema principal de la película (fuente el ojo crítico).

5. En los 70s y 80s continua trabajando independientemente y enseña a jóvenes artistas de aquellos años para trabajar en producciones de animación, que formarían el grupo "Sigfrido" denominación de un proyectado largo metraje que no llegó a su culminación. Al final de los 70s, otra vez se puede contar en el Perú con un nuevo grupo de artistas preparados por Rafael Seminario Quiroga, sin embargo en esta etapa llegan del extranjero producciones “enlatados” en su mayoría del Japón y la tecnología del video tape resultando más económico y comercial que el celuloide con la consecuencia que sus proyectos de cortos y largo metraje, así como series animadas y de actuación para la televisión quedan en archivo por falta de financiamiento
LISTA DE ALGUNOS DOCUMENTALES Y CORTOS:
• Los impuestos
• El Pacto Andino (dibujos animados y stop motilón)
• Largo metraje “Sigfrido” sinopsis (prueba a lápiz),
• La mosca
• La sombra
• Mari Pili
• Empresas de golosinas
Si alguien tiene más datos, cortos o donde encontrar algunos de estos dibujos animados y otras producciones, agradeceré nos envié su material y sus comentarios para luego publicarlos a: enquiries@onetooneperu.org - Si desean formar parte de los Talleres de Animación y Dibujos Animados de Rafael Seminario, visite su página web. http://www.onetooneperu.org/Animacion.html o llamenos al: 223-0756 - Lo invitamos a escuchar su Entrevista en Vivo sobre la Historia de la Animación en Perú, haciendo clic en el siguiente enlace o vídeo......Esperamos sus comentarios, Webmaster!

Peru`s Animation History – Part 1

This is an attempt to summarize the enchanted, unpublished history of Animation in Peru from my experience and personal testimony with limited information and insufficiently reliable sources trying to avoid inaccuracies and speculations. There`s much research to do and sources of information to assemble, details, accurate data which I suspect will be a long task because until 2010, it isn`t possible to review this Audiovisual material donated by Genaro Delgado Parker to the National Library archives due to their pending classification. In addition, we`re missing many other sources to be fairly accurate from the broadcaster, Nicanor Gonzales founder of American TV, media articles and publications from La Prensa newspaper, recordings from Rafael Quiroga`s family, interviews to Lindley`s family and more to have a complete story, the data to be confirmed is regarding to dates:
1. Rafael Seminario Quiroga, Peruvian, self-taught artist, animation director, portrait and landscape architect, writer, cartoonist did his first experiment with animation in the late 40s and went into the production successfully in the early 50s with his most famous short, "Sorpresas Limeñas" & "El lápiz mágico de Rafael Seminario” (1953) showed in Lima by Isaac Lindley, owner of Inca Kola which received extensive coverage by media as the beginning of Animation in Peru. (Source by researcher & writer, Raul Rivera Escobar). After, Rafael Seminario continued developing on his own, encouraging innovation in his own natural style, skillfully in solving problems that appeared on making movies as the purest classical school. His animations were made on acetate, ink, acrylic, brush and airbrush in black, white and full color films of 16 mm.
2. Since the late 50's and 60s, he remains as the only one to do Animation in Peru and the only training staff for it. In these two decades, he made his own way to TV with almost 200 commercials (black and white), these will be the seed for many artists until now.
3. My personal testimony, I just remember the creation and production of animated commercials for the following companies and campaigns.
• Refrescos Bimbo
• Field galletas
• Mutual El pueblo
• Mentol tigre
• Various TV channels cultural programs
• Scala Gigante
• Contrita, etc.…
4. During Juan Velasco`s government were produced the following Animated documentaries, "El Pacto Andino", "Impuestos" and more by Rafael Seminario who appeared in film production credits, soap operas and video tapes for example: "Music composed by Jaime Delgado Aparicio for "El Embajador y Yo" who combines extraordinary jazz rhythms of fashion in the late 60s. In the beginning of this film, Rafael Seminario`s cartoons composition, creativity and brilliance was performed by an orchestra of over 50 musicians playing the main theme.
5. In the 70s and 80s, Rafael Seminario Quiroga still continues working independently and teaching young artists to work in Animated productions who would later being part of “The "Siegfried group” for many projects and films, which at the end did not reach their culmination.
6. In late 70s, we see again in Peru a new group of performers prepared by Rafael Seminario Quiroga, however at this stage "Canned Productions” arrived from abroad, mostly from Japan and the Video tape technology becomes more commercial and cheaper than Celluloid resulting many animated feature films, short projects and series for TV were lacking of funding.
LIST OF DOCUMENTARIES AND SHORTS DONE IN PERU:
• Los Impuestos
• El Pacto Andino (dibujos animados y stop motilón)
• Largo metraje “Sigfrido” sinopsis (prueba a lápiz),
• La mosca
• La sombra
• Mari Pili
• Empresas de golosinas
If you want to be part of the Rafael Seminario`s Animation & Cartoons workshops, visit his website for more information. http://www.onetooneperu.org/Animacion.html - We also invite you to listen our alive interview about the History of Animation in Peru, by clicking the following link or video:

Recordando a un personaje de la Escuela Nacional de Bellas Artes: Angela Carella

2010-06-03T18:06:00.000-07:00

Hoy cuando leo alguna noticia sobre la escuela de Bellas Artes del Perú, se viene a mi mente la recordada profesora, Ángela Carella (fallecida hace algunos años), me tomo el examen para ingresar a la escuela, siempre dándonos animo y no caer en nerviosismo.

Su presencia en la escuela era importante porque entregaba toda su experiencia y conocimiento sobre la historia del arte peruano y universal a generaciones de logrados artistas. Hablaba de la historia del local de la escuela de bellas artes acerca del origen del lugar donde se sitúa la Escuela y como había sido un convento de monjas, que había catacumbas y otras anécdotas como extraños hechos ocurridos que nos erizaban la piel de miedos.

A grandes rasgos como profesora de Historia del Arte y de Historia Universal, ella se emocionaba en su clase hablaba de sus viajes, al final era más de su vida, siendo bastante exigente ya que le gustaba que le “Paporreteen” en los exámenes, pero también fumaba mucho, tenía su cajetilla con cigarrillos en el pupitre y prendía un cigarrillo muy seguido uno tras otro. Más allá de las clases pintaba bien, una vez vi un cuadro suyo durante una muestra de aniversario de la escuela de corte impresionista. Fue en el auditorio de la escuela y realizó una última exhibición en el centro cultural peruano ruso.

“Los artistas son extraños por eso la gente común los toma por locos, por ser diferentes, ¿Es verdad que somos locos? …Claro que sí!” Bueno no recuerdo más exactamente, sólo quiero compartir con ustedes si la conocieron o no, poco importa, esta imagen que le hice de una de las últimas clases de historia del Arte Peruano, en la escuela de Bellas Artes de Lima, y aquí su registro lo dicho por ella aquella vez: “El artista en el fondo es introvertido, puede bromear y reír, pero `profundamente sólo se le puede conocer en su obra, pues ahí se enfrenta a su obra. Es él y su obra. Ya no es la apariencia, es la sustancia que busca hacia adentro, pues el sentimiento interno no se puede expresar en palabras.”

Profesora Ángela Carella………Esperamos los comentarios de nuestros lectores!

EL FLIPBOOK Y LA IMAGINACIÓN

2010-05-14T16:54:00.000-07:00

La idea de este blog es crear un espacio para conversar sobre la belleza, el arte, la animación.

Aprender animar con flip books
El proceso de creación es mágico tienes ante ti el infinito de una hoja en blanco (o un bastidor en blanco) y lo que tu ves en tu imaginación es lo que vas a presentar -no representar- es tu verdad. Todo lo que existe en nuestro plano físico primero lo vemos en el mundo de la imaginación, y todo es posible gracias a ella, que en un principio es como la Banda Sonora de una película que jamás veras, pero que puede hacerse real. Con un dibujo todo es posible, puedes hacer que se mueva, le puedes dar vida.
Poder imaginar sin límite
La imaginación y la fantasía son un regalo enviado por el cielo y aprender a manejar estos poderes, - y si eres afortunado – implica tener la inocencia de un niño. Para darle vida a tus creaciones tienes una herramienta sencilla de manejar el flip book. El tener la fantasía de un niño, cambiará tu vida para siempre, pues la mente de un niño puede hacerte ver cosas desconocidas porque cree en lo imposible, no se ata en buscar explicaciones, simplemente sabe y no se hace problemas. ¿Cómo puede llegar una persona adulta a volver a ser como un niño? ¡Jajá! Buena pregunta...
Experiencias conscientes de iniciación para ser como un niño
Ser un artista es también estar profundamente enamorado de los valores eternos, del futuro de lo más nuevo e innovador. Las grandes transformaciones que se suceden en ciertas épocas se caracterizan por una explosión de creación de los artistas de toda índole. Sin duda, separar lo imaginario de lo real es crucial y no me refiero a un adulto regresivo. Nadie puede vivir en su mundo propio, y desconectarse de los demás. Sin embargo mucha gente cree que la fantasía es algo simple y que es sólo una inspiración o cuento de hadas, que no significa nada especial; son personas que se resisten al cambio y valoran el conformismo, pueden malinterpretar y no creen que deban darle mayor importancia. Estas personas en su momento también fueron niños pero sin saberlo dejaron su maravillosa sensibilidad, sus dones espirituales y sus sueños, y…. ¿La pérdida de este período es irreparable? ¡¡Tener la imaginación de cuando éramos niños es una poderosa fuerza para el arte y para el amor, imagina, busca dentro de ti y encontrarás material muy interesante!!
¿Un artista nace o se hace?
No es genio quien hace complejas operaciones matemáticas sino quien tiene el poder de una imaginación sin límite, un artista lo será por su nivel de imaginación. Dicen los especialistas que la etapa mas importante de la vida no es la que corresponde a los estudios universitarios, sino al primer período que se extiende desde el nacimiento hasta los seis años porque se forma la inteligencia. Pero el acto decisivo en la vida de las personas se da mucho después, cuando conscientes de lo bueno o malo, se hace uso del libre albedrío y se decide entre lo mejor de lo mejor o lo peor de lo peor. Cada persona lleva dentro de si las potencialidades de lo que un día será, depende de que senda elija.
Podemos elegir ser altamente sensibles para renovar antiguos sistemas que no nos sirven, ser actores de nuestro destino y conducirnos hacia un nuevo mundo. Un hombre/mujer con la imaginación y la fantasía de un niño no puede ser alcanzado. Hagan flip books, DIBUJEN MUCHO....

PRÓXIMAMENTE Experiencia piloto (Inscripciones Abiertas) Seminario-Taller Gratuito de Animación “Tu pulgar hace el cine”. Como una forma de alentar y difundir esta actividad, tenemos previsto realizar un seminario taller sobre la animación y para eso hemos complementado un taller de folioscopio o flipbooks. Podremos observar allí diferentes estéticas y distintos modos de producción se exhibirán trabajos realizados en Perú. Publicaremos Información y condiciones para participar en esta ACTIVIDAD GRATUITA. Te invitamos a ver una pequeña muestra en youtube: http://www.youtube.com/watch?v=Brc3FW6Drbk - Para mayor informacion, visite nuestra pagina web: http://www.onetooneperu.org/

¿¿NO HAY ESCUELAS DE ANIMACION EN PERU??

2010-04-16T09:11:00.000-07:00

Transcribo lo siguiente tal como apareció en el siguiente foro: http://universodisney.mforos.com/97427/626024-me-meo-en-peru-no-hay-ni-una-sola-escuela-de-animacion/

“Me meo, en Perú no hay ni una sola escuela de animación!! Copiado del foro de un amiguete, yahahahah¡..¡ULTIMO MINUTO!! Y esto es muy serio - Se ha descubierto que en el Perú, un país de América del Sur: ¡No existe una escuela de Dibujos Animados!!- En la publicidad por televisión no llega al 0.001% de publicidad en Dibujos Animados; es casi nulo. El Ministerio de Educación¡¡ No utiliza para nada los dibujos animados > para alguna campaña para los niños! Claro si no hacen campaña alguna. Los dibujantes animadores se dedica a otra cosa, menos a desarrollar su > arte en > los dibujos animados. Excesivo!!!!!
La Verdad: La animación en el mundo ha demostrado ser un motor muy importante de desarrollo que revoluciona lo educativo, artístico y economico, una posibilidad rentable en muchos países pobres. Pero nada de eso pasa en Perú, país en vias de subdesarrollo, país que involuciona, por lo tanto de futuro incierto. Una prueba indebatible: el descuido de la educación en los adultos y niños. La idea de exito celebra lo práctico, a no emprender, y se va´a estudiar “por una razón práctica”, por que cierta profesión puede dar dinero o por que está de moda; se prioriza lo fácil, el negocio y no ser más persona. No importa tener vocación o sueños porque para triumfar no necesitas cultivar tu espiritu o usar tu cerebro. El resultado perenizar un circulo vicioso de ser dependientes…. La educación es un derecho y es la herramienta que nos permite realizar nuestros sueños.

Escuela de Animación One to One Perú (Tef 223-0756) ¿Que es animar? ¿Cómo hacerlo? Son preguntas que ponen en suspenso para quien deseé aprender.Los interesados en el arte del cine animado, para aprender hacer una pelicula no necesitan comprar una computadora, un tablet y algunos programas. Sólo papel y lápiz. Lo más importante es APRENDER LOS PRINCIPIOS DE LA ANIMACION, dominio del dibujo artístico y la figura humana (entre otros temas). Tenemos una pequeña escuela creada, con el fin de enseñar la animación académica o clásica, y ofrecemos nuestro curso en la ciudad de Lima, con metodologia adaptada al medio, economica, sencilla de aprender buscando en lo posible que el estudiante no gaste dinero; no somos convencionales, nos gusta innovar. Eventualmente visitamos escuelas de arte en provincias con mini-talleres gratuitos de un sólo día con el fin de motivar a los estudiantes de arte, diseño, escolares, a todo quien guste dibujar hacer animación. Nos encanta enseñar, es nuestra vocación y lo hacemos con modestos recursos. En Lima podemos coordinar mini talleres con clubs de comics, centros, grupos, etc.

Académicos no del todo: Nos importa romper los esquemas de lo convencional, damos importancia a la identidad, la mística o la presencia de una filosofía de la cultura peruana. Creemos, es más importante para un educador enseñar a los alumnos a volar con sus alas y que estas no se atrofien. Otra cosa es conformarse en tener las alas atrofiadas, eso es distinto. Pero si abres tu mente esas alas volverán a crecer.

¿Pero en qué consiste animar? Si referimos de un género donde contemplemos todos los principios básicos y académicos del arte de la animación, obviamente hablaremos de la animación clásica o tradicional. Se puede realizar el cine de animación con técnicas artesanales o con la tecnología digital, en un amplio campo de aplicación.
Para artistas: En cuanto a las posibilidades de creación de la animación, aseguro que son ilimitadas, porque el arte es un impulso dinámico hacia un proyecto que debe ser realizado, y aquí es posible llevarlo a cabo incluso con muy pocos recursos: con una simple cámara de fotos digital, una PC editora sencilla y mucha paciencia. La animación es potencialmente generadora de nuevos lenguajes y de nuevos modos de ver y entender lo artístico desde una experiencia multisensorial. Lo que atrae es poder jugar, hacer magia, y sobre todo de manera artesanal. Cada vez me fascino con las posibilidades creativas de la mente a través de la animación. Tu mente es una editora completa de video, una editora de sonido, tienes todo en tus manos: una fuente de creación de imágenes, un soporte que te permite la mezcla, la hibridación más osada, puedes jugar a tu propio gusto tanto con la forma, transformarla en una materia plástica, que se amoldaea tus caprichos y necesidades. Con este fin y con escasos recursos, hemos armado el seminario de animación llamado curso flip-books, del que esperamos salgan películas y gente capacitada. Porque para hacer cine animado primero se anima. Nosotros queremos que también tenga sus cultores en este país.

PRÓXIMAMENTE Experiencia piloto (Inscripciones Abiertas)

Seminario-Taller Gratuito de Animación “Tu pulgar hace el cine”. Como una forma de alentar y difundir esta actividad, tenemos previsto realizar un seminario taller sobre la animación y para eso hemos complementado un taller de folioscopio o flipbooks. Podremos observar allí diferentes estéticas y distintos modos de producción se exhibirán trabajos realizados en Perú. Publicaremos Información y condiciones para participar en esta ACTIVIDAD GRATUITA. Te invitamos a ver una pequeña muestra en youtube: http://www.youtube.com/watch?v=Brc3FW6Drbk - Para mayor informacion, visite nuestra pagina web: http://www.onetooneperu.org/